¿Te imaginas que tu peor pesadilla se haga realidad y tengas que vivir rodeado de monstruos legendarios mientras escondes que eres humano? Esta es la realidad de Tsukune, un chico de 15 años que, sin querer, se verá rodeado de vampiros, hombres lobos, súcubos, brujas y otros seres horripilantes. Todo reunido en el mismo lugar, el Instituto Youkai. ¿Te atreves a estudiar con ellos?
Ficha técnica
Nombre original: ロザリオとバンパイア(Rozario to Banpaia) Autor: Akihisha Ikeda Año de publicación en el lugar de origen: 2004 Género: ecchi, harem Categoría: Shōnen Volúmenes: Primero temporada, 10 tomos; segunda temporada, 6 tomos.
En los tiempos que corren, encontrarnos con una serie que sea levemente original o que se salve de una serie de tópicos es realmente difícil, y más si intentamos encontrarla dentro de géneros tan asentados como son el shōnen o el shōjo. Rosario + Vampire no es una excepción, ni en temática ni en argumento, aunque quizás sí en ambientación, ya que, aunque recurre a la típica comedia escolar de tipo harem que tan buenos ratos acostumbra a hacernos pasar por la distensión del argumento, le da una nueva vuelta de tuerca y lo ambienta en un lugar totalmente desacostumbrado como es el mundo fantástico y en especial, monstruoso. Pero, ¿De qué va el manga?
Aono Tsukune es un joven japonés de 15 años que no alcanzó la media suficiente para conseguir entrar al instituto de secundaria. Ya se había resignado a tener que repetir curso cuando su padre llegó a casa indicándole que había encontrado el lugar idóneo para él, la Academia Youkai. Así, emprende su viaje en un extraño autobús hasta un inhóspito lugar, rodeado de gente rara entre la que no parece encajar.
Conocerá entonces a la hermosa Moka, una chica dulce y cándida que porta un enorme rosario en el cuello a modo de adorno. Es en el primer día cuando Tsukune se da cuenta de que la Academia Youkai no es un instituto normal, sino que es un lugar en al que los monstruos acuden a aprender a comportarse como humanos para poder integrarse en su sociedad. Es entonces cuando verdaderamente cree lo que Moka le había dicho al conocerse: que era una vampiresa, y es más, una vampiresa totalmente adicta a la sangre de Tsukune, en un arranque de originalidad por el guionista, ya que jamás podríamos imaginarnos que Moka podría sentirse nada atraída por el joven Tsukune si no es por su dulce sangre y porque si no no, sería una buena comedia amorosa.
Sin embargo, los adolescentes monstruos tienen prohibido revelar su identidad, aunque realmente esta restricción se la pasen por los pies. Es gracias a esa falta de autoridad por parte de los directivos del instituto que los alumnos, e incluso profesores, se muestren con su verdadera forma, y para combatirlos, ¿qué mejor que un vampiro? Así que, Tsukune siempre es el encargado de arrancarle el rosario que sella los poderes de Moka, la cual adopta la personalidad vampírica y acaba con el peligro inminente, aunque, eso sí, sin que dure excesivas páginas, que esto no es un manga de acción.
Pero, ¿y las demás chicas? ¡Ajá, aquí os quería yo ver! Efectivamente, no puede ser un perfecto manga harem sin otras chicas de buen ver enamoradísimas del protagonista. Así nos encontraremos con la exuberante Kurumu, una súcubo; la muy inteligente Yukari, una bruja de tan sólo 11 años; o Mizore, una dama de las nieves siempre armada con piruleta en mano. Evidentemente, todas se pelearán por el amor de Tsukune, el cual sólo tiene ojos para Moka, pero, ¿Y Moka para él?
Vampiros, hombres lobos y… ¿Pantsu ? El estilo de Ikeda no destaca precisamente por su buen hacer, por sus proporciones anatómicas perfectas, ni por unos acabados de ilustración de Samura en su “Espada del Inmortal”. Es decir, que no destaca en nada, pero tampoco falla en ningún concepto. Estamos ante un autor que podría considerarse como “correcto en ejecución, correcto en el diseño de personajes e interiores y correcto en guión”.
Sus monstruos no son para nada feroces, o al menos no dan la impresión que pueden dar en otros mangas más terroríficos, ya que parece que contengan un halo kawaii a su alrededor: la vampira, glamurosa; la súcubo, atractiva; la bruja con el típico sombrero; o el hombre lobo, que más que monstruo parece un perrito un poco enfadado – conozco perros que dan mucho más miedo que él, como por el ejemplo el peluche de Kobato, que evoca precisamente el efecto contrario que se buscaba. Vamos, que el diseño de personajes monstruosos deja bastante que desear, pero, ¿acaso le hace falta hacerlo mejor? Pues no, porque, recordamos de nuevo, estamos frente a un manga shōnen del tipo harem y lo que importa son las chicas, y eso sí, las chicas están bien hechas, con buenas proporciones y bien dibujadas, aunque pequen en ocasiones de tener expresiones demasiado infantilizadas en comparativa con los cuerpos que tienen.
La estructura de los capítulos del manga suele repetirse en casi todos los capítulos: escena inicial con Tsukune y Moka, presentación del conflicto, batalla con transformación de Moka a vampira por el medio y final feliz. Este tipo de estructura suele repetirse en gran variedad de mangas y es una fórmula que suele funcionar bastante bien, ya que, tenemos que tener en cuenta que estas obras son publicadas en un principio en revistas y luego pasadas a los consabidos tankoubon.
Rosario + Vampire no destaca en ningún aspecto de su apartado gráfico, quedándose en un casi notable, y no arriesga nada en cuanto a nivel de argumento, pero sin duda, entretiene una barbaridad y, aunque resulte excesivamente previsible si eres fan de este género y ya conozcas varias obras como “Love Hina” o “I’’s” probablemente te divertirá pero no te fascinará. De todas formas, “Rosario + Vampire” es uno de los mejores mangas harem de los que podemos disfrutar en la actualidad y el punto de jugar con los monstruos es siempre original e interesante, manteniéndose hasta cierto punto la intriga sobre el siguiente monstruo al que se enfrentarán cuando la carga argumental no es lo suficientemente fuerte como para mantener la atención del lector.
