Ghost Hound

Desempolvando sus proyectos, Masamune Shirow, conocido por sus obras Appleseed y Ghost in the Shell, encontró esta particular historia que no dudó en “ceder” a Production IG, que ya se encargó de Ghost in the Shell (en formato película y serie). Ryutaro Nakamura, director de Serial Experiments Lain, se encarga de la dirección de este anime con su destreza en el terreno sobrenatural, en una historia que se sale un poco de lo visto hasta ahora, sacado de una mente como la de Shirow.

Autor Original: Masamune Shirow
Director: Ryutaro Nakamura
Compañía: Production IG

Género: Terror, psicológico, ciencia ficción, misterio
Categoría: Seinen

Número episodios: 22
Año: 2007





EL MÁS ALLÁ NO ESTÁ TAN ALLÁ COMO PENSÁIS

Taro, Makoto y Masayuki son tres compañeros de secundaria que viven en Suiten, un pequeño pueblo del norte de Kyushu. Los tres han tenido experiencias traumáticas en el pasado, marcándoles y dándoles una extraña habilidad: abandonar sus cuerpos para viajar a otro mundo no tan distinto al nuestro.
Pero algo ocurre, pues los seres que habitan en ese “más allá” han empezado a visitar más de lo habitual el nuestro y comienzan a concentrarse en el citado pueblo. Ahora los tres jóvenes compañeros de clase deben enfrentarse al misterio de sus traumáticos pasados, al presente y al que rodea tal extraño fenómeno que empiezan afectar la vida de los habitantes de Suiten, en especial a la hija del sacerdote del lugar.






QUIÉN FUERA FANTASMA

Obra con un gran argumento que por desgracia está mal llevado y mal finalizado. Se hace tediosa por cómo le cuesta arrancar, pues hasta el capitulo 6 o 7 no comienza lo realmente importante y lo que interesa, siendo lo anterior énfasis en los personajes y repitiendo, más o menos, lo del primer capitulo (y ojo: no digo que no sean claves). Con un final precipitado, que lo único que da de pensar es que en el capitulo 20 se acordaran de que el presupuesto no daba para más de los 22 o que la serie no tuviera tirón y se le cancelara el presupuesto para más. Por fortuna, lo bien llevada que están las secuencias sobrecogedoras, con buenas puestas en escenas y un sonido experimental espléndido, hace que te quedes pegadito en el sofá para saber más del pasado de los protagonistas y ver más esas escenas sobrecogedoras que por desgracia son escasas.

Otro punto fuerte que retrae a muchos -a mi me encanta- y hace que la serie vaya lenta, son las explicaciones teóricas en psicología (sobre la mente humana, las apariciones del más allá...), con largas conversaciones entre personajes, un gran número de definiciones y palabras incomprensibles para nuestro lenguaje. Este es el punto que nos recuerda que nos encontramos en una historia de Shirow. Incluso en los adelantos del próximo capitulo te cuentan teorías o experimentaciones reales, destacando como curiosidad la de MothMan (de la cual ya se hizo una película con Richard Gere -el canoso sexy de Holliwood-).

Es una serie que se recomienda para aquellos que quieran ver algo diferente en el anime... al estilo Shirow y Nakamura (que lo convierte en algo completito y por ahora único). Es una de esas aventuras de amistad adolescente -como alguna de esas pelis americanas de las que no recuerdo ningún nombre ahora- pero con fenómenos paranormales y muchas explicaciones técnicas de por medio. El problema, es que sin duda, visto el aletargado comienzo y el abrupto final casi sacado de la manga no deja precisamente un buen sabor de boca. Curioso algunos guiños a otras obras de Shirow.


"¿Estáis seguros de que estoy viva? ¿Estoy muerta? ¿Soy real? ¿O acaso solo soy algo efímero creado por tu mente?"



PSICOFONÍAS Y APARICIONES, HABLANDO SOBRE EL APARTADO TÉCNICO

Dibujo de estilo sencillo, con trazos finos y grandes ojos que muestran en los protagonistas bastante expresividad a manos de Mariko Oka. Ahora bien, no es el correcto para este tipo de anime que desea ser serio, quitándole ese ambiente que pretende dar -y que aún así es capaz de conseguir-. Además confunden, pues por la trama del guión y las elaboradas conversaciones psicológicas, solo nos afirma que va dirigido a un público adulto y no juvenil, estilo que sigue este dibujo que puede pensar que estamos ante un Shônen. Su contrapunto, y que hace que podamos pasar del dibujo, es el juego con los colores. Si bien para un día cualquiera suele haber escenas muy coloridas y llenas de vida, estas se oscurecen y llegan a un extraño grisáceo (y a veces verde o azulado) que mantiene una sensación extenuante. Hermosos los paisajes, elaborados y cuidadosos con tonos pastel.



La animación bastante buena, como casi todas las series que saca Proction IG. Movimientos suaves y delicados que se desenvuelven muy bien en un entorno elaborado. No tengo pega que ponerle.

Es en el campo de los efectos sonoros donde gana mucho la serie, sobre todo en los momentos cumbres y escenas paranormales. Experimentaciones con sonidos extraños, que pueden pasar de vibrantes chirridos, a enmudecimientos y apagados de voces. Harán que tus altavoces parezcan que se hayan estropeado. Así que muy recomendado verla con un subwoofer. Sin duda lo mejor de esta serie y lo poco que puede llegar a dar repelús en contra del dibujo.

Sonido de ejemplo:



La banda sonora es ínfima, cumpliendo su cometido de adentrarnos en la serie, pero no es algo muy musical, caso excepciones. Es más, suele utilizarse los efectos de sonidos para acompañar (a veces unido a una de esas piezas), dando una mejor ambientación. Las únicas discutibles: el opening con tinte de Jazz, es rítmico y algo pegadizo (Postergeist by Mayumi Kojima) y el ending, melancólica melodía que concuerda con el pasado de uno de los protagonistas (Call me Name by Yucca).



Destaca el doblaje japonés con Akiko Yajima como Miyako Komagusu, Jun Fukuyama como Masayuki Nakajima, Kensho Ono como Tarō Komori y Souichiro Hoshi como Makoto Ōgami, con voces más que acordes. España también tiene su doblaje -desconozco por quién, creo que el canal Buzz-, que por desgracia no es de lo mejor que he escuchado, pero hacen el papel.



Anime recomendable para aquellos que quieran ver algo diferente y les guste saber cosas, en este caso lo unido o no que puede estar la psicología y, lo que se entiende, por el Más Allá. Es algo único hasta ahora ver una historia Shirow/Nakamura.

Lo mejor: La experimentación sonora en todos los capítulos de la serie, haciéndola algo única (o casi, pues algo parecido se hacia en Lain). Así como las escenas de terror y suspense que logran con creces su objetivo, el alarde de información psicoanalítica, con sus derivados, y una trama interesante.

Lo peor: Que a pesar de una gran trama este mal desarrollada, lo que lleva a que nos defraude de casi seguro, con muy escasas escenas de terror en toda la serie. El dibujo, aunque logra su propósito, no concuerda con esta serie dirigido más a un público adulto por su temática. La misma información psicológica, que se convierte en un montón de parrafadas difíciles de entender en un solo visionado, haciéndose insoportable -excepto para mí, que me encantan estas cosas-.

Fate: Unlimited Blade Works

Nombre original: Fate/stay night Unlimited Blade Works (フェイト/ステイナイト) feito/sutei naito UBW
Categoría: Shônen
Género: fantasía, acción
Año: 2010
Estudio: Studio DEEN
Duración: 105 minutos

Luego de la serie original, basada en la ruta "Fate", el pueblo nipón reclamaba una adaptación del segundo recorrido "Unlimited Blade Works" (UBW), pasarían cuatro años para conseguir que Shirou y Saber volvieran con más aventuras. Pasen y disfruten.
Fate/Stay Night, tomado del juego del mismo nombre, fue una de las novelas exitosas de la empresa Type Moon que se trasladó a la pantalla en un compilado de 24 episodios. Todos los protagonistas eran mostrados junto a sus historias personales y aunque no es necesario, se recomienda ver los capítulos antes de la película para tener información más precisa, especialmente de los "invocados". UBW relata el recorrido del más misterioso de todos, Archer, su pasado, ideales y frustraciones.



