En el transcurso de la historia, Takaya debe enfrentarse a varios enemigos, siendo los más poderosos sus hermanos. Uno es Shinya (Tekkaman Evil), gemelo que siempre compitió para diferenciarse de él. Ambos sienten su presencia cercana y evolucionan sus poderes al mismo tiempo. El otro es el hermano mayor de todos Keigo, quien traiciona a la humanidad y se une a los Radam. Es el único que mantiene una evolución constante, llegando a medir tan alto como un rascacielos. Con la pérdida de su memoria, se convierte en el más fuerte y el enemigo final. Su nombre de guerra es "Tekkaman Omega". Diez años en el futuro de la serie, Takaya ha desaparecido y los Radam atacan con fuerzas renovadas, utilizando ahora a Tekkaman Aliens, con habilidades muy superiores. El nuevo planeta Tierra posee un renovado grupo de Space Knights y Aki es la directora encargada de seleccionar a los nuevos pilotos Tekkaman, entre ellos a Yumi Francois. Lo remarcable también es el cambio de Takaya, de "atacante frontal" pasa a ser un "estratega". Esto se origina por la muerte de Miyuki, viendo como un Takaya entristecido decide cuidar más su cuerpo para poder así vencer a sus hermanos malvados.
Review del clásico de 1975 y su readaptación del 92, con sus respectivos Ovas. Quienes la hayan visto lo recordarán especialmente por el límite de tiempo que poseía el protagonista. Un clásico de los mechas....pero no pidan algo muy elaborado en cuanto al guión.
Nombre original: Uchū no Kishi Tekkaman
Año: 1975 (clásica) 1992 (Tekkaman Blade) Género: Mechas, ciencia ficción
Categoría: shônen
Nº episodios: 26 (1975); 49 (T.Blade)
El comienzo de todo
Tekkaman Space Knights: cancelada a los 26 episodios, por eso la incongruencia de los últimos episodios. Se pasó solo en EEUU.
Por las constantes guerras y contaminación, al planeta le queda seis meses de vida. El Dr Minari, afamado investigador espacial, empieza a buscar un nuevo mundo donde asentar a la humanidad. Pero su tarea termina inconclusa por la invasión de una raza extraterreste denominada Waldaster, que mata a toda la expedición.
Joji, el hijo de Minari, busca al mejor amigo de éste, Yumi, quien le propone buscar venganza con el último proyecto: Pegas, un robot que protege a su piloto con una armadura de metal especial y maximizando las cualidades físicas del portador. Pero tendrá que arriesgarse, ya que aún no estaba probado, Joji acepta aún con el terrible dolor que conlleva la transformación.
Con los capítulos se suman más Space Knights al grupo de Joji, quedando la batalla final (por expreso pedido) sólo para él y el líder de los Waldaster en la "nave madre". Los Space Knights se teletransportan hacia un nuevo planeta, que reúne las características apropiadas para la humanidad.
Lo flojo del último episodio es la incógnita de la suerte del protagonista, donde se piensa que se "sacrificó" por todos, aunque el enigma queda resuelto años después, cuando en "Tekkaman Blade" se lo visualiza en uno de los últimos episodios, salvando a unos chicos sin poseer ya la armadura y viviendo una vida normal.
La serie más conocida: Tekkaman Blade
Una actualización más coherente con nuevas animaciones. No es una continuación, sino una "reinterpretación". Muchos personajes son completamente diferentes.
Siglo XXI, los conflictos nucleares crean una contaminación radioactiva que destruye todo a su paso. Todos los recursos naturales terminan muertos, quedándole tres años al planeta ya que luego será un desierto sin fin. En contrarreloj, se crea un programa de desarrollo espacial, uniendo a los mejores científicos, que intentan curar a la Tierra, aunque la polución es tan grave que es imposible, siendo la única opción buscar otros planetas.
Se repite la misma suerte para el padre de Takaya: un ataque enemigo hacia las naves exploradoras terminan con su vida, su madre muere al liberarlos a él y a su hermana Miyuki. Todos ellos habían sido usados como experimentos con los cristales Tekk.
Esta vez a los extraterrestres los llamaron Radam (con el jefe Rambos), aunque en el original seguían con el nombre de Waldaster. Shukura revela el secreto de Pegas con el riesgo de que puede matar al portador; Takaya, aún furioso, no duda y utiliza al robot junto al cristal Tekk que posee. Transformándose en una armadura espinosa y de acero, es capaz de respirar en el cosmos y su fuerza se ve potenciada según las emociones, además de combatir con una lanza.
Aunque no podía ser todo perfecto: la transformación sigue siendo dolorosa y sólo dura 35 minutos, luego el cuerpo corre la "suerte" de explotar en el interior del Tekkaman, por eso cada pelea estaba regulada (y por supuesto, cada vez acercándose más al límite)
Diferencia entre la serie clásica y su continuación, click para agrandar
Los aliados de Takaya: Su hermana Miyuki, espejo del protagonista siempre inclinada hacia la inocencia. La gentileza se le acaba al ver acorralado a Takaya y quedándole poco de vida (por ser una Tekkaman incompleta) decide sobrecargar el cristal para reunir tiempo, explotando su cuerpo.
