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Blood: The Last Vampire (Life Action)

Cuando se supo que Blood iba a tener su versión en celuloide hubo lo de siempre: pocas expectativas y sólo el consuelo de que Holliwood no estaba de por medio. Aunque claro, no sé muy bien si eso a sido para mejor, peor o da lo mismo. La cuestión es que Blood parece desgastarse, que nadie es capaz de pillarle el punto pese a que algunos le veamos cierta cosilla en esencia y nos preocupa y decepciona que sea llevada así. Y que el director de El Beso del Dragón y el productor de Tigre y Dragón o Hero estuvieran tras el proyecto lo único que ha producido es que ahora mismo tengan una obra algo penosa a sus espaldas pese alardear de efectos de ordenador para fondos y fotografía. Blood, el filón de Production IG, empieza a agonizar sin remedio.


Autor Original: Production IG (team Osihi)
Director: Chris Nahon
Productora: Coproducción Hong Kong-Francia-China; East Wing Holdings; SAJ; Beijing Happy Pictures Cultural Communications Co.

Género: Aventura, Acción, Terror.

Año: 2009

Otras reviews:



Hay una organización secreta que se enfrenta a los Quirópteros, demonios siervos de Onigen que para su supervivencia necesitan de la sangre de seres humanos. Entre sus filas se encuentra la joven Saya que blande una katana para enfrentarse a estas criaturas.

Tras extraños sucesos en una escuela de una base militar norteamericana, la misión de Saya será averiguar si hay quirópteros y eliminarlos a todos y atraer la atención de Onigen para cumplir su venganza. Por desgracia, la organización tiene otros planes para ella.



Remake en celuloide del OVA animado que no pasará a la historia por nada y donde de nuevo afecta eso de "mundillo alternativo". El mundo de Blood se desmorona por completo dando una razón más que sustenta a aquellos que piensan que Blood no tiene nada de nuevo ni nada que contarnos que no sea: chica con espada mata vampiros más feos de lo normal. Y es así, es lo que se traspira en esta adaptación cinematográfica que es difícil de salvar, porque incluso para un servidor que cree que Blood tiene mucho que contar pero no saben como hacerlo, le ha parecido carente de sentido, lioso y que cuando por fin parecía tener un punto de brillantez queda en un mojón en la calle abandonado por su dueño en un invierno frío.



Con la intención de colar escenas de la película original de 40 minutos, que desde un principio es un error enorme y a su vez es lo mejor que nos muestra, nos topamos con una mezcolanza que no sabe bien y no tiene sentido alguno. Saya parece ser de nuevo la tía dura que tanto me atrae, esa que no dice nada excepto cagarse en los muertos del quiróptero que le cuesta cargarse. Pero no es así, aunque en un principio lo parezca, pronto su máscara de tía dura se derrumba sin más dejándonos en vista de una Saya vengadora y profunda. Y claro, ahora deben meter a una compañera adolescente con calzador, que aunque al principio no queda mal, al final es un grano en el culo para el espectador.

Lo que parece mejorar es la idea de la Organización. Parece algo más profunda y usar a Saya realmente, tener vínculos con altos cargos pese a no ser una organización realmente existente ni apoyada por ningún estado, no teniendo alojamiento fijo, reuniéndose en cualquier rincón como gansters. Auténticos hombres de negro que deben ocultar la existencia de los quiropteros para un fin oculto. Pero todo se queda en buenas intenciones, porque sin más el protagonismo de la organización queda en cero, en nada, por razones no muy claras y que lían más el argumento. Vamos, para no decir nada de unos personajes ¿para que introducirlos? ¿porque la película los metía?

Los quirópteros son ahora demonios míticos, siervos de un/una tal Onigen, donde su diseño es espantoso y recuerda a los vampiros de películas de series B pero muy mal creados por ordenador. Incluso los vampiros de Abierto Hasta el Amanecer tienen mejores pintas que estos. Y claro, aunque no destila romanticismo, tampoco terror alguno, ni misterio, ni nada. Son vampiros que se lo montan muy bien pareciendo humanos que se meten con humanos de verdad -en el OVA original siempre trataban pasar inadvertidos, gentes solitarias con problemas de sociavilización-. Y claro, tienen su mitología asiática -inventada-, no sé si china o nipona pues no lo dejan en claro. Igual de asco da pues el pasado de Saya unido a esa mitología sacada de la manga.