Siete magos que pueden invocar a leyendas mitológicas serán evaluados en la “Guerra por el Santo Grial”, un artefacto capaz de conceder cualquier deseo, siendo el premio para el “master” que sobreviva. Por un error Shirou se verá forzado a participar de la misma, y mientras enfrenta el reto de poseer escasos conocimientos mágicos, debe averiguar el odio de Archer, otro mito invocado, que desea su muerte a toda costa. ¿Es por la Guerra o algo personal? ¿Cómo detener algo que no controlas? Y lo más importante ¿cómo obtener la fuerza necesaria para vencer?


Diseño de personajes: calcados a lo dibujado por Type Moon, es de agradecer las vestimentas y armaduras originales. Mismos peinados y expresiones faciales a excepción de Gilgamesh, en versión "informal", respetando a rajatabla su presencia en la ruta de Rin.
Prácticamente se ha mantenido el notable nivel de calidad que poseía la serie homónima. Al ser una película, los productores pudieron agregar detalles de mayor visualidad, especialmente con los juegos de luces, sombras e iluminación de los artilugios que los personajes poseen. Quienes hayan probado la novela visual encontrarán secuencias idénticas a muchos fotogramas que hay dentro de él, algo que es apreciado por lo milimétrico en la precisión con el original.
Desafortunadamente algunos pasajes (especialmente en la mitad) no encajan con la ruta escogida, logrando que no sea 100 % satisfactorio para quienes lean el manga o sigan la ruta mencionada.



Opinión personal:
Objetivamente, luego de la larga espera, suponía que habría algunas falencias que empañarían el resultado final, siendo verdad a medias partes: como "dan por seguro" que los espectadores conocen a todos los magos y leyendas convocadas, puede ser frustrante ver poco tiempo a ciertos personajes de mitos muy conocidos. También Sakura queda en un segundo plano, si su participación en la primera entrega era escasa, aquí su permanencia es irrisoria. (Si se adapta la tercera ruta al formato película u OVAs, los seguidores de ella tendrán su revancha).


Un factor positivo es la cantidad de vueltas y desviaciones en las estrategias para poseer el Santo Grial, haciendo que la trama sea menos lineal; en esta cinta las sorpresas serán bien recibidas. Destacable es la sangre, la sustancia que menos escasea, emanando a la primer herida.
La ofensiva para obtener la victoria se reduce a la magia y al armamento de cada ser invocado, en esta oportunidad al ser "Archer" la figura central, visualizaremos decenas de espadas y por supuesto, arcos y flechas, tal como pregona su apodo.
Con este "servant" como principal, Saber queda en un segundo plano sin perder la esencia de lucha, y aunque los destinos de los personajes son totalmente distintos en cuanto a su suerte, ya que varían muchísimo las batallas, muertes y rumbos de los "masters”, las características ya mostradas en la serie continúan intactas.


Un renovado conjunto de técnicas y madurez le confieren a Shirou un protagonismo que compite con Archer, quienes junto a Rin Tohsaka forman el trío principal de UBW.
Para resumir y suponiendo que la serie fue vista con anterioridad, toda la mitología queda en un segundo plano, dejándonos un sabor agridulce ya que esto era uno de los pilares de la primera versión. Pocos flashbacks donde los personajes secundarios sólo están para que no nos olvidemos de ellos, con participaciones breves. Al ser en formato película, se sacaron casi todas las tandas humorísticas con el fin de mostrar un apartado más serio, prevaleciendo los combates en breves lapsos de tiempo, siendo logrado el nivel de calidad ya que las escenas rápidas no desentonan con los combates "lentos".

Doblaje:
El staff de seiyuus se repite exactamente como en la serie predecesora, hallando a Kana Ueda en el papel de Rin Tohsaka (Sakuya Aizawa en "Hayate, mayordomo de combate" y Ringo Seto en "Angelic Layer"); Junichi Suwabe como Archer (Cain Nightroad en "Trinity, Friagne en "Shakugan no Shana") y Noriaki Sugiyama para Shirou Emiya (Ishida Uryuu en "Bleach", Sasuke Uchiha en "Naruto").

Música: Kenji Kawai
Se mantienen algunos temas de la versión tv, encontrándonos como novedades la gran presencia de violines y un grupo coral que acompaña en la mayor parte de la cinta. Tracks melódicos pero sin hacer aspavientos. Personalmente, esperaba algo más "pesado", pero como siempre aclaro: la música es algo que varía de una persona a otra, preciosa u horrible depende del ánimo del televidente.
La banda sonora está recopilada en 3 OST y un añadido de "UNLIMITED RADIO WORKS" (estos últimos no valen la pena ya que muchos tracks son fragmentos o diálogos entre las protagonistas).

Merchandising:
Era evidente una actualización en el stock de muñecos y figuras, con novedades raras como la espada-paraguas, gran fidelidad pero a un precio de 10.000 yenes. Abanicos, encendedores, remeras, peluches, llaves, gashapones, almohadones, pendrives, son algunas de las cosas que siempre podremos disfrutar (a precios convenientes).

Lo mejor: Luchas todo el tiempo, un dibujo soberbio.
Lo peor: Muy resumida para quienes conozcan la novela visual.
Detalle extra: para quienes deseen más acerca del "universo typemoonesco", sepan que se está adaptando ovas del proyecto "Take Moon", una serie con la precuela de Fate, denominada "Fate/Zero" y el juego "Girl’s Work", además de la remake de la antigua novela visual "Tsukihime" (con gráficos mejorados). Hay para rato, nos hablamos.

Macross Frontier

La productora encargada de Ultimate Hellsing, Earth Girl Arjuna, Sousei no Aquarion , Macross Zero, entre otras; el creador Shoji Kawamori, que además de las tres últimas anteriores, se ocupó y creó, entre otras, la saga Macross y Escaflowne; y dirigida por Yasuhito Kikuchi, que ya trabajó en series como Los Caballeros del Zodiaco; nos traen una épica aventura en el inmenso y frío mar espacial, con combates de cazas espectaculares. Macross Frontier ha aterrizado con fuerza.


Autor Original: Shoji Kawamori.
Director: Yasuhito Kikuchi.
Compañía: Satelight

Género: Mechas, Ciencia Ficción, Romántica.
Categoría: Shonen

Número episodios: 25
Año: 2008




CUANDO EL HOMBRE ESTÉ EN LOS CONFINES DEL ESPACIO


De las colonias que abandonaron la Tierra por las fuerzas Zentraeides hace unos 47 años, el Frontier aún no ha hallado un lugar habitable para colonizar. En su interior, el joven Alto,sueña algún día volar en un auténtico cielo; y otra chiquilla, Ranka Lee, desea ser cantante de éxito como su ídolo. El mismo día del concierto de la Pop Star Sheril Nome, los Vajra, criaturas alienígenas desconocidas, atacan la colonia.
Ahora una guerra a comenzado y Alto deberá luchar para poder volar algún día en un autentico cielo azul y salvar a las personas que ama. Pero no todo es tan sencillo como aparenta ¿Cuál es el auténtico enemigo en esta guerra?



COMBATE INMINENTE


Con un alto nivel técnico, un guión bastante atractivo y bien llevado; vemos que la idea de Shoji de crear una historia con pura acción y un triángulo amoroso que creen fricción entre los personajes, hace auténtica mella entre el público masculino como femenino. Y aún más, cuando le acompaña una música vocal de alto nivel.