El grupo Space Knights, fuerza capacitada al mando de la nave "Blue Earth" siendo sus tripulantes más importantes Aki Kisaragi, el interés romántico de Takaya; Noal, uno de los mejores artilleros y pilotos, finalizando con Levin, el mecánico personal de Pegas, quien se siente atraído hacia Takaya y proclama su amor homosexual a los cuatro vientos. En la versión yanquee (cuando no) le cambian el sexo a femenino y su nombre por Maggie.
Missing Link:
Lo ocurrido entre TB y TB II es un Ova de apenas nueve minutos de duración.
Cuando Tekkaman Blade supera sus propios límites, Takaya entra en estado de locura destruyendo todo a su alrededor. Aki se ve forzada a usar sobre ella misma el Tekplant, dándole la fuerza necesaria para calmarlo. Su tipo de Tekkaman obtenido es Red Devil. Por la pérdida de control y lo daños causados, Takaya se siente culpable, por eso se retirará hasta lograr controlar su poder.
Tekkaman Blade II (6 Ovas) En EEUU se la conoció como Teknoman
Siendo salvada por Tekkaman Blade en el pasado, se maravilló con esta tecnología y por error termina manejando al Tekkaman Evel, con un reactor Voltekker muy poderoso. Dos amigos más formarán el trío principal de Tekkamans de la serie (Tekkaman Sommer y Tekkaman Vesner) y junto al reaparecido Takaya y Aki, quien ahora puede transformarse en Red Devil, harán frente a la nueva amenaza.
Dibujo y animacion:
Especial énfasis en los diseños de dibujo de los diferentes mechas, siendo lo más cuidado. Los Tekkamans tienen alguna semejanza a prototipos de Gundam, sobre todo en T.B.II. Esto se debe al creador Yoshinori Sayama, conocido especialmente por los diseños de Patlabor y Cowboy Bebop.
Cada serie supera en animación a la anterior, más que nada en efectos rápidos.
Se entiende la superioridad en cuanto a fluidez y colores claros en los Ovas, debido a la diferencia de años entre la serie, pero más que nada por la corta duración, de tan solo 6 episodios. No se compara con 49 capítulos y menor presupuesto. La animación es mas real y dejan de lado los peinados elaborados de peluquería y por supuesto, los afros, tan comunes a mediados de los 70. Ropas normales renuevan a los trajes "power rangers" de la serie predecedora.
Opinión personal:
La serie "antigua" apenas se consigue, aunque en internet hay algunos videos sueltos.
La crítica de Tekkaman Blade es para la versión yanquee, lamentablemente el papel le fue otorgado al grupo Saban, quien tiene por costumbre idiotizar cualquier anime que caiga en sus manos. Los dialógos fueron cambiados y los nombres "occidentalizados". Tal fue la confusión que en EEUU muchos estaban sorprendidos por lo bizarro de algunas situaciones.
El ejemplo más común era ver a personajes llorando por las terribles muertes que ocurrían, y en la versión doblada los personajes estaban ¡¡riendo!! (¿¿??). Otro fue cambiar el sexo de Levin por su condición de gay, sus dialógos fueron masacrados y agregaron una voz femenina chillona, para crear un/a protagonista "payaso".
Este personaje tendría su revancha con la serie "Tengen Toppa Gurren Lagann", Leeron está inspirado claramente en él, incluso algunos de los diálogos fueron directamente copiados.
La presentación y el ending originales están cambiados por partes pegadas de la serie, al igual que la música de fondo de Kaoru Wana, sustituida por una local.
Después de ver lo ocurrido, cuando se visualiza la versión original (o sea,la japonesa) se entiende todo de maravillas, eso sin mencionar las voces que cumplen su meta.
La crítica hacia la política en general siempre está presente, más que nada por la lentitud de decisiones. Las relaciones y lazos de amistad son realistas, quedando en exposición alianzas, romances, camaraderías, traiciones, etc. Como en toda guerra, no existe mucho el dilema moral, ya sea del bando humano o extraterrestre el objetivo tiene que cumplirse, aún sin importar cuantas vidas o destrozos ocurran.
Para las nuevas generaciones es recomendable los Ovas, pues el estilo antiguo (peinados, personajes, actitud) puede resultar demasiado infantil. Es para ver una vez y pasar un buen rato.
Doblaje:
Algo común entre el staff japonés es que hacen pruebas constantes para los protagonistas, adecuando la voz según el físico, temperamento y comportamiento de cada uno: un hombre robusto no podría tener un tono muy agudo, queda mal. Actualmente se utiliza este sistema para el doblaje al castellano.
Mencionado el anterior mal doblaje estadounidense, sólo queda la versión mexicana que incrementa la calidad de gran manera, aunque los diálogos no fueron cambiados de la parte "rehecha" de Saban y muchas tomas son inentendibles, pero al menos no se ríen cuando explota tu mejor amigo.
Dobladores japoneses: Takaya es interpretado por Toshiyuki Morikawa: Devil May Cry (Dante), Black Lagoon (Mr. Chang), entre otros.