Otro fiasco son los fondos. Con eso de seguir el OVA se recrea en los 70 u 80, y al no tener presupuesto para unos fondos decentes se decide por tres o cuatro fondos por ordenador que cantan un huevo y que no dan la sensación de amplitud, y parecen reducidos escenarios. Por mucha luz que se vea o use da la sensación de haber sido rodada toda la película en una cuarto de veinte metros cuadrados, como esos de protección oficial, donde se dio cortes a diestro y siniestro.

Cris Nahon debe de sonaros por ser director de El Beso del Dragón -con Jet Li- y El Imperio de los Lobos -gran Jean Renó-. Dos buenas películas, o al menos correctas, que hacían que la carrera de Nahon fuera prometedora o al menos que haría trabajos, si no destacables, decentes. Pues eso sería hasta que se ha ocupado de Blood, donde la verdad no se le ve esmero ni en las secuencias de acción -llenas de cables y ordenador que atufa un poco-, éstas múltiples para rellenar minutos. Es como si se le fuera el entusiasmo y sólo rodara la película para acabar de una vez y que tras ello, con lo hecho, decidiera arreglar un poco tarde ese estropicio que ya lo es desde que aceptó un guión tan ingrato.

Gianna Jun es una atractiva actriz coreana que al parecer no lo hace tan mal en el mundo de la interpretación según leo en otros lares "rediles". Por desgracia éste trabajo le puede costar caro ya que la interpretación aquí de Saya es nula y debido a su aspecto, por mucho que quiera parecer dura no es capaz de transmitirlo pese a su parecido con Saya. Aunque sinceramente Saya es una chica asiática tipo, con lo que cualquiera podría haber encajado bien para hacer su papel. Así que ya pudieron haber apostada por una actriz con pinta de "hijaputoide si me tocas las narices te rebano".

Mención a parte se merecen JJ Feild y Liam Cunningham, este último como David -y me encanta, aunque nada se parezca al de la película animada, por su semblante-, ambos miembros de la organización y demostrando su talento ante las cámaras pero que son incapaces de hacer nada con unos guiones dignos de usar en un baño. Gran Michael Byrne pese a sus pocos minutos en pantalla que queda genial como jefe de la Organización.








En definitiva, una película que huele a "B" con efectos digitales que dan algo de pena -los de los vampiros dan mucha pena... el resto son pasables- y un guión enrevesado que no dice absolutamente nada pese a querer profundizar en Saya. Lo peor que se ha podido engendrar en la saga de Blood.

Lo mejor: una Saya guapeta y la aparición de Liam Cunnigham y Michael Byrne.

Lo peor: el resto, no merece la pena reteneros más.

Blood: The Last Vampire

Era una de esas aburridas reuniones para el equipo de Production IG, donde se encontraba entre otros Mamoru Osihi (director de ambas películas animadas de Ghost in the Shell, Patlabor, etc), Kenyi Kamiyama (director, guionista -y mucho más- de Ghost in the Shell [SAC], entre otras), Hiroyuki Kitakubo (director de Roujin Z, Golden Boy y otras obras) y Junichi Fujisaku (que a trabajado como escritor en GS [SAC], Xxxholic, etc), intentaban tal selecto grupo denominado como Team Osihi crear una nueva obra desde cero.

Así, por romper el silencio o cambiar de tema, uno habló de hacer un anime de terror. Otro saltaría con un “¡De vampiros!”. No muy convencidos otro diría “¿Por qué no animales antropomorfos chupa sangres?”. Eso ilusionó un poco más al grupete de "amijos". Otro hablaría de un cazador con katana y que los matara a lo bestia, desangrándolos, nada tipo Blade pero sí recordando la idea... pero mejor una chica, y aún más: adolescente y con mala gaita. Por último, seguro que fue tito Osihi (si no a Kenyi) al que se le ocurrió meter la historia en un tiempo histórico real para que tuviera una conexión y nos diera "susto". Así se creó (de acuerdo, también a participado mi imaginación), Blood: El último filón de Production IG, que parece secarse con cada nueva obra sobre el tema y es una pena.

BLOOD: THE LAST VAMPIRE



Autor Original: Production IG (team Osihi)
Director: Hiroyuki Kitakubo
Compañía: Production IG

Género: Terror, Acción.
Categoría: Seinen

Año: 2000

Otras reviews:



Hay una organización secreta que se enfrenta a los Quirópteros, criaturas antropomórficas que para su supervivencia necesitan de la sangre de seres humanos. Entre sus filas se encuentra la joven Saya que blande una katana para enfrentarse a estas criaturas de su misma sangre. Que se sepa, es la última original que queda.