Ahora bien, si la trama promete mucho, este tiene ciertos fallos. Hiroyuki Yoshino, que se encargó en su tiempo del anime Mai-Hime, hace un intento de conspiración política que queda simplona y algo predecible. Y por si fuera poco, no se lanza, dejando un final Light (ya lo entenderéis cuando lo veáis). No obstante, consigue atraernos por los personajes y una alta carga sentimental, como con ciertos misterios desperdigados a los que no siempre le da una aclaración correcta.

Se destaca que esta serie no te deja muy perdido si no conoces la saga (te hacen un resumen en los primeros capítulos de ésta), pero hace guiños a anteriores obras (Como Macross Plus, M. Zero o M.7) para que los incondicionales vayan hilando temas y dar a conocer que todo está conectado, algo que se agradece para que la lore de este mundo espacial se expanda y no quede encerrada en cada aventura que se cuenta, pero que es de insignificante valor para los que desconozcan de las otras series y ovas.



APROBADA LABOR TÉCNICA


Dibujo muy simple, demasiado, pero atractivo a manos de Haruhiko Mikimoto. Se destaca la fémina Sheril Nome y al protagonista Alto, así como el diseño mecánico, los cazas espaciales y sus derivado transformado, o los Vajrra. Utilizan colores muy vivos que harán que resalten escenas tenebrosas cuando pasen a colores mas pasteles e incluso oscuros.

La animación es de una calidad bastante alta, donde la importancia radica otra vez en los cazas espaciales y los bailes de las Pop Idol. Los combates de cazas son sencillamente espectaculares. Tal vez abusan de animación muy rápida, que nos pueda dejar perplejos -no de asombre precisamente-, pero es justo eso lo puede llamar la atención. Destacar el combate final donde los animadores pusieron toda la carne en el asador, y los bailes recreados para las féminas cantantes. Por desgracia, suelen usar el truco de repetir secuencias con otros ángulos que son fáciles de pillar, sobre todo en los bailes.



La banda sonora vuelve a ser de un nivel alto gracias a Yoko Kano (Cowboy Bebop, Wolf Rain, Ghost in the shell [SAC]...), que parece ya una fetiche de Kawamori (Yoko está presente en casi todas sus obras).
Se divide en dos partes: Una es la música vocal para los personajes de Sheril y Ranka, que bien tiene canciones individuales o a dúo. May'n y Megumi Nakajima son las encargadas de cantar las canciones de éstas. También debemos incluir a Maaya Sakamoto como vocalista en el primer opening. Openings rítmicos como Triangular y Lion; y endings como Diamond Crevasse o Northem Cross, entre otros especiales.
La otra es la música orquestal, tocada por la filarmónica de Varsovia. Es muy buena pero con pocas piezas llegando hacerse tediosa capítulos más adelante. Por desgracia hay algo que sí la hecha para atrás, y es que hay partes musicales que nos recuerdan a otras obras (escuchad bien y escuchareis algo que se parece a “Piratas del Caribe”). Es lo que pasa cuando se compone tanto y tan variado, haciendo que no llegue a rasgar sus mejores obras.


Opening 2: Lion


El doblaje Japonés es nuevamente, la gran baza. Todas las voces coordinan con cada uno del gran número de personajes. Se destacan la de los protagonistas: Sheril por Aya Endo -Miyuki Takara en Lucky Star o Coletta en Monster-, Alto por Yuuichi Nakamura -Clannad como Tomoya Okazaki o en Fairy Tail como Gray Fullbuster- y Ranka por Megumi Nakajima -principiante en el mundillo del doblaje en el cual éste fue su primer papel a interpretar-, que hacen ese duro trabajo de mantener voces con emociones dispares, en situaciones idem de lo mismo.



Lo que nos trae esta serie es ciencia ficción y triángulo amoroso, junto a una trama atractiva, combates técnicamente espectaculares y una gran música. Quien sea forofo de la saga Macross o a cualquiera que quiera verla por primera vez, altamente recomendable.

Lo mejor: Los combates espaciales, la música vocal y unos personajes bien creados y con una carga emocional justa.

Lo peor: Un guión Light y que deja una conspiración predecible. El truco de repetir escenas en la animación.

Le portrait de Petite Cossette

Uno de los casos raros que se dan cada cierto tiempo, en donde increíblemente el anime supera al manga, llevando el guión hacia una temática más adulta pero sin perder la esencia del escrito original: Le portrait de Petite Cossette.



Nombre original: Le portrait de petite Cossette
Dibujo: Asuka Katsura
Guión: Cossette House/Aniplex
Nº de tomos: 2 (finalizada)





Aclaración: en algunos foros "Le petite..." está catalogado como manga y ovas del año 1999, error que se extiende por no corroborar. No es grave y no afecta al producto, pero en cinco años los efectos en Ovas de animación japonesa suelen incrementarse con las técnicas que se renuevan.

"El terrorífico silencio traido por perder lo esencial, las conexiones fundamentales..."

Asuka Katsura, quien trabaja también en el estudio encargado de la animación, fue quien realizó los bocetos originales para la mayor parte de los personajes. Este mangaka es reconocido más que nada por su obra Blood+, que está serializada en 5 tankoubons.

Todo lo referido en cuanto al dibujo de Cossette, ya sea en pinturas o como "espíritu" está bien trazado, además de ser la única que posee ojos grandes para expresarse, pestañas exageradas, brillos en las pupilas y un permanente cuidado en los labios, incluso el protagonista principal no posee tantos detalles, dándole rasgos típicos de un adolescente normal ya visto en otras obras, siendo el mismo caso para los personajes secundarios.

Varios objetos personales de la "época pasada" de Cossette tienen su aparición, entre los que se valoran (por la fidelidad y el cuidado del dibujo) lámparas, muebles antiguos, bustos, pianos enormes, espejos y relojes de pared. La sangre da su presencia de distintos modos: derramándose, fresca, seca por el tiempo, a chorros, aunque sin llegar a ser una obra "gore", no se escatima en el tankoubon (en Japón inicialmente fue un unitario, al llegar a Occidente lo dividieron en dos tomos).

Aquí Eiri es más melancólico, todo su ser está puesto en ayudar a Cossette, si bien muestra dudas, es más proclive a pensar en protegerla, sin imaginar los cambios que suceden en su entorno. Lamentablemente es predecible después de la primera mitad, por eso la versión animada se vio "forzada" a crear un final distinto, mejorando algunos conceptos con respecto al manga.


Eiri en un flashback de Cossette


Lo mejor: Dibujos con retratos fieles a la época mencionada. Dos tomos solamente, se lee rápido.
Lo peor: Un final mediocre, algunas cosas parecieran quedar sin resolución.

"...La otra realidad, la cual se vislumbra a través de las rupturas del mundo..."

Versión Ovas
Le Portrait de Petite Cossette
Nombre original:コゼットの肖像 (Kozetto no Shōzō)
Dirección: Akiyuki Shinbo

Tres Ovas donde "reinterpretan" lo dibujado por Asuka Katsura, con un corte mucho más filosófico, sin perder lo mágico.
Eiri ordena un juego de cristalería, hallando una copa del siglo XVIII donde misteriosamente se refleja Cossette. Lentamente la imagen se apodera de la voluntad de Eiri, mientras el pasado se mezcla con el presente.

Animación, estilo de dibujo:
Al frente del proyecto se encuentra Akiyuki Shinbo, director de obras como Sayonara Zetsubō Sensei, Maria Holic, Mahō Sensei Negima y Pani Poni Dash! y en temática más adulta como el anime "The Soul Taker".
Acá están cuidados todos los personajes por igual, aunque a Eiri le dejaron al principio el costado de "chico distraído", paulatinamente se da cuenta de la verdad, expresando dudas, enojo y determinación.

Líneas cuidadas en las vestimentas y mucha delicadeza en las facciones de Cossette, así como en los cristales y copas que reflejan su presencia. Los colores son generalmente fuertes, interponiéndose cada cierto lapso un apagado de los mismos y oscureciendo el ambiente, tiempo donde la sangre posee su esplendor en la pantalla.