Aki posee la voz de Megumi Hayashibara, conocida por trabajos como Cowboy Bebop (Faye Valentine), Neon Genesis Evangelion (Rei Ayanami, Yui Ikari), Saber Marionette (Lime). Para finalizar, Omega tiene la voz de Nobuo Tobita, que aparece en infinidad de series pero en personajes secundarios. Su protagonismo se da en la voz de Mayor en los Ovas de Hellsing y en el papel del caballero dorado Aries, Shion en Saint Seiya.
Existe tambien un CD Drama (historias grabadas en audio) llamado "Uchû no Kishi Tekkaman Blade II Next Generation 10" que cuentan sucesos posteriores. Estos poseen las voces de los dobladores originales, para que así no se pierda la magia. Si no es suficiente hay una novela gráfica de 250 páginas que se tradujo al inglés.
En resumen: Se puede obviar la serie del 75, que fue otra más de las muchas que salieron en la época. Blade posee grandes mejoras pero guión común, asi que recomiendo los Ovas, mejor calidad de animación y peleas.
Lo mejor: Voces reconocibles japonesas, las luchas y el límite de tiempo. Las evoluciones constantes de los Tekkaman.
Lo peor: La versión "masacrada" por Saban, que hace que no se entiendan muchas cosas
Con todo esto, se llega a la versión más conocida: Fuerza G, o Comando G en España (Año 1986) Galactor era el líder de los extraterrestres invasores, aunque él era un humano modificado. Lo enfrentaban el grupo de estudiantes del profesor Kozaburo Nambu (Mente Brillante, como lo tradujeron) quienes utilizaban trajes diseñados para técnicas de vuelo (águila, halcón, búho, etc.). Además de saber luchar, cada uno poseía un arma propia, ya fuera un boomerang o una pistola. También les era proporcionado vehículos de combate, siendo el mejor (y el más utilizado) la nave Fénix. Cuando la Fuerza G llega al laboratorio de Galactor, éste se dispone a chantajear al mundo con sus bombas nucleares, al crear cataclismos naturales, pero Computor, el malvado supremo jefe detrás de las sombras, tiene otros planes...
La continuación fue Gatchaman II. Aunque las mismas tuvieron éxito, empezaban a otorgarle poderes a los protagonistas (el hypershoot, que desgastaba al poseedor del mismo) haciéndolos ya menos creíbles. Los malos no poseían el "espíritu" de los anteriores, por lo que se decidió sacar algunos capítulos y adelantar su finalización. En Fuerza G no se sabían las razones para la conquista de la Tierra, hasta los últimos episodios, Todo lo contrario en "la batalla..." donde desde el principio el Imperio Spectra requería los recursos naturales del planeta.
Diseño: Son los mismos episodios de la serie original (1972), pero retocaron los gráficos, los personajes poseen más colores y fluidez. También, al estilo Mazinger, los edificios no duraban cinco minutos por el malhechor del capítulo, y las explosiones eran demasiado frecuentes (estas secuencias se repetían y para el fan acérrimo, no le costaba saber de donde comenzaría el fuego y su detonación). Cada tanto en youtube aparece un documental sobre como se diseñaron los personajes, aunque donde pusieron todo fue en los vehículos. Ni los robots androides de Galactor tuvieron tanto tiempo en producción en comparación con estos. Con nombrar a Hisayuki Toriumi en dirección, uno se hace la idea de los mechas de Tekkaman Blade.
Las cinco estrellas del águila: película que resume lo ocurrido entre las series Gatchmanan II y Fighters.
Nombre original: (Dokutā Suranpu - Dr. スランプ)
Autor: Akira Toriyama
Categoría: Shonen
Género: Comedia, fantasía
Publicación del manga: 1980-1985
Nº de tomos: 18 tankoubons
Anime 1ª temp.: Dr. Slump & Arale chan
Dirección Minoru Okazaki - Shigeyasu Yamauchi
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1981-1986
Episodios: 243
Anime 2ª temporada
Dirección Minoru Okazaki
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1997-1999
Episodios: 74
Sumérjase en Villa Pingüino, lugar donde viven el profesor Senbei Norimaki y su reciente creación: Arale, un robot con forma de una chica de primaria que cambiará la forma de vivir de todo el pueblo. ¿Sentido común? ¿lógica? nada de eso, sólo aventuras y muchas risas...
Estilo de dibujo: Debido a la comedia constante, los personajes no poseen un formato corriente, alternando entre el dibujo normal y superdeformed entre las páginas. Todavía conserva las formas redondeadas en la mayor parte de la gente del poblado, más adelante, las obras poseerían trazos "rectos" y adultos. Mejoramiento gradual con los fondos, con detalles entintados y mayor uso de tramas grises, notándose a la mitad de los tomos el estilo definitivo que usan hasta el cierre del título. Mención especial a los cuerpos de la mayoría: una desproporción (algunas veces exagerada) entre la cabeza y el torso para acentuar el estilo cómico.
Del papel a la pantalla: Un año después del inicio del manga se daría el traspaso hacia la tv, con un muy buen pasaje en cuanto a diseños de dibujo, ya que la ventas de los tankoubon ameritaban el éxito. Si bien hay capítulos de relleno, la correcta distribución de los episodios logró que se crearan más de 240 capítulos, además de las películas. Luego de cinco años, Akira deseaba ilustrar las aventuras de un "niño mono", con lo que finalizaría las correrías de Arale tras 5 años ininterrumpidos.