Tras extraños sucesos en una escuela de una base militar norteamericana, la misión de Saya será averiguar si hay Quirópteros y eliminarlos a todos antes de que escapen.



Blood significó una reinvención tanto por la animación digital usada, como en el género de los vampiros en un tiempo en el que parecían ya bastante disecados -y mucho antes de la aparición de esa cosa "eclipsada" de vampiros enarinados-, acercándose a otro tipo que aunque han existido en leyendas (sobre todo en Sur América) no han sido muy explotados. Aquí los vampiros no son galantes, no intentan seducir a sus víctimas, ni se juega con la vida eterna ni romanticismos, ni siquiera esa lujuria que transpiran. Los quirópteros de Blood son criaturas antropomorfas que se ocultan con imagen de humanos, cazando y alimentándose de estos de tal forma que nadie sospeche nada más allá de lo que la realidad nos permite ver, sin especular para nada sobre que los mordidos por ellos se conviertan en iguales criaturas. Son criaturas que deben ocultarse mostrando a unos vampiros temerosos y a su vez más tenebrosos y bestias que nunca.

Así que no es bueno pensar en tópicos ya existentes, pues marca la diferencia. La mejor de esas diferencias es que para acabar con un quiróptero debes desangrarlo a lo bestia y rápido. Eso apunta a que una katana sea la mejor arma para ello, aunque se supone que todo vale cumpliendo esa premisa, dejándose a un lado el rollo de los ajos y la plata -sin entrar en discusiones sobre esto- o las puñeteras estacas, ensuciando cada vez más ese románticismo vampírico. Los ritos religiosos también se quedan a un lado, afectando como un puto estigma del pasado en nuestra protagonista sin dejar nada en claro por desgracia.



Curioso es el punto histórico donde lo enmarcan: poco antes que de comienzo la guerra de Vietnam.

Blood no pretendía para nada ser una obra profunda, a pesar de que se encargara Kenyi Kamiyama de su guión. Más bien es un derroche de arte técnico en el mundo de la animación, con esa reinvención en el mundo vampírico, volviéndolo algo más sucio y cierto toque de realidad, con un gore suave (pues, como mucho, veremos sangre y en segundos alguna cosita grotesca) y cierto soplo de aire fresco que por desgracia sólo se ve en esta obra de la franquicia. Es ridículo, para el entenderla bien y para que quedara una obra coherente y sólida, los 40 minutos de duración.

Trailer con escenas eliminadas


El dibujo lo llevó a cavo un ilustrador bastante famoso en el mundo del videojuego, Katsuya Terada. Es un dibujo un poco fuera de lo habitual en el anime, muy expresivo, algo exagerado en algunos rasgos, quedando un dibujo “semirrealista” aún dentro del canon del manga, que podría recordar en algo al occidental. Destaco el diseño de Saya y el de los Quirópteros, así como el buen uso de colores pastel y oscuro que podremos ver durante todo el film.

La animación es de calidad muy alta, con movimientos muy conseguidos, sobre todo los más habituales en el día a día de cualquiera, con un contraste entre movimientos muy particulares; así como los movimientos de -supuesta- cámara que le meten. Siendo pues un trabajo de calidad más que demostrada y demostrable.

La banda sonora, a manos de Yoshihiro Ike, es una música puramente instrumental que encaja muy bien con cada momento, pero que no llega a ser de lo mejor. Según Ike, trató a la música como un personaje más de la obra. Según un servidor, ese personaje parecía no llegar a secundario. Pero que puñetas, consigue meterte en la obra que es lo que se quiere de la música, y es difícil que funcionara igual sin ella.

El doblaje japonés es muy bueno, con una Saya dura, sin ser aniñada. La encargada de ponerle voz fue Youki Kudou.El español, a cargo de Selecta visión, es también muy bueno en los principales; siendo Saya también una voz algo ruda por Ariadna Giménez que también ha trabajado en Paranoia Agent.



Podría pues decir que nos encontramos ante una obra bien ejecutada y perfectamente creada, que da cierto soplo de aire fresco a un manido género de una forma poco romántica aunque utilice ciertos clichés ya usadas en otras obras, y que queda floja por su corta duración y dejar interrogantes por doquier.

Lo mejor: la nueva visión del vampiro quiróptero y la mitología que parece existir tras él; un apartado técnico perfectamente ejecutado.