Seiyus:
La voz de la pequeña Cossette está compuesta por Marina Inoue, quien trabajó en Yakitate!! Japan (Kanmuri Shigeru), Hell Girl (Kaoruko Kurushima), Kiba (Rebecca), Baccano! (Eve Genoard), Tengen Toppa Gurren Lagann (Yoko), Minami-ke (Kana Minami), Maria Holic (Matsurika Shinōji) y Sayonara Zetsubō Sensei (Chiri Kitsu), entre otros.
A su vez, Eiri posee las cuerdas vocales de Mitsuki Saiga, reconocido como Makoto Kousaka (Genshiken), Natsuo Sagan, (Loveless), Okita Souji (Peacemaker Kurogane), Robert Haydn (The Law of Ueki) y Wolfram von Bielefeld (Kyō Kara Maō!).

Shoko Mataki es interpretada por Megumi Toyoguchi, identificada en series como Fullmetal Alchemist (Winry), Macross Frontier (Klan Klang), Claymore (Sophia), Ichigo 100% (Tsukasa Nishino), Burst Angel (Meg), Vandread (Parfet Balblair).


Música:

"The Main Theme For Petite Cossette" es el nombre del opening, realizado por Yuki Kajiura (Kimagure Orange Road, Noir, Kara no Kyoukai, Tsubasa Chronicle y Pandora Hearts por mencionar algunos títulos donde participó).
El ending "Houseki" es cantado por Marina Inoue, a la vez seiyu de Cossette, aquí con un registro más grave y no tan infantil.

Temas orquestados por cantantes de ópera japoneses (Moonflower es un ejemplo), mezclas de sintetizador con el violín, instrumento que predomina en casi la totalidad de la banda sonora, muchos coros, chelos y contrabajos, flautas y la incursión de algunos instrumentos de oriente (desconozco los nombres).


"...Ya en el pasado, destacados pintores nos mostraron lo verdadero, lo oculto detrás de los espejos...en el otro lado"


Opinión personal:
Tardé en ingresar a "Le portrait...", no estaba interesado en el visionado creyendo erróneamente que era un "shojo" y además "moe" (y la primera impresión cuesta alejarla), por eso el dicho "no juzgar un libro por la tapa" es una expresión acertada. Gran sorpresa me llevé cuando la ví catalogada como "seinen" y críticas favorables en el ambiente; aún con dudas le doy una oportunidad...y no me decepcionó: sip, la animación es buena, música que no desentona, pero el guión es lo que sobresale de la torta; notándose una melancolía amarga, las ganas de vivir, las diferentes pinturas del pasado y las actuales , el amor que florece lentamente, las pasiones de Kurahashi y las ocurrencias de Cossette, no llegando al extremo de psicología latente en "Ghost in the Shell" o "Serial Experiments Lain", pero si acercándose.

Paso a mostrar algunas diferencias que noté, sin spoilear nada:

* Cossette muestra en la versión papel una figura principalmente de víctima, no así en los Ovas, donde sus expresiones pueden tornarse en alegría, rabia, venganza, amor, intercambiando de acuerdo a sus objetivos.
* Los personajes secundarios poseen más participación, son importantes en la historia y el desenlace.
* Han variado el final, aunque decir esto sería un error, es más justo decir que lo cambiaron totalmente.
* En el manga quien tenga "buen ojo" puede llegar a captar algunos eventos que transcurrieron o podrían suceder en el futuro; no así en los Ovas.
* La versión animada puede mostrar lo que "realmente" pasó hace años, siendo narrado de manera tranquila y con un ritmo suave; debido a que en el manga no hay un desarrollo realmente profundo, quedan algunas cosas sin entenderse en los tomos.


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Reflejo de la protagonista en las copas

Personalmente prefiero los Ovas, sin quitar la seriedad del pasado de Cossette, la percepción de la locura y los múltiples cambios de Eiri, le dan más vida y clima al protagonista que en el papel, algo de lo que no estoy acostumbrado, ya que casi siempre el traspaso al anime no cumple muchos requisitos, estos ovas "pasaron la prueba".

La corta duración es otro aspecto, si no hay tiempo para ver series completas, mirar tres episodios y con animación de Ova ya no es excusa.

Lo mejor: Los flashbacks del pasado de Cossette, buena música y solo 3 ovas.
Lo peor: Lenta en algunos pasajes, no apto para gente impaciente.

Hitler -La Novela Gráfica-

Ya desde su título puede dar a una reacción un poco estúpida por muchos individuos sean amantes del manga como no. Una reacción de rechazo o miedo, por si hay algún mensaje que exalte su figura. Hitler -La Novela Gráfica- por Shigeru Mizuki, es un manga biográfico que se ha convertido en un clásico irrenunciable para todo buen otaku, que se ha ganado un hueco en la mangateca y que gracias a Glénat lo podemos encontrar en tiendas españolas.






Autor: Shigeru Mizuki
Publicación: Shukan Manga Sunday

Género: Biografía
Categoría: Seinen

Tomo: Único
Año: 1971
Distribución en España: Glénat






Allá por 1908, un joven estudiante de Bellas Artes con compulsivos enfados por nimiedades, ve como su futuro de ser un artista se convierte en papel mojado. Viviendo a costa de la herencia de familiares, convirtiéndose en un vagabundo, huyendo de formar parte del ejército... Quién iba a pensar que ese joven de sueños utópicos, patriota -según él- e ideales férreos y antisemitas, iba convertirse en el líder de Alemania con el apoyo popular. Ésta es la historia de Hitler en su persecución por dirigir al pueblo alemán, forjar sus ideales, aunque fuera a costa de sangre, y su final junto a su “Reich de los Mil Años”.



LA EXTRAÑA FIGURA DE UN HOMBRE




Debemos alabar el increíble trabajo de Shigeru Mizuki, que en ningún momento exalta esa vena fascista en toda su obra, y ni siquiera crea burla ni sátira de los acontecimientos a pesar de su dibujo caricaturizado de los protagonistas históricos. Una obra que es capaz de trasladar todo el peso de la historia de forma ágil, mostrando ese halo de misterio que rodea al personaje que fue Hitler, descubriendo detalles, manías y labia, labia que embriagaba al pueblo alemán y a todo aquél que seguía sus ideales, que lo seguían por ese halo que atrapaba las almas de las personas. Un hombre que se llegó a creer su superioridad en el mundo terrenal, se creyó ser un enviado para salvar a su “raza aria”. Y tal vez fuese ése el punto de partida de su final, su soberbia le llevó a realizar estrategias que -aunque digna de alabar- contra ciertos enemigos era pecar de confianza; aunado a multitud de inconvenientes que sólo funcionaron para que su espíritu de rabietas nublaran lo que podía acontecer si seguía ese camino, la derrota.

La obra nos muestra desde los horrores y el miedo del pueblo, fuese judío o no; donde un narrador omnisciente pasará en escena, que nos contará con cierto detalle los acontecimientos, contando de forma sería cada uno de los aspectos. Nos mete en sutilmente en la entramada vida de Hitler, sus deseos y ambiciones. Pero a la vez nos muestra la vida de personajes secundarios con relevancia, importantes para que los acontecimientos fueran las que fueron. Todo ello sin llevarnos al hastío, pudiendo llegar a nosotros mensajes e ideales, para así formar nuestra moralidad -tal vez tampoco la correcta- desde la moral incorrecta.

¿Y qué tiene de bueno ésta biografía de Hitler cuando existen miles? Lo primero que es un manga, y eso no es muy normal -o por lo menos no en los 70-. Lo segundo es la forma de narración, sencilla y acercándose más a las curiosidades y excentricidades del personaje, sin intención alguna de sentirnos identificados con él y sus ideales; es más, llegaremos a la comprensión de su alzamiento y caída. Lo tercero, es una obra que engloba la idea que debemos de tener de ésta figura de una forma amena, contando con bastantes matices.