Doblaje: Kenji Utsumi pone sus cuerdas vocales al profesor Senbei Norimaki, este seiyu ha trabajado en más de 100 títulos de anime, siendo reconocido principalmente por Shen Long (Dragon Ball Z) y Alex Louis Armstrong (Full Metal Alchemist). Arale está interpretada por Mami Koyama, Balalaika en Black Lagoon, Miki en City Hunter, por nombrar algunos trabajos. Tessho Genda sería la voz de Suppaman, un seiyu secundario muy valorado en el ambiente, voz de Rei en Urutsei Yatsura, Optimus Primus en varias temporadas de Transformers y Aldebaran en Saint Seiya. Increíblemente hay una gran variedad de traducciones, debido más que nada a la autonomía de los canales españoles, encontrándonos diferentes voces según el canal valenciano, catalán, vasco, gallego. También la hubo en español neutro, para latinoamérica utilizarían seiyüs mexicanos.
En los 243 episodios sólo descubriremos dos openings "Waiwai World" (Ado Mizumori y Koorogi 73) y "Waiwai Koushinkyoku" de Mami Koyama, además de 3 endings de los mismos autores y el último producido por Mitsuko Horie.Ado Mizumori, mejor conocida en Oriente como "Ado Chan", además de cantante es una famosa ilustradora de los años 70. Koorogi 73 fue un grupo de j-pop conocido principalmente por sus aportes a las versiones de "Kamen Ryder". Con 12 años, Mitsuko Horie tendría su primera canción hacia el mundo del anime con "Judo Boy", seguiría con títulos shôjos como "Ashita e Atakku" y "Candy Candy", pero popularmente quedaría como seiyü de Sailor Galaxia (Sailor Moon) e Hilda Polaris (Saint Seiya, saga Asgard).
El regreso de Arale: Tras el final de Dragon Ball GT, ya no había nada nuevo de Toriyama que ofrecer, y estando la franja de horario muy peleada se decidió reciclar otro trabajo del autor; así, con nueva animación y mucha publicidad, se estrenaba la que sería una renovada temporada de "Dr Slump". Por desgracia, la contra eran los nuevos desafíos de Arale, un refrito de la serie homónima de principios de los 80. Aunque los dibujos eran más brillantes y limpios, no cubrió las expectativas que se esperaban para una franja horaria, siendo retirado con 74 episodios.
Doblaje: Esta vez el rol de Senbei recae en Yuusaku Yara, quien también trabajó en Saint Seiya como Thor en la saga de Odín, Borgoff (Vampire Hunter D). La robótica creación, Arale, es demandada por Taeko Kawata (Suzu Fujibayashi en Tales of Phantasia, Yuki en Rurouni Kenshin).
Opinión personal: Hablar de Toriyama es decir "Goku, Vegeta, Gohan y las esferas del dragón", pero ¡sorpresa! muchísimos dibujantes tienen su fama luego de mezclar y reciclar a personajes anteriores. Si alguna vez se preguntaron de donde provenía el luchador "Mr Satán", ya pueden adivinar la respuesta: sus facciones y mucho de su carácter explosivo deviene del profesor Sembei Norimaki, el maestro mecánico por excelencia.
Aunque Toriyama pensaba darle el protagonismo a él mientras narraba sus desventuras, terminó siendo Arale la estrella indiscutida. Puu, Roshi y Krilin son "residuos" de Dr Slump, algunos casi calcados.
¿El porqué del éxito? los capítulos del papel eran autoconcluyentes, no había una trama profunda, se contaban solamente las peripecias que sufría el genio debido a su robótica creación femenina, y el humor constante. La ingenuidad de Arale era otro factor decisivo, ya que ésta no medía su increíble fuerza, muy torpe y proclive a no mostrarse como una niña de (supuestamente) 12 años. Todo esto con un condimento extra: Norimaki no quería que se supiera la condición androide de Arale, tarea difícil cuando no para de sacarse la cabeza de lugar y pedir aceite como desayuno.
Con la comedia como sello indiscutido (hasta la aparición de la "etapa Z") sus títulos mostraban trazos de dibujo nuevo para aquellos años. Si bien Dr Slump fue un boom en todos los sentidos, el pasaje hacia la televisión de Dragon Ball se convertiría en su legado, siendo señalado como uno de los shônen más influenciables en la historia del anime. Cuando Goku creció, las peleas fueron incrementándose y el humor se correría a un segundo plano; con el fin de la saga de Boo, Toriyama intentó volver a los gags payasescos de sus inicios con Go Go Ackman, Kajika, Cowa!, aunque debió plasmarlo solamente en el papel, ya que su nombre quedaría vinculado para siempre con el guerrero saiyajin. Finalmente se dedicaría a diseñar personajes para muchas plataformas de videojuegos (el más reconocido es Chrono Trigger). Su último trabajo hasta la actualidad fue el diseño de los protagonistas para Blue Dragon, y la supervisación de la remake de DB Kai.
Las parodias se sucedían con normalidad, en Villa Pingüino no existe la lógica y el sentido común, esto fue otro acierto para no limitarse con las exageraciones que tienen los diferentes hombres y mujeres dentro de la obra.