Lo peor: un guión que queda algo colgado, con muchas interrogantes y los míseros 40 minutos de duración que te deja la sensación de no haber podido explotar mejor la idea que resuma en el film.

5 centímetros por segundo

Vuelvo por estos lares para presentarles algo muy especial. No se trata esta vez de un anime al uso, lo que traigo en ésta ocasión es una película: 5 centímetros por segundo, un drama sobre la vida real que nos hará disfrutar a lo largo de 63 minutos, divididos en tres partes. Sin quieren conocer más a fondo esta excelente película les aconsejo que sigan leyendo.

Ficha técnica
Nombre original: Byōsoku Go Senchimētoru
Año: 2007
Director: Makoto Shinkai
Estudio: CoMix Wave Inc.
Género: Drama
Categoría: Shôjo
Duración: 63 minutos





Sinopsis

"La velocidad con la que caen los pétalos de la flor del cerezo, son 5 centímetros por segundo".

De esta forma tan sugerente comienza la historia de Takaki y Akari, dos niños que estudian en la misma escuela primaria y son grandes amigos. Sin embargo, al llegar la secundaria, la familia de Akari debe mudarse debido a causas de trabajo, lo que dificultará la posibilidad de mantener la relación entre ambos.

Si ya era complicado, ahora es la familia de Takaki la que debe mudarse, distanciando aún más a la pareja protagonista. Antes de incrementar la distancia, Takaki decide ir a visitar a Akari. Lo que sucede entonces condicionará la vida de Takaki para siempre.



Animación y dibujo

La idea original del proyecto fue de Makoto Shinkai, que además asumió la labor de dirección del filme, es conocido por sus trabajos anteriores en Hoshi no Koe o Kanojo to kanojo no neko, por el cual recibió varios premios. 5 centímetros por segundo es su último trabajo.

El diseño de los personajes y del fondo corre a cargo de Takayo Nishinura, Takumi Tanji y Ryoko Majima. El dibujo de los personajes es simple y poco detallista, sin destacar a los protagonistas por encima de los demás, método para realzar el sentido de realismo. En lo referente a los fondos hay que quitarse el sombrero, detallismo absoluto que pueden apreciar en las capturas.



En lo que a la animación se refiere, el estudio CoMix Wave Inc. realiza un trabajo extraordinario. La sensación de iluminación es apabullante y el transcurso de la historia pausado, dándole más emotividad. Destacar asimismo, en el aspecto visual, la caída de las flores de cerezos o de los copos de nieve. Unas imágenes y un diseño dignos de una película.




Banda sonora y doblaje

Nos encontramos con una OST que posee una calidad impresionante, con temas melódicos y dramáticos que nos transportan a la atmósfera melancólica que nos presenta la película. La BSO no es que se compagine con la película, es que viene a ser un elemento indispensable para ésta. La OST corrió a cargo de Tenmon.

Aquí le dejo el trailer de la película, que se presenta con el tema de cierre del filme, que a su vez, es el tema principal de la OST: One more time, one more chance, escrita e interpretada por Masayoshi Yamazaki.



En lo referente al doblaje, sólo está disponible en versión original, japonés. Como siempre éste es perfecto, adaptándose a personalidad de los personajes, siendo doblados por los actores de voz Kenji Mizuhashi en el papel de Takaki, Yoshimi Kondo y Akaya Onoue como Akari en la primera y tercera parte de la película respectivamente y Satomi Hanamura en el papel de Kanae, es sencillamente sublime, logrando darle a los personajes un carácter realista sobrecogedor.




Opinión personal

Cuando hablamos de películas de animación japonesa solemos pensar en los estudios Ghibli, referente en este mundo por películas como Mi vecino Totoro o El viaje de Chihiro. El resto de las producciones cinematográficas animadas llevadas por otros estudios suelen pasar desapercibidas para el público general, salvo raras excepciones como Akira. Lamentablemente 5 centímetros por segundo pertenece a las olvidadas.

Sin embargo, esta producción logra superar en determinados aspectos a películas con mayor reconocimiento. Un dibujo que no debe envidiar nada a nadie y sobre todo una OST que no sólo cumple su cometido, sino que lo ensalza y nos transporta a la atmósfera que crea la película de melancolía; hace que estemos hablando de una de las mejores películas de animación del momento.

La película esta rodada de una forma original, por capítulos. La película consta de tres de estos capítulos, que vienen a transmitir la personalidad del protagonista a lo largo de su vida: niñez, juventud y madurez. Este hecho da originalidad a la forma de presentación de la historia, pero al mismo tiempo provoca que la historia sea un tanto inconexa en el tempo.