Teniendo en cuenta que Mizuki, en sus años de adolescente “dieciochoañero”, se vio también embriagado por la figura del Führer, sorprende su madurez al realizar la obra debido a mucho a su terrorífica experiencia cuando fue al campo de batalla en la II Guerra Mundial, donde perdería su brazo izquierdo -era zurdo-. E incluso fue juzgado como criminal de guerra. ¿Será ésta una forma de expiación o de aportar un grano de arena al NO OLVIDO? Si de algo puede pecar esta obra es que en algunos puntos podría quedar desfasada, pues aunque fiel a una multitud de bibliografía, era la de la época en la que fue creada.




HISTORIA EN TRAZOS


Shigero Mizuki es un artista que se escudó en el dibujo a modo de superación tras lo que le aconteció en la guerra y la perdida de su brazo. Y escudándose en él se hizo con el recuerdo de las historias y leyendas típicas japonesas por lo que no tardó en sacar a la luz una historia de estas criaturas y fantasmas del folclore nipón: Ge Ge Ge no Kitaro, es el mejor ejemplo de sus pocas creaciones. Además de ser un hombre con multitud de premios, que se ha ganado por su esfuerzo y dedicación. Incluso Ghibli le hace un agradecimiento en Pom Poko.

Su dibujo en Hitler -La Novela Gráfica-, es de simples trazados, a veces de mano temblorosa. Un dibujo al que te vas acostumbrando y le quita peso dramático a la historia sin dejar de ser fiel. Curioso que los protagonistas sean meros garabatos sin mucho detalle y saber que el mismo Hitler fallaba justamente en la anatomía humana. Ignoro si tiene algo que ver o no. Dibujos simples que se contraponen con fondos y secundarios que pueden ir de meras líneas, ha trazos realmente trabajados y detallados, mostrando el autor su verdadera maestría; muchos basados en fotografías reales, algunas diría que son simples fotos. Todo ello con una utilización justa de tramas y un exceso de tinta bien usada para sombreados, según el dibujo en cada viñeta. Posición de viñetas que al principio parecen muy sobrias pero que irán mejorando con el trascurrir de los capítulos.

La obra fue publicada en 1971 por la revista Shukan Manga Sunday, sería en 1972 cuando se publicaría en forma de tomo único. Glénat nos trae esta joyita biográfica en una edición muy cuidada con sentido de lectura oriental. Al final del tomo veremos una bonita cronología que resumen de forma escueta todos los actos y hechos que narra el manga, así como la bibliografía utilizada por el autor.



Resumiendo, una obra que no defraudará a nadie y que sin duda hará que conozcamos mejor a esta excéntrica figura, si nada más de él conocíamos. De forma sencilla, factible en datos -de la época- y llegando a intuir lo misterioso de este personaje.

Lo mejor: la narración, el conjunto de la obra en sí y la importancia de la caricatura en la obra.

Lo peor: la gente puede retraerse por el personaje en cuestión que fue Hitler y el dibujo caricaturesco en sus páginas.

Le Chevalier D´Eon

Basada en la novela del mismo nombre de Tôw Ubakata y dirigida por Kazuhiro Furuhasi, encargado de dirigir serie y OVAs de Kenshin; nos traen una obra que bien poco le ha faltado para ser considerada una obra maestra.





Autor Original: Tôw Ubakata
Director: Kazuhiro Furuhashi
Compañía: Producción IG, Shochiku
Género: Histórico, drama, fantasía, sobrenatural.
Categoría: Seinen
Número episodios: 24
Año: 2006
Distribución en España: Selecta Vision







“EN EL PRINCIPIO FUE LA PALABRA”

Nos encontramos en la Francia de Luis XV, cuando Versalles brillaba con todo su esplendor. Una mañana se encuentra el cuerpo de Lia de Beaumont en un ataúd flotando en el Sena, escrita en la tapa la palabra: Psalms. La vida de su hermano menor D’Eon cambiará buscando la verdad tras la muerte de su hermana, instigado por el vengativo espíritu de ésta, que se aferra a este mundo en pos de la justicia. D’Eon de Beaumont se verá envuelto en una intrincada conspiración contra las principales coronas de Europa y su amada patria.

“INFÚNDELES TERROR, SEÑOR, QUE LOS PUEBLOS SEPAN QUE SON SIMPLES MORTALES” (Salmo 9-20)

Gran obra con un buen argumento que nos atrapa desde el primer capitulo, trepidante de por sí, siendo gran idea la mezcla de personajes históricos reales con el arte del esoterismo y lo sobrenatural, llegando en ocasiones al terror; si bien los años de los personajes históricos no coinciden. Cómo dijo su creador, no buscaban una obra histórica, si no una obra fantástica con tintes históricos. Y lo consiguen.

Trama que se desenvuelve bien y que en pocas ocasiones decelera, teniendo un giro argumental que en cierta parte de la serie puede predecirse pero que no deja de ser bueno. Se intenta abarcar las relaciones de camaradería, relaciones amorosas, erotismo, humor sutil... lo que sólo enriquece la historia. Siendo así una serie dinámica, algo que es de agradecer. Y si incluimos personajes muy elaborados y cuidados, desde los principales hasta los secundarios, es de atisbar que no estamos ante una serie cualquiera.



Hay que resaltar el poder que tiene la palabra en esta historia, artífice de donde proviene la magia. Y tiene mucho que ver pues históricamente poco faltaba para la revolución francesa.

Mencionar que hay un manga (de unos 7 tomos, no he logrado confirmarlo exactamente) que al parecer se publicaba antes de emitirse la serie. No sé mucho más excepto que el dibujo varía mucho y es interesante. El vestido de Lia que sale a partir del capitulo 6 está basado del diseño de este manga, y la autora lo revisó concienzudamente.


EL AUTÉNTICO D’EON.

No pienso contaros una biografía de este hombre, que para eso podéis usar Internet y os vendrá muy detallado. Y cuando digo Internet, digo Wikipedia (no pienso poneros el link so vagos). Sólo decir que sí, existió, y lo más increíble aún es que tras cumplir varias misiones y ser considerado Caballero de Francia, podría decirse que fue el primer hombre que dijo ser mujer, achacándole la culpa a su padre. Tras su muerte se confirmó su masculinidad. Aún así, lo que más sorprendente es que, tras estar recluido en Inglaterra por su propia voluntad, muchos fueron los espadachines que se batieron en duelo contra D’Eon. Que se sepa D’Eon fue imbatible, a pesar de siempre luchar con un vestido de mujer (y en aquella época no era cosa fina). Si bien esto último puede ser parte de la leyenda que le rodea y que a mi, sinceramente, me mola.


“¡LEVÁNTATE, SEÑOR, EN TU IRA; ENFRÉNTATE AL FUROR DE MIS ENEMIGOS! ¡DESPIERTA, OH DIOS, E IMPARTE JUSTICIA!” (Salmo 7-6)


Obra creada por Production IG, encargado de la mayoría de películas de Mamoru Osihi como puede ser Ghost in the Shell –así como la serie de esta saga-, y otras como la saga Blood, Moribito o Edén of the East.

Dibujo a manos de Tomomi Ozaki de trazo suave y atractivo, que tiene toda la fuerza que necesita para esta obra. Los rasgos de los personajes principales fueron muy cuidados para que parecieran únicos y a la vez coincidiera con los de la época. Destaca aún más es el cuidado en el vestuario que coincide perfectamente con los de aquel siglo. Es más, como curiosidad, se crearon algunas prendas a escala real para que los dibujantes pudieran verla, este es el caso del Vestido de Lia. Fondos destacables, que mezclando el 2D con el 3D consiguen una ambientación muy real que agradecemos, siendo este otro punto fuerte de la obra.

Sobre la animación, una palabra: excelente. Movimientos muy detallados y cuidados tanto en las escenas cotidianas, como en los combates a espada que son las que más resaltan. Movimientos muy reales, donde demuestra el director su maestría en estas escenas (muchos años con Kenshin). Por desgracia, más adelante esta animación baja la calidad, pero en escasas ocasiones.