Referencias a clásicos y a todo lo que acontecía en aquellos años, seguro se encontraba en algún capítulo del manga: Astroboy, Macross, Superman, los autos locos, King Kong, diferentes clases de mafiosos, Star Wars, Clint Eastwood, Frankestein...todo en 18 tankoubon. (separados en 40 en la edición española).
El autor no pretende dar un mensaje ya sea filosófico, político o similar, le basta con sacar unas risas a los espectadores, el guión sólo se basa en chistes corrientes en donde se parodia hasta a sí mismo, incluyéndose como un personaje más. El anime es recomendable para los chicos por lo absurdo, aunque no llega a kodomo, está destinado principalmente a esa franja.
En resumen: Un título para ver los comienzos humorísticos del creador de Dragon Ball Z.
Lo mejor: Gags efectivos, los malhechores que se cruzan con Arale.
Lo peor: Cierta repetimiento con el correr de los tomos.
Nombre original: Kacho-Oji (The Legend of Black Heaven)
Director: Yasuhito Kikuchi
Estudio: AIC
Categoría: shônen
Género: ciencia ficción, música, comedia
Nº de episodios: 13
Año: 1999
Estilo de dibujo:
El diseño de personajes varía: Oji, el protagonista, no es agraciado ni elegante, incluso da la sensación de estar siempre cansado y estresado; esto fue hecho a propósito, para ver las diferencias con quienes lo acompañarían a lo largo de los episodios, preferentemente a la bien dibujada Layla Yuki, siempre sexy y con trazos bien estilizados.
Siendo un anime "musical", lo mejor definido son los instrumentos, estudiados minuciosamente con los originales
"Toca por instinto, disfruta tus melodías"
El dibujo no destacaba en demasía, por no decir que los efectos "sorpresa" no llegaban a cubrir la corta duración de la serie, de tan solo 13 episodios. A pesar de la frustación, seguí hasta el capítulo cinco, donde la trama daría el empujón necesario para mantenerme atado al sillón. Además, la música era un factor importante, pero hay que aclarar que el guión parece una copia de Macross, donde los sentimientos de los integrantes de la banda son más fuertes que las canciones salidas de sus instrumentos. Los fondos y luces del escenario están bien recreados, aunque algo vacíos.
Nombre original: Fate/stay night Unlimited Blade Works (フェイト／ステイナイト) feito/sutei naito UBW
Categoría: Shônen
Género: fantasía, acción
Año: 2010
Estudio: Studio DEEN
Duración: 105 minutos
Luego de la serie original, basada en la ruta "Fate", el pueblo nipón reclamaba una adaptación del segundo recorrido "Unlimited Blade Works" (UBW), pasarían cuatro años para conseguir que Shirou y Saber volvieran con más aventuras. Pasen y disfruten.
Fate/Stay Night, tomado del juego del mismo nombre, fue una de las novelas exitosas de la empresa Type Moon que se trasladó a la pantalla en un compilado de 24 episodios. Todos los protagonistas eran mostrados junto a sus historias personales y aunque no es necesario, se recomienda ver los capítulos antes de la película para tener información más precisa, especialmente de los "invocados". UBW relata el recorrido del más misterioso de todos, Archer, su pasado, ideales y frustraciones.
Siete magos que pueden invocar a leyendas mitológicas serán evaluados en la “Guerra por el Santo Grial”, un artefacto capaz de conceder cualquier deseo, siendo el premio para el “master” que sobreviva. Por un error Shirou se verá forzado a participar de la misma, y mientras enfrenta el reto de poseer escasos conocimientos mágicos, debe averiguar el odio de Archer, otro mito invocado, que desea su muerte a toda costa. ¿Es por la Guerra o algo personal? ¿Cómo detener algo que no controlas? Y lo más importante ¿cómo obtener la fuerza necesaria para vencer?
Diseño de personajes: calcados a lo dibujado por Type Moon, es de agradecer las vestimentas y armaduras originales. Mismos peinados y expresiones faciales a excepción de Gilgamesh, en versión "informal", respetando a rajatabla su presencia en la ruta de Rin.
Prácticamente se ha mantenido el notable nivel de calidad que poseía la serie homónima. Al ser una película, los productores pudieron agregar detalles de mayor visualidad, especialmente con los juegos de luces, sombras e iluminación de los artilugios que los personajes poseen. Quienes hayan probado la novela visual encontrarán secuencias idénticas a muchos fotogramas que hay dentro de él, algo que es apreciado por lo milimétrico en la precisión con el original.
Desafortunadamente algunos pasajes (especialmente en la mitad) no encajan con la ruta escogida, logrando que no sea 100 % satisfactorio para quienes lean el manga o sigan la ruta mencionada. 
Opinión personal:
Objetivamente, luego de la larga espera, suponía que habría algunas falencias que empañarían el resultado final, siendo verdad a medias partes: como "dan por seguro" que los espectadores conocen a todos los magos y leyendas convocadas, puede ser frustrante ver poco tiempo a ciertos personajes de mitos muy conocidos. También Sakura queda en un segundo plano, si su participación en la primera entrega era escasa, aquí su permanencia es irrisoria. (Si se adapta la tercera ruta al formato película u OVAs, los seguidores de ella tendrán su revancha).