Lo mejor: La originalidad de incluir monstruos en un shōnen harem. Lo peor: La historia es totalmente previsible.
Vuelvo por estos lares para presentarles algo muy especial. No se trata esta vez de un anime al uso, lo que traigo en ésta ocasión es una película: 5 centímetros por segundo, un drama sobre la vida real que nos hará disfrutar a lo largo de 63 minutos, divididos en tres partes. Sin quieren conocer más a fondo esta excelente película les aconsejo que sigan leyendo.
Ficha técnica Nombre original: Byōsoku Go Senchimētoru Año: 2007 Director: Makoto Shinkai Estudio: CoMix Wave Inc. Género: Drama Categoría: Shôjo Duración: 63 minutos
Sinopsis
"La velocidad con la que caen los pétalos de la flor del cerezo, son 5 centímetros por segundo".
De esta forma tan sugerente comienza la historia de Takaki y Akari, dos niños que estudian en la misma escuela primaria y son grandes amigos. Sin embargo, al llegar la secundaria, la familia de Akari debe mudarse debido a causas de trabajo, lo que dificultará la posibilidad de mantener la relación entre ambos.
Si ya era complicado, ahora es la familia de Takaki la que debe mudarse, distanciando aún más a la pareja protagonista. Antes de incrementar la distancia, Takaki decide ir a visitar a Akari. Lo que sucede entonces condicionará la vida de Takaki para siempre.
Animación y dibujo
La idea original del proyecto fue de Makoto Shinkai, que además asumió la labor de dirección del filme, es conocido por sus trabajos anteriores en Hoshi no Koe o Kanojo to kanojo no neko, por el cual recibió varios premios. 5 centímetros por segundo es su último trabajo.
El diseño de los personajes y del fondo corre a cargo de Takayo Nishinura, Takumi Tanji y Ryoko Majima. El dibujo de los personajes es simple y poco detallista, sin destacar a los protagonistas por encima de los demás, método para realzar el sentido de realismo. En lo referente a los fondos hay que quitarse el sombrero, detallismo absoluto que pueden apreciar en las capturas.
En lo que a la animación se refiere, el estudio CoMix Wave Inc. realiza un trabajo extraordinario. La sensación de iluminación es apabullante y el transcurso de la historia pausado, dándole más emotividad. Destacar asimismo, en el aspecto visual, la caída de las flores de cerezos o de los copos de nieve. Unas imágenes y un diseño dignos de una película.
Banda sonora y doblaje
Nos encontramos con una OST que posee una calidad impresionante, con temas melódicos y dramáticos que nos transportan a la atmósfera melancólica que nos presenta la película. La BSO no es que se compagine con la película, es que viene a ser un elemento indispensable para ésta. La OST corrió a cargo de Tenmon.
Aquí le dejo el trailer de la película, que se presenta con el tema de cierre del filme, que a su vez, es el tema principal de la OST: One more time, one more chance, escrita e interpretada por Masayoshi Yamazaki.
En lo referente al doblaje, sólo está disponible en versión original, japonés. Como siempre éste es perfecto, adaptándose a personalidad de los personajes, siendo doblados por los actores de voz Kenji Mizuhashi en el papel de Takaki, Yoshimi Kondo y Akaya Onoue como Akari en la primera y tercera parte de la película respectivamente y Satomi Hanamura en el papel de Kanae, es sencillamente sublime, logrando darle a los personajes un carácter realista sobrecogedor.
Opinión personal
Cuando hablamos de películas de animación japonesa solemos pensar en los estudios Ghibli, referente en este mundo por películas como Mi vecino Totoro o El viaje de Chihiro. El resto de las producciones cinematográficas animadas llevadas por otros estudios suelen pasar desapercibidas para el público general, salvo raras excepciones como Akira. Lamentablemente 5 centímetros por segundo pertenece a las olvidadas.
Sin embargo, esta producción logra superar en determinados aspectos a películas con mayor reconocimiento. Un dibujo que no debe envidiar nada a nadie y sobre todo una OST que no sólo cumple su cometido, sino que lo ensalza y nos transporta a la atmósfera que crea la película de melancolía; hace que estemos hablando de una de las mejores películas de animación del momento.
La película esta rodada de una forma original, por capítulos. La película consta de tres de estos capítulos, que vienen a transmitir la personalidad del protagonista a lo largo de su vida: niñez, juventud y madurez. Este hecho da originalidad a la forma de presentación de la historia, pero al mismo tiempo provoca que la historia sea un tanto inconexa en el tempo.
La trama, dramática, a su vez es totalmente realista. No se introducen aspectos fantasiosos como en muchas otras películas animadas, aquí se muestra la realidad, personajes normales sin ningún tipo de aspecto que sobresalga por encima de nadie. Se busca la conexión con el espectador mediante sucesos que al propio espectador le acontecieron o le podrán acontecer, sucesos que ocurren de forma asidua en cualquier parte del globo.
Asimismo, el contenido filosófico es patente. La propia trama nos hace reflexionar sobre el valor de los recuerdos, la dramática situación que produce quedarse anclado en el pasado, no poder retroceder y, lo que es peor, no poder avanzar. Se intenta hacer llegar al espectador la idea de que los recuerdos son algo fundamental, pero que la vida sigue y el tiempo pasa inexorablemente por nosotros. No se puede vivir de los recuerdos, y el que lo haga se consumirá en su propia infelicidad. Así pues, no solo nos muestra una historia, sino que nos transmite un mensaje para incitar a la propia reflexión.
En resumen: drama que trata pequeñas situaciones relacionadas entre sí desde una perspectiva totalmente realista.