Aunque detrás de la Banda Sonora esté Michiru Oshima, que se encargó de la música del anime de Full Metal Alchemist, es aquí donde esta gran serie decae. A pesar de que la música nos sitúa en la época, es bastante sosa y poco atractiva, salvo alguna excepción. En definitiva, que no es para tirar cohetes, sólo hace su trabajo de introducirnos. Como opening tenemos Born cantado por Miwako Okuda, siendo bastante normalita. Otra cosa es el Ending cantado por Aya y titulado Overnight, que es sencillamente increíble: música Pop suave que completa tiene un final bastante rítmico. Pena que solo ponga un cacho y no toda ella.



El doblaje japonés es bueno, como casi todos los doblajes Japos. Destaca la voz de Lia con la voz de Risa Mizuno (Vampire Knight -Sayori Wakaba-) o el del propio D´Eon con la voz de Yuuki Tai (Ef - a tale of memories -Kyōsuke Tsutsumi-).

Del doblaje en castellano fue a manos de animax y es uno de esos buenos trabajos, que si bien llega a fallar en personajes secundarios, los principales tienen voces muy acordes. Destaco la voz del D’Eon anciano, que está en off; y la de Lia la cual se encarga una dobladora que ya hizo su pinito con Motoko Kusanagui en Ghost in the Shell SAC o de Revy/Levy en Black Lagoon. Su voz me encanta, puede ser dulce y delicada, como dura e imponente, y es que así es Lia. Mejor voz de doblaje en España, difícil de encontrar.


“LOS MALVADOS SON COMO PAJA ARRASTRADA POR EL VIENTO [...]” (Salmo 1-4 a 5)


Para ir acabando, decir que Selecta Vision nos trajo España hace tiempo una Edición de lujo en una cajita terciopelada, y un montón de extras con un precio aproximado de 50 €. Yo fui uno de esos que la compró y le tengo un cariño inmenso, estando en la mejor posición de la estantería de mi animeteca y eso que a mi me costó 60 euracos. Actualmente también hay una versión más económica para aquellos que la deseen en su estantería a unos 30 €.




“EN EL NOMBRE DE LA JUSTICIA... YO OBTENDRÉ MI VENGANZA”

Una a “Los Tres Mosqueteros” con magia negra y conspiraciones intrincadas. Una obra que debéis ver y experimentar por vosotros mismos, así que tenedla muy en cuenta pues, como ya os dije, poco le falta para ser considerada una obra maestra.

Lo Mejor: el argumento es intrincado y, por lo general, bien llevado. La sola mezcla de la Europa caballeresca del S. XVIII con el esoterismo y lo sobrenatural, y personajes históricos reales, lo convierte en algo novedoso. El poder que le dan a la palabra. Buen dibujo, magnifica animación, con ambientaciones muy logradas.

Lo Peor: una Banda Sonora floja, incluyendo el Opening. En algunos capítulos deceleran un poco la trama y la animación baja de calidad.

Rosario + Vampire

¿Te imaginas que tu peor pesadilla se haga realidad y tengas que vivir rodeado de monstruos legendarios mientras escondes que eres humano? Esta es la realidad de Tsukune, un chico de 15 años que, sin querer, se verá rodeado de vampiros, hombres lobos, súcubos, brujas y otros seres horripilantes. Todo reunido en el mismo lugar, el Instituto Youkai. ¿Te atreves a estudiar con ellos?

Ficha técnica


Nombre original: ロザリオとバンパイア(Rozario to Banpaia)
Autor: Akihisha Ikeda
Año de publicación en el lugar de origen: 2004
Género: ecchi, harem
Categoría: Shōnen
Volúmenes: Primero temporada, 10 tomos; segunda temporada, 6 tomos.


En los tiempos que corren, encontrarnos con una serie que sea levemente original o que se salve de una serie de tópicos es realmente difícil, y más si intentamos encontrarla dentro de géneros tan asentados como son el shōnen o el shōjo. Rosario + Vampire no es una excepción, ni en temática ni en argumento, aunque quizás sí en ambientación, ya que, aunque recurre a la típica comedia escolar de tipo harem que tan buenos ratos acostumbra a hacernos pasar por la distensión del argumento, le da una nueva vuelta de tuerca y lo ambienta en un lugar totalmente desacostumbrado como es el mundo fantástico y en especial, monstruoso. Pero, ¿De qué va el manga?




Aono Tsukune es un joven japonés de 15 años que no alcanzó la media suficiente para conseguir entrar al instituto de secundaria. Ya se había resignado a tener que repetir curso cuando su padre llegó a casa indicándole que había encontrado el lugar idóneo para él, la Academia Youkai. Así, emprende su viaje en un extraño autobús hasta un inhóspito lugar, rodeado de gente rara entre la que no parece encajar.

Conocerá entonces a la hermosa Moka, una chica dulce y cándida que porta un enorme rosario en el cuello a modo de adorno. Es en el primer día cuando Tsukune se da cuenta de que la Academia Youkai no es un instituto normal, sino que es un lugar en al que los monstruos acuden a aprender a comportarse como humanos para poder integrarse en su sociedad. Es entonces cuando verdaderamente cree lo que Moka le había dicho al conocerse: que era una vampiresa, y es más, una vampiresa totalmente adicta a la sangre de Tsukune, en un arranque de originalidad por el guionista, ya que jamás podríamos imaginarnos que Moka podría sentirse nada atraída por el joven Tsukune si no es por su dulce sangre y porque si no no, sería una buena comedia amorosa.

Sin embargo, los adolescentes monstruos tienen prohibido revelar su identidad, aunque realmente esta restricción se la pasen por los pies. Es gracias a esa falta de autoridad por parte de los directivos del instituto que los alumnos, e incluso profesores, se muestren con su verdadera forma, y para combatirlos, ¿qué mejor que un vampiro? Así que, Tsukune siempre es el encargado de arrancarle el rosario que sella los poderes de Moka, la cual adopta la personalidad vampírica y acaba con el peligro inminente, aunque, eso sí, sin que dure excesivas páginas, que esto no es un manga de acción.

Pero, ¿y las demás chicas? ¡Ajá, aquí os quería yo ver! Efectivamente, no puede ser un perfecto manga harem sin otras chicas de buen ver enamoradísimas del protagonista. Así nos encontraremos con la exuberante Kurumu, una súcubo; la muy inteligente Yukari, una bruja de tan sólo 11 años; o Mizore, una dama de las nieves siempre armada con piruleta en mano. Evidentemente, todas se pelearán por el amor de Tsukune, el cual sólo tiene ojos para Moka, pero, ¿Y Moka para él?

Vampiros, hombres lobos y… ¿Pantsu ?

El estilo de Ikeda no destaca precisamente por su buen hacer, por sus proporciones anatómicas perfectas, ni por unos acabados de ilustración de Samura en su “Espada del Inmortal”. Es decir, que no destaca en nada, pero tampoco falla en ningún concepto. Estamos ante un autor que podría considerarse como “correcto en ejecución, correcto en el diseño de personajes e interiores y correcto en guión”.

Sus monstruos no son para nada feroces, o al menos no dan la impresión que pueden dar en otros mangas más terroríficos, ya que parece que contengan un halo kawaii a su alrededor: la vampira, glamurosa; la súcubo, atractiva; la bruja con el típico sombrero; o el hombre lobo, que más que monstruo parece un perrito un poco enfadado – conozco perros que dan mucho más miedo que él, como por el ejemplo el peluche de Kobato, que evoca precisamente el efecto contrario que se buscaba. Vamos, que el diseño de personajes monstruosos deja bastante que desear, pero, ¿acaso le hace falta hacerlo mejor? Pues no, porque, recordamos de nuevo, estamos frente a un manga shōnen del tipo harem y lo que importa son las chicas, y eso sí, las chicas están bien hechas, con buenas proporciones y bien dibujadas, aunque pequen en ocasiones de tener expresiones demasiado infantilizadas en comparativa con los cuerpos que tienen.