Un factor positivo es la cantidad de vueltas y desviaciones en las estrategias para poseer el Santo Grial, haciendo que la trama sea menos lineal; en esta cinta las sorpresas serán bien recibidas. Destacable es la sangre, la sustancia que menos escasea, emanando a la primer herida.
La ofensiva para obtener la victoria se reduce a la magia y al armamento de cada ser invocado, en esta oportunidad al ser "Archer" la figura central, visualizaremos decenas de espadas y por supuesto, arcos y flechas, tal como pregona su apodo.
Con este "servant" como principal, Saber queda en un segundo plano sin perder la esencia de lucha, y aunque los destinos de los personajes son totalmente distintos en cuanto a su suerte, ya que varían muchísimo las batallas, muertes y rumbos de los "masters”, las características ya mostradas en la serie continúan intactas.
Un renovado conjunto de técnicas y madurez le confieren a Shirou un protagonismo que compite con Archer, quienes junto a Rin Tohsaka forman el trío principal de UBW.
Para resumir y suponiendo que la serie fue vista con anterioridad, toda la mitología queda en un segundo plano, dejándonos un sabor agridulce ya que esto era uno de los pilares de la primera versión. Pocos flashbacks donde los personajes secundarios sólo están para que no nos olvidemos de ellos, con participaciones breves. Al ser en formato película, se sacaron casi todas las tandas humorísticas con el fin de mostrar un apartado más serio, prevaleciendo los combates en breves lapsos de tiempo, siendo logrado el nivel de calidad ya que las escenas rápidas no desentonan con los combates "lentos".
Doblaje:
El staff de seiyuus se repite exactamente como en la serie predecesora, hallando a Kana Ueda en el papel de Rin Tohsaka (Sakuya Aizawa en "Hayate, mayordomo de combate" y Ringo Seto en "Angelic Layer"); Junichi Suwabe como Archer (Cain Nightroad en "Trinity, Friagne en "Shakugan no Shana") y Noriaki Sugiyama para Shirou Emiya (Ishida Uryuu en "Bleach", Sasuke Uchiha en "Naruto").
Música: Kenji Kawai
Se mantienen algunos temas de la versión tv, encontrándonos como novedades la gran presencia de violines y un grupo coral que acompaña en la mayor parte de la cinta. Tracks melódicos pero sin hacer aspavientos. Personalmente, esperaba algo más "pesado", pero como siempre aclaro: la música es algo que varía de una persona a otra, preciosa u horrible depende del ánimo del televidente.
La banda sonora está recopilada en 3 OST y un añadido de "UNLIMITED RADIO WORKS" (estos últimos no valen la pena ya que muchos tracks son fragmentos o diálogos entre las protagonistas). 
Merchandising:
Era evidente una actualización en el stock de muñecos y figuras, con novedades raras como la espada-paraguas, gran fidelidad pero a un precio de 10.000 yenes. Abanicos, encendedores, remeras, peluches, llaves, gashapones, almohadones, pendrives, son algunas de las cosas que siempre podremos disfrutar (a precios convenientes).
Lo mejor: Luchas todo el tiempo, un dibujo soberbio.
Detalle extra: para quienes deseen más acerca del "universo typemoonesco", sepan que se está adaptando ovas del proyecto "Take Moon", una serie con la precuela de Fate, denominada "Fate/Zero" y el juego "Girl’s Work", además de la remake de la antigua novela visual "Tsukihime" (con gráficos mejorados). Hay para rato, nos hablamos.
Macross Frontier
| Autor Original: Shoji Kawamori. Director: Yasuhito Kikuchi. Compañía: Satelight Género: Mechas, Ciencia Ficción, Romántica. Categoría: Shonen Número episodios: 25 Año: 2008 |  |
Ahora una guerra a comenzado y Alto deberá luchar para poder volar algún día en un autentico cielo azul y salvar a las personas que ama. Pero no todo es tan sencillo como aparenta ¿Cuál es el auténtico enemigo en esta guerra?
Ahora bien, si la trama promete mucho, este tiene ciertos fallos. Hiroyuki Yoshino, que se encargó en su tiempo del anime Mai-Hime, hace un intento de conspiración política que queda simplona y algo predecible. Y por si fuera poco, no se lanza, dejando un final Light (ya lo entenderéis cuando lo veáis). No obstante, consigue atraernos por los personajes y una alta carga sentimental, como con ciertos misterios desperdigados a los que no siempre le da una aclaración correcta.
Se destaca que esta serie no te deja muy perdido si no conoces la saga (te hacen un resumen en los primeros capítulos de ésta), pero hace guiños a anteriores obras (Como Macross Plus, M. Zero o M.7) para que los incondicionales vayan hilando temas y dar a conocer que todo está conectado, algo que se agradece para que la lore de este mundo espacial se expanda y no quede encerrada en cada aventura que se cuenta, pero que es de insignificante valor para los que desconozcan de las otras series y ovas.