La trama, dramática, a su vez es totalmente realista. No se introducen aspectos fantasiosos como en muchas otras películas animadas, aquí se muestra la realidad, personajes normales sin ningún tipo de aspecto que sobresalga por encima de nadie. Se busca la conexión con el espectador mediante sucesos que al propio espectador le acontecieron o le podrán acontecer, sucesos que ocurren de forma asidua en cualquier parte del globo.

Asimismo, el contenido filosófico es patente. La propia trama nos hace reflexionar sobre el valor de los recuerdos, la dramática situación que produce quedarse anclado en el pasado, no poder retroceder y, lo que es peor, no poder avanzar. Se intenta hacer llegar al espectador la idea de que los recuerdos son algo fundamental, pero que la vida sigue y el tiempo pasa inexorablemente por nosotros. No se puede vivir de los recuerdos, y el que lo haga se consumirá en su propia infelicidad. Así pues, no solo nos muestra una historia, sino que nos transmite un mensaje para incitar a la propia reflexión.





En resumen: drama que trata pequeñas situaciones relacionadas entre sí desde una perspectiva totalmente realista.

Lo mejor: OST, la iluminación, trama realista.

Lo peor: que odies los dramas, un tanto inconexa.

Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone

En esta primera entrada de un servidor en el blog, tengo el placer de presentar la película introductoria de la nueva tetralogía que reescribe la historia de Neon Genesis Evangelion, Rebuild of Evangelion, cuya primera parte ha sido bautizada bajo el nombre de "Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone", cambiando el "1.0" en las posteriores versiones de ésta por "1.01" y "1.11".




Título original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序 (Evangerion Shin Gekijōban: Jo)

Año del estreno en Japón: 2007
Editada en España por Selecta Visión.
Producción: Gainax, Studio Khara.
Director: Hideaki Anno.
Guión: Hideaki Anno.
Género: realismo épico, drama, acción, mecha, ciencia-ficción.
Categoría: seinen.
Duración: 98 minutos.


God's in his heaven. All's right with the world.


Rebuild of Evangelion, la saga ideada para narrarnos la historia de Evangelion de una manera diferente, está conformada por 4 partes a modo de película que son: Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, que funciona como prólogo de todas éstas, con ligeros cambios respecto a la serie original; Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance y Evangelion: 3.0 Quickening, referenciadas como "Destrucción" y "Emergencia" respectivamente, que forman el grueso de la tetralogía mezclando escenas originales de la serie con otras nuevas, así como personajes, EVAs y fundamentos de la trama que no habían aparecido hasta ahora o que varían en función respecto a la de la historia originaria; y Evangelion: 4.0 ó FINAL, con el título provisional de "El corazón de L.C.L.", que está llamada a cambiar completamente el final de la historia presente en el anime.

El guión, así como la dirección general del proyecto, está en manos de Hideaki Anno - Gunbuster, FLCL, Fushigi no Umi no Nadia -, al igual que ocurrió en la serie de anime original, Neon Genesis Evangelion, lo que da un halo de esperanza para confiar en que esta reconstrucción de la historia mantenga el espíritu de la trama original, en vez de dejar claro que se haga uso de un título del que aún se le puede exprimir mucho jugo en cuestiones de marketing, creando una mera excusa para sacarle partido.


Tráiler de Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone.

La trama de esta primera película se basa en los sucesos acontecidos durante los 6 primeros capítulos de la serie, obviando partes no relevantes para el desarrollo de la trama -especialmente de diálogo e introducción a los personajes- y ofreciendo un mayor énfasis en las escenas de acción. En estas escenas se nota el primer cambio de importancia dentro de lo que es el argumento, siendo los antiguos tercer, cuarto y quinto ángel (Sachiel, Shamshel y Ramiel respectivamente), cuarto, quinto y sexto en este caso, lo que deja en el aire el paradero del nuevo tercer ángel. También hay incógnitas y diferencias de trama sobre el segundo ángel, Lilith, en varios aspectos. El primero es el conocimiento de Misato sobre éste ya desde el principio, cosa que en el anime no ocurría hasta bien entrada la trama, quien a su vez se lo muestra también a Shinji. Pero el más importante posiblemente sea el hecho de la supuesta Lilith, que está en la instalaciones de NERV (Misato llama al ángel por ese nombre), lleva una máscara que le cubre la cara distinta a la de la serie, pasando la máscara del anime (la de los siete ojos de Dios) a ser utilizada por un ángel desconocido que se encuentra en la Luna, lo que hace pensar que los papeles de Adán y Lilith se intercambiarán en la película. También en la Luna, junto a tal ángel, despierta Kaworu Nagisa, otro personaje importante que aparece antes de tiempo respecto a la serie. Otros cambios menos importantes podrían ser conversaciones que dejan clara parte de los planes de Gendō Ikari respecto a su hijo y Ayanami Rei, hecho que no aparece en la serie.