La estructura de los capítulos del manga suele repetirse en casi todos los capítulos: escena inicial con Tsukune y Moka, presentación del conflicto, batalla con transformación de Moka a vampira por el medio y final feliz. Este tipo de estructura suele repetirse en gran variedad de mangas y es una fórmula que suele funcionar bastante bien, ya que, tenemos que tener en cuenta que estas obras son publicadas en un principio en revistas y luego pasadas a los consabidos tankoubon.

Rosario + Vampire no destaca en ningún aspecto de su apartado gráfico, quedándose en un casi notable, y no arriesga nada en cuanto a nivel de argumento, pero sin duda, entretiene una barbaridad y, aunque resulte excesivamente previsible si eres fan de este género y ya conozcas varias obras como “Love Hina” o “I’’s” probablemente te divertirá pero no te fascinará. De todas formas, “Rosario + Vampire” es uno de los mejores mangas harem de los que podemos disfrutar en la actualidad y el punto de jugar con los monstruos es siempre original e interesante, manteniéndose hasta cierto punto la intriga sobre el siguiente monstruo al que se enfrentarán cuando la carga argumental no es lo suficientemente fuerte como para mantener la atención del lector.

Lo mejor: La originalidad de incluir monstruos en un shōnen harem.
Lo peor: La historia es totalmente previsible.


5 centímetros por segundo

Vuelvo por estos lares para presentarles algo muy especial. No se trata esta vez de un anime al uso, lo que traigo en ésta ocasión es una película: 5 centímetros por segundo, un drama sobre la vida real que nos hará disfrutar a lo largo de 63 minutos, divididos en tres partes. Sin quieren conocer más a fondo esta excelente película les aconsejo que sigan leyendo.

Ficha técnica
Nombre original: Byōsoku Go Senchimētoru
Año: 2007
Director: Makoto Shinkai
Estudio: CoMix Wave Inc.
Género: Drama
Categoría: Shôjo
Duración: 63 minutos





Sinopsis

"La velocidad con la que caen los pétalos de la flor del cerezo, son 5 centímetros por segundo".

De esta forma tan sugerente comienza la historia de Takaki y Akari, dos niños que estudian en la misma escuela primaria y son grandes amigos. Sin embargo, al llegar la secundaria, la familia de Akari debe mudarse debido a causas de trabajo, lo que dificultará la posibilidad de mantener la relación entre ambos.

Si ya era complicado, ahora es la familia de Takaki la que debe mudarse, distanciando aún más a la pareja protagonista. Antes de incrementar la distancia, Takaki decide ir a visitar a Akari. Lo que sucede entonces condicionará la vida de Takaki para siempre.



Animación y dibujo

La idea original del proyecto fue de Makoto Shinkai, que además asumió la labor de dirección del filme, es conocido por sus trabajos anteriores en Hoshi no Koe o Kanojo to kanojo no neko, por el cual recibió varios premios. 5 centímetros por segundo es su último trabajo.

El diseño de los personajes y del fondo corre a cargo de Takayo Nishinura, Takumi Tanji y Ryoko Majima. El dibujo de los personajes es simple y poco detallista, sin destacar a los protagonistas por encima de los demás, método para realzar el sentido de realismo. En lo referente a los fondos hay que quitarse el sombrero, detallismo absoluto que pueden apreciar en las capturas.



En lo que a la animación se refiere, el estudio CoMix Wave Inc. realiza un trabajo extraordinario. La sensación de iluminación es apabullante y el transcurso de la historia pausado, dándole más emotividad. Destacar asimismo, en el aspecto visual, la caída de las flores de cerezos o de los copos de nieve. Unas imágenes y un diseño dignos de una película.




Banda sonora y doblaje

Nos encontramos con una OST que posee una calidad impresionante, con temas melódicos y dramáticos que nos transportan a la atmósfera melancólica que nos presenta la película. La BSO no es que se compagine con la película, es que viene a ser un elemento indispensable para ésta. La OST corrió a cargo de Tenmon.

Aquí le dejo el trailer de la película, que se presenta con el tema de cierre del filme, que a su vez, es el tema principal de la OST: One more time, one more chance, escrita e interpretada por Masayoshi Yamazaki.



En lo referente al doblaje, sólo está disponible en versión original, japonés. Como siempre éste es perfecto, adaptándose a personalidad de los personajes, siendo doblados por los actores de voz Kenji Mizuhashi en el papel de Takaki, Yoshimi Kondo y Akaya Onoue como Akari en la primera y tercera parte de la película respectivamente y Satomi Hanamura en el papel de Kanae, es sencillamente sublime, logrando darle a los personajes un carácter realista sobrecogedor.




Opinión personal

Cuando hablamos de películas de animación japonesa solemos pensar en los estudios Ghibli, referente en este mundo por películas como Mi vecino Totoro o El viaje de Chihiro. El resto de las producciones cinematográficas animadas llevadas por otros estudios suelen pasar desapercibidas para el público general, salvo raras excepciones como Akira. Lamentablemente 5 centímetros por segundo pertenece a las olvidadas.

Sin embargo, esta producción logra superar en determinados aspectos a películas con mayor reconocimiento. Un dibujo que no debe envidiar nada a nadie y sobre todo una OST que no sólo cumple su cometido, sino que lo ensalza y nos transporta a la atmósfera que crea la película de melancolía; hace que estemos hablando de una de las mejores películas de animación del momento.

La película esta rodada de una forma original, por capítulos. La película consta de tres de estos capítulos, que vienen a transmitir la personalidad del protagonista a lo largo de su vida: niñez, juventud y madurez. Este hecho da originalidad a la forma de presentación de la historia, pero al mismo tiempo provoca que la historia sea un tanto inconexa en el tempo.

La trama, dramática, a su vez es totalmente realista. No se introducen aspectos fantasiosos como en muchas otras películas animadas, aquí se muestra la realidad, personajes normales sin ningún tipo de aspecto que sobresalga por encima de nadie. Se busca la conexión con el espectador mediante sucesos que al propio espectador le acontecieron o le podrán acontecer, sucesos que ocurren de forma asidua en cualquier parte del globo.

Asimismo, el contenido filosófico es patente. La propia trama nos hace reflexionar sobre el valor de los recuerdos, la dramática situación que produce quedarse anclado en el pasado, no poder retroceder y, lo que es peor, no poder avanzar. Se intenta hacer llegar al espectador la idea de que los recuerdos son algo fundamental, pero que la vida sigue y el tiempo pasa inexorablemente por nosotros. No se puede vivir de los recuerdos, y el que lo haga se consumirá en su propia infelicidad. Así pues, no solo nos muestra una historia, sino que nos transmite un mensaje para incitar a la propia reflexión.





En resumen: drama que trata pequeñas situaciones relacionadas entre sí desde una perspectiva totalmente realista.

Lo mejor: OST, la iluminación, trama realista.

Lo peor: que odies los dramas, un tanto inconexa.

Yubisaki Milk Tea

He yo aquí un día más para traeros un manga un tanto diferente a lo que se acostumbra por estos lares: una historia de polígonos amorosos que no padece del típico harem ecchi y en la que el/la prota no se decide a qué o quién atenerse, en muchos aspectos.





Yubisaki Milk Tea
ゆびさき ミルク ティー (Yubisaki Miruku Tī)

Periodo de edición en Japón: 2003 - 2010
Autor: Tomochika Miyano.
Editorial: Hakusensha.
Revista: Young Animal.

Género: drama, romance, transexualidad, erotismo, comedia.
Categoría: seinen.
Duración: 10 tankōbon.



Sinopsis:

Por cosas de la vida, Ikeda Yoshinori acaba ocupando el puesto de su hermana en una sesión fotográfica que tenía concertada, terminando cogiéndole el gusto a vestirse de mujer y travistiendo con cada vez más frecuencia. A causa de ello, su vida, tanto personal como amorosa, se abrirá a caminos con los que antes no contaba, llevándole a preguntarse sobre sí mismo y sus relaciones con los demás.