La animación es de una calidad bastante alta, donde la importancia radica otra vez en los cazas espaciales y los bailes de las Pop Idol. Los combates de cazas son sencillamente espectaculares. Tal vez abusan de animación muy rápida, que nos pueda dejar perplejos -no de asombre precisamente-, pero es justo eso lo puede llamar la atención. Destacar el combate final donde los animadores pusieron toda la carne en el asador, y los bailes recreados para las féminas cantantes. Por desgracia, suelen usar el truco de repetir secuencias con otros ángulos que son fáciles de pillar, sobre todo en los bailes.
Se divide en dos partes: Una es la música vocal para los personajes de Sheril y Ranka, que bien tiene canciones individuales o a dúo. May'n y Megumi Nakajima son las encargadas de cantar las canciones de éstas. También debemos incluir a Maaya Sakamoto como vocalista en el primer opening. Openings rítmicos como Triangular y Lion; y endings como Diamond Crevasse o Northem Cross, entre otros especiales.
La otra es la música orquestal, tocada por la filarmónica de Varsovia. Es muy buena pero con pocas piezas llegando hacerse tediosa capítulos más adelante. Por desgracia hay algo que sí la hecha para atrás, y es que hay partes musicales que nos recuerdan a otras obras (escuchad bien y escuchareis algo que se parece a “Piratas del Caribe”). Es lo que pasa cuando se compone tanto y tan variado, haciendo que no llegue a rasgar sus mejores obras.
Lo que nos trae esta serie es ciencia ficción y triángulo amoroso, junto a una trama atractiva, combates técnicamente espectaculares y una gran música. Quien sea forofo de la saga Macross o a cualquiera que quiera verla por primera vez, altamente recomendable.
Lo mejor: Los combates espaciales, la música vocal y unos personajes bien creados y con una carga emocional justa.
Lo peor: Un guión Light y que deja una conspiración predecible. El truco de repetir escenas en la animación.
¿Te imaginas que tu peor pesadilla se haga realidad y tengas que vivir rodeado de monstruos legendarios mientras escondes que eres humano? Esta es la realidad de Tsukune, un chico de 15 años que, sin querer, se verá rodeado de vampiros, hombres lobos, súcubos, brujas y otros seres horripilantes. Todo reunido en el mismo lugar, el Instituto Youkai. ¿Te atreves a estudiar con ellos?
Nombre original: ロザリオとバンパイア(Rozario to Banpaia)
Autor: Akihisha Ikeda
Año de publicación en el lugar de origen: 2004
Género: ecchi, harem
Categoría: Shōnen
Volúmenes: Primero temporada, 10 tomos; segunda temporada, 6 tomos.
En los tiempos que corren, encontrarnos con una serie que sea levemente original o que se salve de una serie de tópicos es realmente difícil, y más si intentamos encontrarla dentro de géneros tan asentados como son el shōnen o el shōjo. Rosario + Vampire no es una excepción, ni en temática ni en argumento, aunque quizás sí en ambientación, ya que, aunque recurre a la típica comedia escolar de tipo harem que tan buenos ratos acostumbra a hacernos pasar por la distensión del argumento, le da una nueva vuelta de tuerca y lo ambienta en un lugar totalmente desacostumbrado como es el mundo fantástico y en especial, monstruoso. Pero, ¿De qué va el manga?
Conocerá entonces a la hermosa Moka, una chica dulce y cándida que porta un enorme rosario en el cuello a modo de adorno. Es en el primer día cuando Tsukune se da cuenta de que la Academia Youkai no es un instituto normal, sino que es un lugar en al que los monstruos acuden a aprender a comportarse como humanos para poder integrarse en su sociedad. Es entonces cuando verdaderamente cree lo que Moka le había dicho al conocerse: que era una vampiresa, y es más, una vampiresa totalmente adicta a la sangre de Tsukune, en un arranque de originalidad por el guionista, ya que jamás podríamos imaginarnos que Moka podría sentirse nada atraída por el joven Tsukune si no es por su dulce sangre y porque si no no, sería una buena comedia amorosa.
Sin embargo, los adolescentes monstruos tienen prohibido revelar su identidad, aunque realmente esta restricción se la pasen por los pies. Es gracias a esa falta de autoridad por parte de los directivos del instituto que los alumnos, e incluso profesores, se muestren con su verdadera forma, y para combatirlos, ¿qué mejor que un vampiro? Así que, Tsukune siempre es el encargado de arrancarle el rosario que sella los poderes de Moka, la cual adopta la personalidad vampírica y acaba con el peligro inminente, aunque, eso sí, sin que dure excesivas páginas, que esto no es un manga de acción.
Pero, ¿y las demás chicas? ¡Ajá, aquí os quería yo ver! Efectivamente, no puede ser un perfecto manga harem sin otras chicas de buen ver enamoradísimas del protagonista. Así nos encontraremos con la exuberante Kurumu, una súcubo; la muy inteligente Yukari, una bruja de tan sólo 11 años; o Mizore, una dama de las nieves siempre armada con piruleta en mano. Evidentemente, todas se pelearán por el amor de Tsukune, el cual sólo tiene ojos para Moka, pero, ¿Y Moka para él?
Vampiros, hombres lobos y… ¿Pantsu ?