He yo aquí un día más para traeros un manga un tanto diferente a lo que se acostumbra por estos lares: una historia de polígonos amorosos que no padece del típico harem ecchi y en la que el/la prota no se decide a qué o quién atenerse, en muchos aspectos.
Por cosas de la vida, Ikeda Yoshinori acaba ocupando el puesto de su hermana en una sesión fotográfica que tenía concertada, terminando cogiéndole el gusto a vestirse de mujer y travistiendo con cada vez más frecuencia. A causa de ello, su vida, tanto personal como amorosa, se abrirá a caminos con los que antes no contaba, llevándole a preguntarse sobre sí mismo y sus relaciones con los demás.
Preciosa pintura que hace Kodama con Yuki de modelo.
Cuando el interior no reconoce al exterior...
Es evidente que los tiempos van cambiando en lo que a facilidad que tiene la gente para expresarse sin temores respecta, haciéndose claramente palpable en el manganime (como todo arte que se precie) con la reciente oleada de títulos que incorporan no solo romances chico-chica, sino también bisexual y homosexual, y cada vez más, ésto se nota especialmente en lo que a transexualidad y travestismo se refiere. Parece que a día de hoy, en donde el boom moé impera y el ecchi está por todas partes, hay que hacer lo imposible para ganar un puñado de lectores/televidentes (o lo que es lo mismo, dinero) y por lo visto, la moda actual es la tendencia de incluir personajes de sexo indefinido al guión. Éstos, por desgracia, suelen ser los denominados “traps” – es decir, trampas -, chicas moé en apariencia pero que resultan ser chicos, los cuales normalmente no están dotados de una razón real por la que travestirse. Por suerte para quien busque algo más profundo sobre esta temática, hay títulos como el aquí presente que tratan el “problema” de la insatisfacción personal de género con un trasfondo serio, no quedándose simplemente en la superficie o como motivo cómico. A este "fenómeno" se le llama informalmente “gender bender” en el mundillo del manganime, aunque suele ser incorrectamente utilizado tanto para transexualidad como para travestismo, siendo que en realidad se refiere sólo al primer caso.
El desarrollo de la trama es muy del día a día, no cortándose el autor en relatar cualquier acontecimiento que tenga una mínima importancia, aunque la relevancia de ésta dentro del argumento principal sea bastante imperceptible. Dicho argumento gira en torno a los sentimientos y "romances" de los protagonistas principales y secundarios, no destacándose ningún mundo interior como más profundo que el resto, todos están muy bien perfilados y con una manera de relatarlos detallista.
Uno de los puntos fuertes de la historia es la buena definición de estos mundos interiores de los protagonistas, así como un carisma que les hace a cada uno totalmente distinto del resto. Éstos van cambiando a lo largo de de la trama, notándose una continua evolución mental de los personajes como efecto de todos los momentos que viven, muy bien representada también.
Esta historia no es el típico polígono amoroso al que uno puede estar acostumbrado a ver en los mangas y animes de romance, pues no todo el mundo gira alrededor del protagonista - todos tienen unos gustos bien definidos -, ni todas las relaciones son precisamente bonitas. Incesto y actos cercanos a la violación no son extraños, y hay diversas maneras de interpretarlos, tanto por parte de los personajes implicados como para los lectores del manga, con un umbral entre el romanticismo y el erotismo o la crueldad muy delgado. Ésto implica que tanto las escenas eróticas, como los desnudos, sean frecuentes, aunque el contexto suele evitar que la forma de representar estas escenas sea considerable como pornográfica.
El estilo de dibujo mantiene una calidad y detalle más o menos constantes durante toda la obra (aunque hay capítulos que se nota que se han hecho con prisas), destacando el estilo propio que tiene el autor al dibujar a sus personajes. Aunque el detalle de éstos no es espectacular, tienen un aire que permite cogerles cariño enseguida, especialmente al verse la magnífica expresividad que presentan con las diversas emociones, muy bien logradas en la práctica generalidad, en especial las melancólicas. Nótese también que el punto flojo de que el autor use tanto su estilo personal, es la dificultad que aparece para poder identificar a los personajes cuando aparecen en primer plano fuera de contexto, pues la mayoría son facialmente similares. Los fondos por su parte no están especialmente cuidados o llenos de detalles, aunque en ningún momento dan sensación de vacío.
Varias muestras del dibujo del manga, clickead sobre las imágenes para agrandarlas.
¿Qué habrá bajo la falda?
En resumen, un manga que toca un tema pocas veces tratado con un mínimo de profundidad y sentimiento, amén de no basar el argumento simplemente en eso, sino que podemos encontrar una enrevesada unión de historias románticas que no tiene pudor para meterse en temas normalmente vistos como tabú.
Lo mejor: buen trato de una temática normalmente mal utilizada. Trama romántica realista, para lo bueno y para lo malo.
Lo peor: abusa de algunos tipos de escena, pudiendo llegar a ser repetitivo en esos tramos.
Cuando le preguntas a alguien aficionado al mundo del anime sobre una historia romántica, y que sin llegar a ser empalagosa sea capaz de soltarte carcajadas y lágrimas a partes iguales, probablemente te hable sobre CLANNAD, uno de los mayores y más conocidos títulos del género. Pero lo que es más posible que no sepa es de dónde se extrajo la trama original, y eso es de lo que vamos a hablar hoy.
El origen de CLANNAD pasa por la novela visual homónima realizada por la compañía Key, autores de Kanon y Air, entre otras obras, siendo a día de hoy la que más horas de juego ofrece (entre 90 y 300 según la velocidad de lectura), así como la única que no ofrece escenas pornográficas ya desde sus orígenes, todo ello entre los títulos de la compañía, la cual suele ofrecer versiones con imágenes hentai y otras aptas para todos los públicos.
CGs (gráficos por ordenador) de las rutas de Kyou y Tomoyo respectivamente. Puedes hacer click en las imágenes para verlas a tamaño original.