Shinji en la cabina del EVA-01 a la izquierda y Ayanami con el EVA-00 de fondo a su diestra.

Let me see how spring is like...


Junto a los cambios en la trama, la diferencia más notable y que antes salta a la vista es la referente al apartado visual, sobre todo si lo comparamos con el del anime de los 90, dejando patente el magistral trabajo que se ha hecho para remasterizar el dibujo y la animación ya conocidos, gracias en buena parte a las nuevas tecnologías de diseño por ordenador, así como a un presupuesto mucho mayor que la historia original, el cual era una de sus principales carencias.


Enésima versión de "Fly me to the Moon", interpretada por Utada Hikaru esta vez.


Esta mejora en el dibujo es visible en todos los aspectos: desde los personajes, que mantienen su estilo original, pero con la subida de calidad en cuanto a detalle y colorido correspondiente; hasta los escenarios, que han sido completamente rediseñados, tanto en interiores - NERV, casas de Ayanami y Misato, etc. -, como exteriores, que es donde mayor utilización de las tecnologías informáticas se ha invertido para dar una mejor experiencia de tridimensionalidad y presencia, especialmente en Tokyo-3; pasando por supuesto por los EVAs y los ángeles, que al igual que los personajes, han gozado de una remodelación que ha mejorado notablemente su calidad de imagen. Este hecho se da especialmente en el segundo caso, donde además de mejorar en detalle, los ángeles han padecido ciertas reestructuraciones en su forma en mayor o menos medida, notándose con abrumadora diferencia en el ángel Ramiel, que ha pasado de ser un ente abstracto de forma estática piramidal, a un ser poliforme con numerosos cambios en su estructura según la situación. También es notable el uso informático en este sexto ángel en cuanto a dibujo se refiere, dotándole de una impresionante apariencia cristalina que juega perfectamente con la luz y los reflejos que inciden sobre él. Hay que decir que el nuevo aspecto de Ramiel es el que había ideado Hideakki Anno inicialmente, pero el bajo presupuesto con el que contó la serie le obligó a dejarlo tal como quedó.


Arriba izquierda: Sachiel; arriba derecha: Shamshel atravesando al EVA-01; debajo: Ramiel.

Como si el ángel del trueno hubiese sido utilizado como conejillo de indias para probar la capacidad tecnológica con la que disponen los creadores, una extraordinaria animación nos asombrará en cada uno de sus ataques y cambios de forma. Pero no todo el presupuesto se ha quedado con él, claro está, tanto personajes como EVAs cuentan con movimientos perfectamente cuidados y fluidos, llevando un gran realismo a cada paso que dan. Aunque donde se han vuelto a lucir es en la cinética de los escenarios, con el soterramiento de los edificios ante los ataques enemigos. Efectos de luces según la posición de estos, así como una sensación de realidad increíblemente logradas están muy presentes, donde hasta el bote de los coches al producirse estos temblores están recreados al milímetro. En el video que hay a continuación podéis ver el primer trozo de uno de los making-of extraídos de los extras de la película, para que os hagáis una idea del trabajo invertido en la animación.


Primer extracto de uno de los making-of. Puedes acceder al resto fácilmente desde Youtube.

La película ha sido producida por el Studio Khara - fundado por Hideaki Anno, y que aparte de en Rebuild of Evangelion, ha trabajado en Ponyo en el acantilado y en Gurren Lagann - en conjunción con Gainax, utilizando buena parte del staff que trabajó en su día con la serie, incluyendo la práctica totalidad de los altos cargos. Por nombrar a algunos, tenemos a Shunji Suzuki - Gunbuster, Code Geass R2, Gate Keepers 21 - como director jefe de animación, a Hiroshi Kato - Blood: The Last Vampire, Ghost in the Shell, Pet Shop of Horrors - y a Tatsuya Kushida - Golden Boy, Patlabor: The Movie, Toki wo Kakeru Shoujo - como directores artísticos general y de fondos respectivamente y a Yoshiyuki Sadamoto - FLCL, .Hack, Angel's Egg - como diseñador de personajes; un equipo que trabaja a menudo en conjunto con el director Hideaki Anno.