Preciosa pintura que hace Kodama con Yuki de modelo.

Cuando el interior no reconoce al exterior...


Es evidente que los tiempos van cambiando en lo que a facilidad que tiene la gente para expresarse sin temores respecta, haciéndose claramente palpable en el manganime (como todo arte que se precie) con la reciente oleada de títulos que incorporan no solo romances chico-chica, sino también bisexual y homosexual, y cada vez más, ésto se nota especialmente en lo que a transexualidad y travestismo se refiere. Parece que a día de hoy, en donde el boom moé impera y el ecchi está por todas partes, hay que hacer lo imposible para ganar un puñado de lectores/televidentes (o lo que es lo mismo, dinero) y por lo visto, la moda actual es la tendencia de incluir personajes de sexo indefinido al guión. Éstos, por desgracia, suelen ser los denominados “traps” – es decir, trampas -, chicas moé en apariencia pero que resultan ser chicos, los cuales normalmente no están dotados de una razón real por la que travestirse. Por suerte para quien busque algo más profundo sobre esta temática, hay títulos como el aquí presente que tratan el “problema” de la insatisfacción personal de género con un trasfondo serio, no quedándose simplemente en la superficie o como motivo cómico. A este "fenómeno" se le llama informalmente “gender bender” en el mundillo del manganime, aunque suele ser incorrectamente utilizado tanto para transexualidad como para travestismo, siendo que en realidad se refiere sólo al primer caso.

El desarrollo de la trama es muy del día a día, no cortándose el autor en relatar cualquier acontecimiento que tenga una mínima importancia, aunque la relevancia de ésta dentro del argumento principal sea bastante imperceptible. Dicho argumento gira en torno a los sentimientos y "romances" de los protagonistas principales y secundarios, no destacándose ningún mundo interior como más profundo que el resto, todos están muy bien perfilados y con una manera de relatarlos detallista.

Uno de los puntos fuertes de la historia es la buena definición de estos mundos interiores de los protagonistas, así como un carisma que les hace a cada uno totalmente distinto del resto. Éstos van cambiando a lo largo de de la trama, notándose una continua evolución mental de los personajes como efecto de todos los momentos que viven, muy bien representada también.

Esta historia no es el típico polígono amoroso al que uno puede estar acostumbrado a ver en los mangas y animes de romance, pues no todo el mundo gira alrededor del protagonista - todos tienen unos gustos bien definidos -, ni todas las relaciones son precisamente bonitas. Incesto y actos cercanos a la violación no son extraños, y hay diversas maneras de interpretarlos, tanto por parte de los personajes implicados como para los lectores del manga, con un umbral entre el romanticismo y el erotismo o la crueldad muy delgado. Ésto implica que tanto las escenas eróticas, como los desnudos, sean frecuentes, aunque el contexto suele evitar que la forma de representar estas escenas sea considerable como pornográfica.

El estilo de dibujo mantiene una calidad y detalle más o menos constantes durante toda la obra (aunque hay capítulos que se nota que se han hecho con prisas), destacando el estilo propio que tiene el autor al dibujar a sus personajes. Aunque el detalle de éstos no es espectacular, tienen un aire que permite cogerles cariño enseguida, especialmente al verse la magnífica expresividad que presentan con las diversas emociones, muy bien logradas en la práctica generalidad, en especial las melancólicas. Nótese también que el punto flojo de que el autor use tanto su estilo personal, es la dificultad que aparece para poder identificar a los personajes cuando aparecen en primer plano fuera de contexto, pues la mayoría son facialmente similares. Los fondos por su parte no están especialmente cuidados o llenos de detalles, aunque en ningún momento dan sensación de vacío.


Varias muestras del dibujo del manga, clickead sobre las imágenes para agrandarlas.

¿Qué habrá bajo la falda?


En resumen, un manga que toca un tema pocas veces tratado con un mínimo de profundidad y sentimiento, amén de no basar el argumento simplemente en eso, sino que podemos encontrar una enrevesada unión de historias románticas que no tiene pudor para meterse en temas normalmente vistos como tabú.

Lo mejor: buen trato de una temática normalmente mal utilizada. Trama romántica realista, para lo bueno y para lo malo.

Lo peor: abusa de algunos tipos de escena, pudiendo llegar a ser repetitivo en esos tramos.

CLANNAD (novela visual)

Cuando le preguntas a alguien aficionado al mundo del anime sobre una historia romántica, y que sin llegar a ser empalagosa sea capaz de soltarte carcajadas y lágrimas a partes iguales, probablemente te hable sobre CLANNAD, uno de los mayores y más conocidos títulos del género. Pero lo que es más posible que no sepa es de dónde se extrajo la trama original, y eso es de lo que vamos a hablar hoy.

El origen de CLANNAD pasa por la novela visual homónima realizada por la compañía Key, autores de Kanon y Air, entre otras obras, siendo a día de hoy la que más horas de juego ofrece (entre 90 y 300 según la velocidad de lectura), así como la única que no ofrece escenas pornográficas ya desde sus orígenes, todo ello entre los títulos de la compañía, la cual suele ofrecer versiones con imágenes hentai y otras aptas para todos los públicos.


CGs (gráficos por ordenador) de las rutas de Kyou y Tomoyo respectivamente.
Puedes hacer click en las imágenes para verlas a tamaño original.

La historia nos sitúa en la piel de Okazaki Tomoya, un estudiante en su último año de instituto, que pasa por una dura situación de tedio a causa su repetitiva rutina diaria, la cual le lleva a preguntarse el sentido de levantarse cada día si éste no va a ofrecerle ningún ápice de felicidad. La vida de Tomoya no ha estado bendecida por la buena suerte precisamente, llevándose a su madre a un lugar mejor cuando éste aún era pequeño y dejándole sólo con su padre. Éste a su vez cayó en una profunda depresión, lo que le hundió en el alcohol y la ludopatía, al mismo tiempo que le produjo discutir frecuentemente con su hijo. En una de estas peleas, Tomoya queda lesionado severamente en uno de sus hombros, lo que le aleja de uno de los pocos sueños que le quedaban, el baloncesto. Ahora, sin la más mínima motivación, Tomoya vive el día a día faltando a clases y alejado de casa tanto como pueda, lugar en el que desea permanecer lo menos posible.


Muestras "ingame" de Kyou y del pobre Sunohara, siempre puteándole que están.

La novela nos ofrece decidir el camino que llevará el protagonista de ahí en adelante a través de numerosas rutas en las que podrá relacionarse con la gente, tanto de su escuela, como de fuera de ella, mostrándonos el pasado de los personajes secundarios así como el futuro que les aguarda junto a Tomoya, pudiendo llegar a formarse profundas relaciones amorosas. Una vez conocidas un número mínimo de rutas (8 en general, 7 si le pides un deseo a Fuuko), la novela nos permite acceder al “After Story”, una nueva historia que continúa la ruta de Nagisa, una de las heroínas principales, después de la época estudiantil. En este “After Story” también podemos conocer cómo le va la vida al resto de personajes, pero mucho más superficialmente. Debido a la enorme demanda popular, Key decidió crear otra novela que continuase la ruta de Tomoyo, otra de las heroínas principales, titulada “Tomoyo After: It's a Wonderful Life”.


CGs con Fuuko y Nagisa en la izquierda, y con Kotomi en la imagen diestra.
Preciosa la ruta de esta última, por cierto (como todas).

Una de las evidencias del enorme éxito de la novela visual son las numerosas adaptaciones que se hicieron sobre ella: dos temporadas de anime, con OVAs basadas en las rutas de Kyou y Tomoyo a posteriori, mangas, novelas ligeras, películas…; todo ello por una de las novelas mejor valoradas por el público nipón, y especialmente recomendable para todos aquellos que están empezando en el mundillo.

Artículo publicado originariamente en el nº7 de la revista Koukyou Zen.