La historia nos sitúa en la piel de Okazaki Tomoya, un estudiante en su último año de instituto, que pasa por una dura situación de tedio a causa su repetitiva rutina diaria, la cual le lleva a preguntarse el sentido de levantarse cada día si éste no va a ofrecerle ningún ápice de felicidad. La vida de Tomoya no ha estado bendecida por la buena suerte precisamente, llevándose a su madre a un lugar mejor cuando éste aún era pequeño y dejándole sólo con su padre. Éste a su vez cayó en una profunda depresión, lo que le hundió en el alcohol y la ludopatía, al mismo tiempo que le produjo discutir frecuentemente con su hijo. En una de estas peleas, Tomoya queda lesionado severamente en uno de sus hombros, lo que le aleja de uno de los pocos sueños que le quedaban, el baloncesto. Ahora, sin la más mínima motivación, Tomoya vive el día a día faltando a clases y alejado de casa tanto como pueda, lugar en el que desea permanecer lo menos posible.
Muestras "ingame" de Kyou y del pobre Sunohara, siempre puteándole que están.
La novela nos ofrece decidir el camino que llevará el protagonista de ahí en adelante a través de numerosas rutas en las que podrá relacionarse con la gente, tanto de su escuela, como de fuera de ella, mostrándonos el pasado de los personajes secundarios así como el futuro que les aguarda junto a Tomoya, pudiendo llegar a formarse profundas relaciones amorosas. Una vez conocidas un número mínimo de rutas (8 en general, 7 si le pides un deseo a Fuuko), la novela nos permite acceder al “After Story”, una nueva historia que continúa la ruta de Nagisa, una de las heroínas principales, después de la época estudiantil. En este “After Story” también podemos conocer cómo le va la vida al resto de personajes, pero mucho más superficialmente. Debido a la enorme demanda popular, Key decidió crear otra novela que continuase la ruta de Tomoyo, otra de las heroínas principales, titulada “Tomoyo After: It's a Wonderful Life”.
CGs con Fuuko y Nagisa en la izquierda, y con Kotomi en la imagen diestra. Preciosa la ruta de esta última, por cierto (como todas).
Una de las evidencias del enorme éxito de la novela visual son las numerosas adaptaciones que se hicieron sobre ella: dos temporadas de anime, con OVAs basadas en las rutas de Kyou y Tomoyo a posteriori, mangas, novelas ligeras, películas…; todo ello por una de las novelas mejor valoradas por el público nipón, y especialmente recomendable para todos aquellos que están empezando en el mundillo.
Artículo publicado originariamente en el nº7 de la revista Koukyou Zen.
Ésta fue una de mis primeras reseñas sobre manga, así que me he permitido reescribirla para nuestro nuevo proyecto, este maravilloso y peculiar blog. Y... ¡ah! Aquellos incautos que asocien el título a cierto shounen de gran éxito... no podríais ir más desencaminados. Juajuajua...
Ya hace algún tiempo, me leí los 8 primeros tomos de esta extraña serie. La verdad es que me gustó mucho, y me quedé con ganas de más. Un manga que analiza el tema de los diferentes complejos y rarezas del género humano desde un punto de vista totalmente inusual y bizarro. Desafortunadamente aun está en proceso... así que tendremos que esperar a una conclusión. En España la editaba "Ponent Mon" pero la cancelaron...
Ficha técnica:
Autor: Hideo Yamamoto
Género: Psicológico, Sobrenatural, Horror
Categoría: Seinen Manga
Publicación: Big Comic Spirits
Nº Tomos: 11 (en proceso)
¿Que dirias si te propusieran hacerte un pequeño agujero en el craneo, a cambio de muchisimo dinero? La trepanación, un proceso médico sin mayor riesgo, que según algunos para-psicólogos y demás charlatanes profiere capacidades extrasensoriales en quienes la prueban.
El personaje principal de este manga es un hombre de más de treinta años, que vive en su coche, cerca de un parque lleno de mendigos, casi como uno más. El coche es lo último que le queda de su anterior vida. Así que para mantenerlo tendrá que someterse a esta extraña operación que un vistoso desconocido le propone. Será entonces que su vida dará un giro inesperado, debido a los extraños sucesos con los que se encontrará.
Una historia que parece no tener un objetivo final muy claro al principio, y que poco a poco irá tomando forma, de la manera más insolita y poco convencional posible... Este manga trata el aspecto de los complejos y las personalidades desde un punto de vista metafórico y muy visual, que puede parecer exagerado o no gustar demasiado al lector, pero que en mi opinión está muy bien trabajado y pulido. Queda muy clara, además, la idea principal que intenta transmitirnos el autor. "Lo que vemos es lo que somos". Las apariencias NO engañan, sólo que hay que saber ver (en el caso del protagonista, poder ver) todos y cada uno de los rasgos exteriores para poder penetrar en el alma de una persona. Eso en cuanto a los demás, porque uno mismo... bueno, eso es más complicado.
Este seinen psicológico carece de violencia explicita aunque su contenido sexual es más bien alto. ¿Toques bizarros? Si, los hay, y muchos... a mi tampoco me acaban de gustar, pero creo que el conjunto vale la pena.
Izquierda, "homunculus". Derecha, protagonista.
El dibujo. No está nada mal. Modelación 3D de los personajes y escenarios urbanos muy realistas. Aunque en mi opinión el aspecto gráfico es secundario en este manga, pues lo importante de verdad es su curioso guión y la rareza de lo acontecido al protagonista.
En Resumen: Un interesante (aunque no muy fiable) trabajo sobre la condición humana, hecho desde una perspectiva bastante fantasiosa e inusual
Lo mejor: Las reflexiones que suscita el manga. Algunos de los engendros que aparecen a lo largo de la serie.
Lo peor: El resto de engendros y algunas cosas muuuy extrañas.