De izda. a dcha. y de arriba a abajo:
Ayanami, Shinji, Ritsuko, Misato, Fuyutsuki, Gendō y Kaworu.


Fill my heart with song...


Para la producción musical han vuelto a hacer una sabia elección seleccionando a la misma persona que ocupó el puesto en la serie de anime original, el maestro Shirō Sagisu, encargado también de éste apartado en The Skull Man, Kareshi Kanojo no Jijō (Kare Kano), Distrito comercial mágico Abenobashi, Macross 7 y Bleach, entre otros muchos ejemplos.

La banda sonora presente en el filme es de ésas que la palabra que mejor las define es "épica", y no sólo por su magistral calidad e interpretación, sino porque cada nota que sale por tus auriculares o altavoces te manda al cerebro imágenes de grandes batallas en las que el eminente héroe sale victorioso. Gran parte de esta BSO está formada por nuevas versiones de las canciones que aparecieron en la versión televisiva de la historia, que son las que más encajan con la afirmación anterior gracias a sus graves melodías de índole clásica interpretadas en este caso por la London Studio Orchestra y grabadas en la famosa Abbey Road Studio. A las nuevas versiones de la antigua banda sonora, se suman nuevas composiciones como "Angel of Doom" - aparece en el tráiler que hay en el primer video de la review -, que es utilizada durante la batalla contra Ramiel. De otro estilo es el tema principal elegido para la película, "Beautiful World" - video lateral -, interpretado por la reconocida cantante nipona de talla mundial Utada Hikaru, la cual también hizo un remix de "Fly me to the Moon" (titulado "Fly Me To The Moon (In Other Words) -2007 Mix-"), el ending del anime, para los videos promocionales de la película. Esta famosa vocalista es también identificable en el mundo otaku por prestar su voz en bandas sonoras como las de los videojuegos Kingdom Hearts I y II, así como en la del dorama Hana yori dango.


Beautiful World, de Utada Hikaru. Tema que aparece en los créditos de la película.

La versión japonesa de doblaje ha mantenido a todos sus seiyuus dentro del elenco, pues cuando algo funciona bien, ¿para qué cambiarlo? Una magnífica caracterización de cada personaje es lo que nos traen estos experimentados actores de doblaje nipones, ardua tarea sabiendo el vasto mundo interior que poseen los protagonistas del título.

Destacar el trabajo de los actores de los tres personajes principales de esta primera película. La primera es Megumi Ogata, en el papel de Shinji Ikari, al cual sigue interpretando perfectamente después de tanto tiempo, con su carácter tan pesimista y emocional. Otros trabajos de esta seiyuu son el de Nuriko en Fushigi Yuugi, Kurama en Yu Yu Hakusho y Mutou Yuugi en Yu-Gi-Oh!. Encarnando a la misteriosa Ayanami Rei con su tranquila y solitaria voz tenemos a Hayashibara Megumi, quien en su día tomase papeles tales como Faye Valentine en Cowboy Bebop, Saotome Ranma en Ranma ½ o Lina Inverse en Slayers. Ya hablando de la comandante Misato Katsuragi, tenemos a la seiyuu Mitsuishi Kotono poniéndole voz a sus labios. Otros trabajos de esta actriz son el de Excel en Excel Saga, el de Kanzaki Urumi en Great Teacher Onizuka y el de Mireille Bouquet en Noir.


Shinji en su escapada y Ayanami con una sonrisa en su cara, suceso extraordinario donde los haya.

Para que no se diga, comentar también el buen trabajo de los actores de doblaje españoles, que aunque normalmente suene raro el oír a los personajes en otro idioma tras haber escuchado las voces originales, éstas están muy logradas en general.

En el papel de Shinji Ikari tenemos a Albert Trifol Segarra, quien caracterizase a Hiromi Shinbo de Chobits, a Seita en La tumba de las luciérnagas o a André Grandier en La Rosa de Versalles, así como cientos de papeles en películas no animadas. Poniéndole voz a Ayanami Rei está Joël Mulachs, quien hiciese de Anthy Himemiya en Utena, de Nina Fortner en Monster y de Kiyoko en Tokyo Godfathers, entre su también amplísima experiencia en películas y series de carne y hueso. Y para igualar a los actores nipones hablemos de Carmen Calvell, que interpreta a Misato Katsuragi. Entre los tres actores nombrados es la única que no participó en el doblaje de la serie original. Otros papeles de esta actriz en el mundo del anime son el de Mercedes en Gankutsuo (El conde de Montecristo), Mayuko Chigasaki en NieA Under 7 y de Shinobu Maehara en Love Hina.