El estilo de Ikeda no destaca precisamente por su buen hacer, por sus proporciones anatómicas perfectas, ni por unos acabados de ilustración de Samura en su “Espada del Inmortal”. Es decir, que no destaca en nada, pero tampoco falla en ningún concepto. Estamos ante un autor que podría considerarse como “correcto en ejecución, correcto en el diseño de personajes e interiores y correcto en guión”.
Sus monstruos no son para nada feroces, o al menos no dan la impresión que pueden dar en otros mangas más terroríficos, ya que parece que contengan un halo kawaii a su alrededor: la vampira, glamurosa; la súcubo, atractiva; la bruja con el típico sombrero; o el hombre lobo, que más que monstruo parece un perrito un poco enfadado – conozco perros que dan mucho más miedo que él, como por el ejemplo el peluche de Kobato, que evoca precisamente el efecto contrario que se buscaba. Vamos, que el diseño de personajes monstruosos deja bastante que desear, pero, ¿acaso le hace falta hacerlo mejor? Pues no, porque, recordamos de nuevo, estamos frente a un manga shōnen del tipo harem y lo que importa son las chicas, y eso sí, las chicas están bien hechas, con buenas proporciones y bien dibujadas, aunque pequen en ocasiones de tener expresiones demasiado infantilizadas en comparativa con los cuerpos que tienen.
La estructura de los capítulos del manga suele repetirse en casi todos los capítulos: escena inicial con Tsukune y Moka, presentación del conflicto, batalla con transformación de Moka a vampira por el medio y final feliz. Este tipo de estructura suele repetirse en gran variedad de mangas y es una fórmula que suele funcionar bastante bien, ya que, tenemos que tener en cuenta que estas obras son publicadas en un principio en revistas y luego pasadas a los consabidos tankoubon.
Rosario + Vampire no destaca en ningún aspecto de su apartado gráfico, quedándose en un casi notable, y no arriesga nada en cuanto a nivel de argumento, pero sin duda, entretiene una barbaridad y, aunque resulte excesivamente previsible si eres fan de este género y ya conozcas varias obras como “Love Hina” o “I’’s” probablemente te divertirá pero no te fascinará. De todas formas, “Rosario + Vampire” es uno de los mejores mangas harem de los que podemos disfrutar en la actualidad y el punto de jugar con los monstruos es siempre original e interesante, manteniéndose hasta cierto punto la intriga sobre el siguiente monstruo al que se enfrentarán cuando la carga argumental no es lo suficientemente fuerte como para mantener la atención del lector.
Lo mejor: La originalidad de incluir monstruos en un shōnen harem.
Lo peor: La historia es totalmente previsible.
Dibujo y animación
Respecto a la serie en si misma es una serie fácilmente clasificable dentro del ámbito de género, es un anime de acción y mechas sin duda alguna, pero en lo referente a la categoría se vuelve más diáfana, siendo más dificultoso asignarle una categoría concreta debido al devenir de la trama. Podría decirse que esta a caballo entre en mundo del shonen y el seinen.
¿Y esto a que se debe? La trama esconde mucho más que unas simples batallas por ideales y el romance de un chico y una chica, esconde una denuncia social hacia regímenes donde el poder militar es bastante fuerte y muy centralizado, por lo que es fácilmente controlable, el racismo, la persecución religiosa e incluso la protección del medio ambiente.
Estos aspectos no suelen ser tratados normalmente en shonens, especialmente el tema del racismo y la persecución religiosa, claramente apreciables en los ataques a los profesantes de la religión vodarek por parte del ejército (en ello podríamos vislumbrar una denuncia hacia las denominadas guerras étnicas para la limpieza de raza, como pasó en Yugoslavia o pasa en varios países africanos) y el deseo de aniquilar al ente orgánico denominadoSkurve Coral (el cual solo desea comunicarse con la humanidad mediante el envío de losCoralian), sobre el cual se basa gran parte del argumento de la serie. Este último aspecto viene a sugerir a su vez que el hombre teme lo que desconoce, y por ello intenta destruirlo.
La información que nos transmite el anime se da con cuenta gotas a lo largo de los 50 episodios de duración, aunque dicha información se da, asimismo, de forma frecuente, lo cual permite que la historia vaya evolucionando, sin embargo, el sistema escogido impide que haya grandes sorpresas dentro de la trama al ser esta previsible en determinados momentos.
Otro aspecto interesante es la escasa e incluso nula empatía de los protagonistas principales, los cuales no logran entrar en gracia con el espectador, excepto algunas excepciones. En otro orden de cosas, dentro de los numerosos personajes que aparecen en el anime, destaca la figura de Stoner (cuyo parecido con el Ché Guevara es bastante alto), el cual, pese a su poco peso dentro de la serie, realiza una de las labores más relevantes y poco reconocidos actualmente, contar la verdad de los hechos que acontecen.
Asimismo, para el observador atento, se pueden distinguir multitud de pequeños guiños hacia el mundo musical, visible en la combinación de los nombres de dos personajes: Ray Charles. También es destacable que un gran número de los episodios posean nombres de canciones.
En resumen: tramas políticas y sociales unidas a mechas surfistas en combate y romance, un poco de todo.
Lo mejor: BSO, acción, vuelta de tuerca al género de mechas.
Lo peor: personajes carentes de toda empatía.