En esta primera entrada de un servidor en el blog, tengo el placer de presentar la película introductoria de la nueva tetralogía que reescribe la historia de Neon Genesis Evangelion, Rebuild of Evangelion, cuya primera parte ha sido bautizada bajo el nombre de "Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone", cambiando el "1.0" en las posteriores versiones de ésta por "1.01" y "1.11".
Título original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序 (Evangerion Shin Gekijōban: Jo)
Año del estreno en Japón: 2007 Editada en España por Selecta Visión. Producción: Gainax, Studio Khara. Director: Hideaki Anno. Guión: Hideaki Anno. Género: realismo épico, drama, acción, mecha, ciencia-ficción. Categoría: seinen. Duración: 98 minutos.
God's in his heaven. All's right with the world.
Rebuild of Evangelion, la saga ideada para narrarnos la historia de Evangelion de una manera diferente, está conformada por 4 partes a modo de película que son: Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, que funciona como prólogo de todas éstas, con ligeros cambios respecto a la serie original; Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance y Evangelion: 3.0 Quickening, referenciadas como "Destrucción" y "Emergencia" respectivamente, que forman el grueso de la tetralogía mezclando escenas originales de la serie con otras nuevas, así como personajes, EVAs y fundamentos de la trama que no habían aparecido hasta ahora o que varían en función respecto a la de la historia originaria; y Evangelion: 4.0 ó FINAL, con el título provisional de "El corazón de L.C.L.", que está llamada a cambiar completamente el final de la historia presente en el anime.
El guión, así como la dirección general del proyecto, está en manos de Hideaki Anno - Gunbuster, FLCL, Fushigi no Umi no Nadia -, al igual que ocurrió en la serie de anime original, Neon Genesis Evangelion, lo que da un halo de esperanza para confiar en que esta reconstrucción de la historia mantenga el espíritu de la trama original, en vez de dejar claro que se haga uso de un título del que aún se le puede exprimir mucho jugo en cuestiones de marketing, creando una mera excusa para sacarle partido.
Tráiler de Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone.
La trama de esta primera película se basa en los sucesos acontecidos durante los 6 primeros capítulos de la serie, obviando partes no relevantes para el desarrollo de la trama -especialmente de diálogo e introducción a los personajes- y ofreciendo un mayor énfasis en las escenas de acción. En estas escenas se nota el primer cambio de importancia dentro de lo que es el argumento, siendo los antiguos tercer, cuarto y quinto ángel (Sachiel, Shamshel y Ramiel respectivamente), cuarto, quinto y sexto en este caso, lo que deja en el aire el paradero del nuevo tercer ángel. También hay incógnitas y diferencias de trama sobre el segundo ángel, Lilith, en varios aspectos. El primero es el conocimiento de Misato sobre éste ya desde el principio, cosa que en el anime no ocurría hasta bien entrada la trama, quien a su vez se lo muestra también a Shinji. Pero el más importante posiblemente sea el hecho de la supuesta Lilith, que está en la instalaciones de NERV (Misato llama al ángel por ese nombre), lleva una máscara que le cubre la cara distinta a la de la serie, pasando la máscara del anime (la de los siete ojos de Dios) a ser utilizada por un ángel desconocido que se encuentra en la Luna, lo que hace pensar que los papeles de Adán y Lilith se intercambiarán en la película. También en la Luna, junto a tal ángel, despierta Kaworu Nagisa, otro personaje importante que aparece antes de tiempo respecto a la serie. Otros cambios menos importantes podrían ser conversaciones que dejan clara parte de los planes de Gendō Ikari respecto a su hijo y Ayanami Rei, hecho que no aparece en la serie.
Shinji en la cabina del EVA-01 a la izquierda y Ayanami con el EVA-00 de fondo a su diestra.
Let me see how spring is like...
Junto a los cambios en la trama, la diferencia más notable y que antes salta a la vista es la referente al apartado visual, sobre todo si lo comparamos con el del anime de los 90, dejando patente el magistral trabajo que se ha hecho para remasterizar el dibujo y la animación ya conocidos, gracias en buena parte a las nuevas tecnologías de diseño por ordenador, así como a un presupuesto mucho mayor que la historia original, el cual era una de sus principales carencias.
Enésima versión de "Fly me to the Moon", interpretada por Utada Hikaru esta vez.
Esta mejora en el dibujo es visible en todos los aspectos: desde los personajes, que mantienen su estilo original, pero con la subida de calidad en cuanto a detalle y colorido correspondiente; hasta los escenarios, que han sido completamente rediseñados, tanto en interiores - NERV, casas de Ayanami y Misato, etc. -, como exteriores, que es donde mayor utilización de las tecnologías informáticas se ha invertido para dar una mejor experiencia de tridimensionalidad y presencia, especialmente en Tokyo-3; pasando por supuesto por los EVAs y los ángeles, que al igual que los personajes, han gozado de una remodelación que ha mejorado notablemente su calidad de imagen. Este hecho se da especialmente en el segundo caso, donde además de mejorar en detalle, los ángeles han padecido ciertas reestructuraciones en su forma en mayor o menos medida, notándose con abrumadora diferencia en el ángel Ramiel, que ha pasado de ser un ente abstracto de forma estática piramidal, a un ser poliforme con numerosos cambios en su estructura según la situación. También es notable el uso informático en este sexto ángel en cuanto a dibujo se refiere, dotándole de una impresionante apariencia cristalina que juega perfectamente con la luz y los reflejos que inciden sobre él. Hay que decir que el nuevo aspecto de Ramiel es el que había ideado Hideakki Anno inicialmente, pero el bajo presupuesto con el que contó la serie le obligó a dejarlo tal como quedó.