¿Todos para uno, o uno para todos?


Que el dinero y la publicidad se apoderan de todo es bien sabido de toda la vida, pero que la actual tendencia llene incluso los animes de publicidad subliminal (y no tan subliminal) está llegando a ser alarmante, no sólo por el hecho de aparecer, que si nos ponemos superoptimistas puede incluso parecernos de algún modo que dota al anime de realismo, sino por el hecho de que cada vez más las productoras tiren más a animar lo que más beneficios seguros les dé (véase el boom de series moé que han hecho explotar la burbuja del mercado de animación nipón hace poco), dejando tramas de gran valor argumental de lado.

Evangelion, uno de los títulos que más vende mundialmente en cuestión de merchandising no podía quedarse atrás, y es bien visible este factor en la película de la que hablamos, viéndose tiendas con nombres de multinacionales, cervezas o comida de marcas reales, etc. Este fenómeno también se produce a la inversa, siendo que estas marcas incluyen publicidad de la película en sus envases. Del mismo modo, numerosas empresas (como Pizza Hut o la versión japonesa de Rolling Stone) ofrecían productos relacionados con Evangelion, incluso hubo maid cafés en Akihabara que se adaptaron al título ofreciendo "bebidas LCL" o "cocktails Asuka", por ejemplo.


Varios de los ejemplos más visibles de esta publicidad se pueden ver en el apartamento de Misato.
Y a la inversa, los mismos productos incluyen publicidad de la película en sus envases:



Otra forma de alargar la vida de las ventas y los beneficios de anime y películas en general es sacando diversas versiones de las mismas, sean versiones remasterizadas, con extras, etc. Esta primera película del Rebuild cuenta también con ello, en donde hasta la fecha existen tres versiones: Evangelion: 1.0, que es la película original tal y como salió en el cine; Evangelion: 1.01, en la que se hicieron pequeños arreglos en imagen y sonido, contando además con versiones de coleccionista en la que trae consigo extras tales como tráilers de la primera y segunda películas, videos musicales y "La explicación de Evangelion", que es la película con textos explicativos que dan indicaciones de todo lo que va sucediendo, desde el nombre de los protagonistas o los ángeles, hasta cosas más triviales como el nombre de las armas o del coche de Misato (un Renault, por cierto); y Evangelion: 1.11, que junto a nuevos arreglos de imagen respecto a la versión anterior, trae consigo 3 nuevos minutos de animación al inicio de la película. Esta última versión también es la única que cuenta con versión Blu-ray, además de la DVD.

¿Y qué es lo vendrá a partir de ahora? Pues de momento tenemos al caer la segunda película en España, a finales de este año 2010 a priori, mientras que la tercera se espera que llegue a los cines nipones este mismo verano. De la cuarta aún no hay nada definido. Así que todo será armarse de paciencia y esperar a poder ver como transcurre esta nueva versión de una de las mejores historias del mundo del anime. Mejor, peor... todo está por ver, aunque seguro que dependerá de los gustos de cada uno. Las expectativas tanto del equipo de producción, así como de buena parte de los amantes de Evangelion, son altas.


Uno de los numerosos tráilers de Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance.


In other words...


Aún es pronto para poder saber si Rebuild of Evangelion es una digna versión de Neon Genesis Evangelion o no, pues, a sabiendas de lo alto que está el listón, nadie espera que la supere en cuanto a trama se refiere, pero que pueda quedarse en la cima junto a la serie es a lo que aspira, y la base en la que se sustenta, esta primera película, no parece tambalearse, así que todo queda en manos de sus próximas tres sucesoras. Un nuevo final, cambios en la historia para evitar ser repetitiva y un asombroso apartado gráfico son sus mejores bazas.

Lo mejor: magnífica remasterización gráfica, tanto en dibujo como en animación. La banda sonora sigue siendo perfecta. Se han obviado escenas redundantes para quienes han visto la serie.

Lo peor: aún con los cambios, Evangelion: 1.0 no trae mucho nuevo respecto al anime, lo que la hace previsible para quienes conocen la historia. En contrapartida, quienes no la conozcan no entenderán el por qué de muchas cosas que ocurren.