Como si el ángel del trueno hubiese sido utilizado como conejillo de indias para probar la capacidad tecnológica con la que disponen los creadores, una extraordinaria animación nos asombrará en cada uno de sus ataques y cambios de forma. Pero no todo el presupuesto se ha quedado con él, claro está, tanto personajes como EVAs cuentan con movimientos perfectamente cuidados y fluidos, llevando un gran realismo a cada paso que dan. Aunque donde se han vuelto a lucir es en la cinética de los escenarios, con el soterramiento de los edificios ante los ataques enemigos. Efectos de luces según la posición de estos, así como una sensación de realidad increíblemente logradas están muy presentes, donde hasta el bote de los coches al producirse estos temblores están recreados al milímetro. En el video que hay a continuación podéis ver el primer trozo de uno de los making-of extraídos de los extras de la película, para que os hagáis una idea del trabajo invertido en la animación.
Primer extracto de uno de los making-of. Puedes acceder al resto fácilmente desde Youtube.
La película ha sido producida por el Studio Khara - fundado por Hideaki Anno, y que aparte de en Rebuild of Evangelion, ha trabajado en Ponyo en el acantilado y en Gurren Lagann - en conjunción con Gainax, utilizando buena parte del staff que trabajó en su día con la serie, incluyendo la práctica totalidad de los altos cargos. Por nombrar a algunos, tenemos a Shunji Suzuki - Gunbuster, Code Geass R2, Gate Keepers 21 - como director jefe de animación, a Hiroshi Kato - Blood: The Last Vampire, Ghost in the Shell, Pet Shop of Horrors - y a Tatsuya Kushida - Golden Boy, Patlabor: The Movie, Toki wo Kakeru Shoujo - como directores artísticos general y de fondos respectivamente y a Yoshiyuki Sadamoto - FLCL, .Hack, Angel's Egg - como diseñador de personajes; un equipo que trabaja a menudo en conjunto con el director Hideaki Anno.
De izda. a dcha. y de arriba a abajo: Ayanami, Shinji, Ritsuko, Misato, Fuyutsuki, Gendō y Kaworu.
Fill my heart with song...
Para la producción musical han vuelto a hacer una sabia elección seleccionando a la misma persona que ocupó el puesto en la serie de anime original, el maestro Shirō Sagisu, encargado también de éste apartado en The Skull Man, Kareshi Kanojo no Jijō (Kare Kano), Distrito comercial mágico Abenobashi, Macross 7 y Bleach, entre otros muchos ejemplos.
La banda sonora presente en el filme es de ésas que la palabra que mejor las define es "épica", y no sólo por su magistral calidad e interpretación, sino porque cada nota que sale por tus auriculares o altavoces te manda al cerebro imágenes de grandes batallas en las que el eminente héroe sale victorioso. Gran parte de esta BSO está formada por nuevas versiones de las canciones que aparecieron en la versión televisiva de la historia, que son las que más encajan con la afirmación anterior gracias a sus graves melodías de índole clásica interpretadas en este caso por la London Studio Orchestra y grabadas en la famosa Abbey Road Studio. A las nuevas versiones de la antigua banda sonora, se suman nuevas composiciones como "Angel of Doom" - aparece en el tráiler que hay en el primer video de la review -, que es utilizada durante la batalla contra Ramiel. De otro estilo es el tema principal elegido para la película, "Beautiful World" - video lateral -, interpretado por la reconocida cantante nipona de talla mundial Utada Hikaru, la cual también hizo un remix de "Fly me to the Moon" (titulado "Fly Me To The Moon (In Other Words) -2007 Mix-"), el ending del anime, para los videos promocionales de la película. Esta famosa vocalista es también identificable en el mundo otaku por prestar su voz en bandas sonoras como las de los videojuegos Kingdom Hearts I y II, así como en la del dorama Hana yori dango.
Beautiful World, de Utada Hikaru. Tema que aparece en los créditos de la película.
La versión japonesa de doblaje ha mantenido a todos sus seiyuus dentro del elenco, pues cuando algo funciona bien, ¿para qué cambiarlo? Una magnífica caracterización de cada personaje es lo que nos traen estos experimentados actores de doblaje nipones, ardua tarea sabiendo el vasto mundo interior que poseen los protagonistas del título.
Destacar el trabajo de los actores de los tres personajes principales de esta primera película. La primera es Megumi Ogata, en el papel de Shinji Ikari, al cual sigue interpretando perfectamente después de tanto tiempo, con su carácter tan pesimista y emocional. Otros trabajos de esta seiyuu son el de Nuriko en Fushigi Yuugi, Kurama en Yu Yu Hakusho y Mutou Yuugi en Yu-Gi-Oh!. Encarnando a la misteriosa Ayanami Rei con su tranquila y solitaria voz tenemos a Hayashibara Megumi, quien en su día tomase papeles tales como Faye Valentine en Cowboy Bebop, Saotome Ranma en Ranma ½ o Lina Inverse en Slayers. Ya hablando de la comandante Misato Katsuragi, tenemos a la seiyuu Mitsuishi Kotono poniéndole voz a sus labios. Otros trabajos de esta actriz son el de Excel en Excel Saga, el de Kanzaki Urumi en Great Teacher Onizuka y el de Mireille Bouquet en Noir.
Shinji en su escapada y Ayanami con una sonrisa en su cara, suceso extraordinario donde los haya.
Para que no se diga, comentar también el buen trabajo de los actores de doblaje españoles, que aunque normalmente suene raro el oír a los personajes en otro idioma tras haber escuchado las voces originales, éstas están muy logradas en general.
En el papel de Shinji Ikari tenemos a Albert Trifol Segarra, quien caracterizase a Hiromi Shinbo de Chobits, a Seita en La tumba de las luciérnagas o a André Grandier en La Rosa de Versalles, así como cientos de papeles en películas no animadas. Poniéndole voz a Ayanami Rei está Joël Mulachs, quien hiciese de Anthy Himemiya en Utena, de Nina Fortner en Monster y de Kiyoko en Tokyo Godfathers, entre su también amplísima experiencia en películas y series de carne y hueso. Y para igualar a los actores nipones hablemos de Carmen Calvell, que interpreta a Misato Katsuragi. Entre los tres actores nombrados es la única que no participó en el doblaje de la serie original. Otros papeles de esta actriz en el mundo del anime son el de Mercedes en Gankutsuo (El conde de Montecristo), Mayuko Chigasaki en NieA Under 7 y de Shinobu Maehara en Love Hina.
¿Todos para uno, o uno para todos?
Que el dinero y la publicidad se apoderan de todo es bien sabido de toda la vida, pero que la actual tendencia llene incluso los animes de publicidad subliminal (y no tan subliminal) está llegando a ser alarmante, no sólo por el hecho de aparecer, que si nos ponemos superoptimistas puede incluso parecernos de algún modo que dota al anime de realismo, sino por el hecho de que cada vez más las productoras tiren más a animar lo que más beneficios seguros les dé (véase el boom de series moé que han hecho explotar la burbuja del mercado de animación nipón hace poco), dejando tramas de gran valor argumental de lado.
Evangelion, uno de los títulos que más vende mundialmente en cuestión de merchandising no podía quedarse atrás, y es bien visible este factor en la película de la que hablamos, viéndose tiendas con nombres de multinacionales, cervezas o comida de marcas reales, etc. Este fenómeno también se produce a la inversa, siendo que estas marcas incluyen publicidad de la película en sus envases. Del mismo modo, numerosas empresas (como Pizza Hut o la versión japonesa de Rolling Stone) ofrecían productos relacionados con Evangelion, incluso hubo maid cafés en Akihabara que se adaptaron al título ofreciendo "bebidas LCL" o "cocktails Asuka", por ejemplo.
Varios de los ejemplos más visibles de esta publicidad se pueden ver en el apartamento de Misato. Y a la inversa, los mismos productos incluyen publicidad de la película en sus envases:
Otra forma de alargar la vida de las ventas y los beneficios de anime y películas en general es sacando diversas versiones de las mismas, sean versiones remasterizadas, con extras, etc. Esta primera película del Rebuild cuenta también con ello, en donde hasta la fecha existen tres versiones: Evangelion: 1.0, que es la película original tal y como salió en el cine; Evangelion: 1.01, en la que se hicieron pequeños arreglos en imagen y sonido, contando además con versiones de coleccionista en la que trae consigo extras tales como tráilers de la primera y segunda películas, videos musicales y "La explicación de Evangelion", que es la película con textos explicativos que dan indicaciones de todo lo que va sucediendo, desde el nombre de los protagonistas o los ángeles, hasta cosas más triviales como el nombre de las armas o del coche de Misato (un Renault, por cierto); y Evangelion: 1.11, que junto a nuevos arreglos de imagen respecto a la versión anterior, trae consigo 3 nuevos minutos de animación al inicio de la película. Esta última versión también es la única que cuenta con versión Blu-ray, además de la DVD.
¿Y qué es lo vendrá a partir de ahora? Pues de momento tenemos al caer la segunda película en España, a finales de este año 2010 a priori, mientras que la tercera se espera que llegue a los cines nipones este mismo verano. De la cuarta aún no hay nada definido. Así que todo será armarse de paciencia y esperar a poder ver como transcurre esta nueva versión de una de las mejores historias del mundo del anime. Mejor, peor... todo está por ver, aunque seguro que dependerá de los gustos de cada uno. Las expectativas tanto del equipo de producción, así como de buena parte de los amantes de Evangelion, son altas.
Uno de los numerosos tráilers de Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance.
In other words...
Aún es pronto para poder saber si Rebuild of Evangelion es una digna versión de Neon Genesis Evangelion o no, pues, a sabiendas de lo alto que está el listón, nadie espera que la supere en cuanto a trama se refiere, pero que pueda quedarse en la cima junto a la serie es a lo que aspira, y la base en la que se sustenta, esta primera película, no parece tambalearse, así que todo queda en manos de sus próximas tres sucesoras. Un nuevo final, cambios en la historia para evitar ser repetitiva y un asombroso apartado gráfico son sus mejores bazas.
Lo mejor: magnífica remasterización gráfica, tanto en dibujo como en animación. La banda sonora sigue siendo perfecta. Se han obviado escenas redundantes para quienes han visto la serie.
Lo peor: aún con los cambios, Evangelion: 1.0 no trae mucho nuevo respecto al anime, lo que la hace previsible para quienes conocen la historia. En contrapartida, quienes no la conozcan no entenderán el por qué de muchas cosas que ocurren.
Me estreno en el blog con unade mis series favoritas del mundo anime. Me refiero a esa donde los robots gigantes surcan el cielo cual Silver Surfer. Obviamente hablo de Eureka Seven, serie animada por BONES que consta de 50 episodios.
Ficha Técnica
Nombre: Eureka Seven
Año: 2005-2006
Estudio: BONES
Director: Tomoki Kyoda
Género: Mechas, acción
Categoría: Shonen
Nº Capítulos: 50 + OVA
Sinopsis
Renton es un chico normal que adora el surf, tiene un ídolo, Holland, y vive con su abuelo; sin embargo, es el hijo del gran héroe mundial desaparecido y dado por muerto hace años. Un día, aparecerá en su aburrida vida un mecha pilotado por una joven que resulta pertenecer a la tripulación de la nave dirigida por Holland, a partir de ahí Renton se unirá a la tripulación e irá descubriendo los secretos sobre el mundo real y el pasado de su padre, estrechamente relacionados con los sucesos venideros.
Dibujo y animación
Aunque no es un dibujo que destaque por su estilo simple a la hora de detallar a los personajes, si destaca en lo que al apartado de mechas y tecnología se refiere. Pese a ello, el dibujo es agradable a la vista y bastante bueno, aunque los protagonistas no varían de vestuario (lo cual es normal en este tipo de animes). Los fondos están un tanto vacíos (salvo excepciones contadas) pero elaborados, y normalmente se muestran paisajes muy bien recreados topográficamente hablando. El diseño de los personajes corrió al cargo de Kenichi Yoshida.
La animación, a cargo de BONES, es fácilmente imaginable el resultado obtenido. Sublime es la palabra que mejor define una ambientación de lujo, que se sale a la hora de las batallas en mechas, donde la sensación de velocidad y vértigo son impactantes y están realmente bien logradas. La luminosidad no se queda atrás, representando de forma impresionante los atardeceres.
Banda Sonora y doblaje
Una excelente BSO para acompañar la serie que incluye temas muy variados, pero normalmente de trasfondo electrónico, si bien no faltan canciones de tipo pop. El encargado de la música para esta serie fue Naoki Sato. Posee el anime 4 openings, el primero de ellos Days es interpretado por FLOW, el tercero y el cuarto, Taiyo no Mannaka he y Sakura respectivamente son interpretados por Bivattchee el tercero y NIRGILIS el cuarto.
Dejo el segundo opening en el video, dicho opening se titula Shounen Heart siendo interpretado por Home Made Kazoku.
A su vez, la serie consta de 4 endings: Himitsu Kichi de Kozue Takada, Fly Away de Izawa Asami,Tip Taps Tip de HALCALI y Canvas interpretado por COOLON.
El anime ha sido doblado al inglés, pero no existe doblaje en español. El doblaje original japonés es excelente, demostrando el buen hacer habitual del país nipón. Las voces concuerdan con lo que se espera de los personajes. Destacan los doblajes de Holland, realizado por Kenji Fujiwara (Ladd Russo en Baccano!!, Reno en Final Fantasy VII Advent Children o Kimura en Hajime no Ippo entre otros); Eureka, doblada por Kaori Nazuka (que ha intervenido como dobladora de voz en personajes de series como Detroit Metal City, Darker than Black y Code Geass entre otras).
OpiniónPersonal
El estudio BONES es gratamente conocido por sus buenas adaptaciones y su gran calidad a la hora de producir anime. Los ejemplos más claros son Wolf's Rain, Soul Eater o Cowboy Bebop por citar unas cuantas. En Eureka Seven vuelven a conseguir producir un anime de gran calidad que continúa el camino seguido por sus anteriores producciones. Respecto a la serie en si misma es una serie fácilmente clasificable dentro del ámbito de género, es un anime de acción y mechas sin duda alguna, pero en lo referente a la categoría se vuelve más diáfana, siendo más dificultoso asignarle una categoría concreta debido al devenir de la trama. Podría decirse que esta a caballo entre en mundo del shonen y el seinen.
¿Y esto a que se debe? La trama esconde mucho más que unas simples batallas por ideales y el romance de un chico y una chica, esconde una denuncia social hacia regímenes donde el poder militar es bastante fuerte y muy centralizado, por lo que es fácilmente controlable, el racismo, la persecución religiosa e incluso la protección del medio ambiente.
Estos aspectos no suelen ser tratados normalmente en shonens, especialmente el tema del racismo y la persecución religiosa, claramente apreciables en los ataques a los profesantes de la religión vodarek por parte del ejército (en ello podríamos vislumbrar una denuncia hacia las denominadas guerras étnicas para la limpieza de raza, como pasó en Yugoslavia o pasa en varios países africanos) y el deseo de aniquilar al ente orgánico denominadoSkurve Coral (el cual solo desea comunicarse con la humanidad mediante el envío de losCoralian), sobre el cual se basa gran parte del argumento de la serie. Este último aspecto viene a sugerir a su vez que el hombre teme lo que desconoce, y por ello intenta destruirlo. La información que nos transmite el anime se da con cuenta gotas a lo largo de los 50 episodios de duración, aunque dicha información se da, asimismo, de forma frecuente, lo cual permite que la historia vaya evolucionando, sin embargo, el sistema escogido impide que haya grandes sorpresas dentro de la trama al ser esta previsible en determinados momentos.
Otro aspecto interesante es la escasa e incluso nula empatía de los protagonistas principales, los cuales no logran entrar en gracia con el espectador, excepto algunas excepciones. En otro orden de cosas, dentro de los numerosos personajes que aparecen en el anime, destaca la figura de Stoner (cuyo parecido con el Ché Guevara es bastante alto), el cual, pese a su poco peso dentro de la serie, realiza una de las labores más relevantes y poco reconocidos actualmente, contar la verdad de los hechos que acontecen.
Asimismo, para el observador atento, se pueden distinguir multitud de pequeños guiños hacia el mundo musical, visible en la combinación de los nombres de dos personajes: Ray Charles. También es destacable que un gran número de los episodios posean nombres de canciones.
Eureka Seven no es, pues, un anime de mechas corriente. Con constantes referencias al mundo hippie, surfista y musical, y poseyendo una cantidad relevante de denuncia social explícita, hace que debamos reflexionar sobre lo que sucede en nuestro alrededor de forma global.
En resumen: tramas políticas y sociales unidas a mechas surfistas en combate y romance, un poco de todo.
Lo mejor: BSO, acción, vuelta de tuerca al género de mechas.
Te damos la bienvenida a "Directoalaestanteria", blog dedicado a analizar, informar y criticar a títulos de manga y anime. Disfruten
Contenido
Una gran variedad de obras de distintos categorias: shônen, shôjo, seinen, josei, por mencionar algunas. Trataremos de darle una actualización constante
Ficha técnica
El desarrollo de la trama es muy del día a día, no cortándose el autor en relatar cualquier acontecimiento que tenga una mínima importancia, aunque la relevancia de ésta dentro del argumento principal sea bastante imperceptible. Dicho argumento gira en torno a los sentimientos y "romances" de los protagonistas principales y secundarios, no destacándose ningún mundo interior como más profundo que el resto, todos están muy bien perfilados y con una manera de relatarlos detallista.
la saga ideada para narrarnos la historia de Evangelion de una manera diferente, está conformada por 4 partes a modo de película que son: 
