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Narutaru (Shadow Dragon)

¿Quién no recuerda las series de su infancia como Pokémon o Digimon, donde los jóvenes luchaban acompañados de unas entrañables criaturas con poderes sobrenaturales? Gran parte de la nostalgia y poder de esas series ha residido en el cómo nos llegaban las historias de esos niños que compartían nuestra edad y pasiones, vivían aventuras y salvaban al mundo una y otra vez de su destrucción. Aquellas historias nos han acompañado a muchos, y no son pocos los que desearían que esas series hubieran crecido con ellos.

Hasta que llega Mohiro Kitoh y te hace Narutaru.




Ficha técnica

Nombre original: 骸なる星・珠たる子
(Mukuro Naru Hoshi·Tama Taru Ko)
Año: 2003
Autor: Mohiro Kitoh

Género:drama, ciencia ficción
Categoría:Seinen manga

Número de tomos:12 (serie cerrada)
Ya no quiero un pokémon


Shiina Tamai es una chica con fuerza de sobra para comerse el mundo que disfruta de unas alegres vacaciones con su familia y sus amigos. Jugando, descubre un día una extraña criatura bajo el mar que parece estar llamándola: un ser con forma de estrella de cinco puntas. Este animal resulta ser un dragonet: unas criaturas que sirven a la gente con la que están ligados. Shiina no tardará en descubrir que no es la
única con un dragonet, y que aquellos que tienen uno no pretenden exactamente luchar contra las fuerzas del mal...

Narutaru supone una inmersión en el género de la deconstrucción, donde se analizan las premisas para mostrar las consecuencias de una perspectiva más adulta. La forma más sencilla de describir Narutaru sería decir que es Digimon para adultos, y en cierto sentido es una descripción justa: la serie muestra las luchas de una joven contra un entorno agresivo, y se centra mucho en sus pensamientos e ideas.

El desarrollo de personajes y el poder emocional son dos pilares muy importantes en Narutaru, y sus personajes se muestran lentamente para pasar de ser estereotipos a ser personas con traumas, gente que intenta ocultarse del mundo tras una máscara para no sufrir o almas en pena que han decidido vengarse de todos. Narutaru hace trizas el concepto de que lu
char al lado de una criatura con poderes sobrenaturales está bien y nos muestra el brutal impacto psicológico que supone para la gente tener semejante poder en sus manos. Suficiente como para decidir el futuro de la humanidad...

El que esté libre de pecado...


Juzgar en Narutaru es difícil. Todos los personajes tienen motivaciones reales para querer cumplir sus objetivos, y la línea que diferencia el bien y el mal se difumina lentamente mientras los destinos de todos los personajes se van sellando. Quien antes era un monstruo se revela como una persona que ha sufrido tanto que al final no ha tenido otro remedio que estallar, y los motivos que impulsan a los personajes a seguir acaba siendo la inercia creciente de las catástrofes que suceden a su alrededor. Porque las preguntas que plantea Kitoh esta vez no son tan fáciles de responder.
¿Cómo reaccionarías si te vieses con la carga de un dragonet?
¿Lucharías por una causa que ves perdida?
¿Someterías al mundo a tu poder?
¿Te vengarías de aquellos que te hicieron daño?
La madurez y la moral son temas que el manga no deja de tocar, y representa perfectamente lo que Narutaru supone: el paso del shônen al seinen, de la juventud a la madurez. Ahora tú guiarás tus pasos y no tendrás a nadie que te diga si haces bien o mal, si ayuda
s o maltratas. Tú eres tu propio juez.
Kitoh disfruta reflejando el sufrimiento de los personajes mientras recorren el arduo camino que les impone, y retrata su historia con la fuerza de un drama urbano. Podero
sa y distinta, rompedora y atrayente, misteriosa y violenta... Narutaru posee todos los in
gredientes para enamorar a los que se pasen por sus páginas. A aquellos que disfruten con el seinen adorarán el tratamiento que Kitoh da a la historia y sus personajes, y los que busquen avanzar al género encontrarán un magnífico exponente de lo que realmente supone hacer un manga para adultos. Narutaru es un referente y un dolor, una obra cumbre y una historia traumática.
La evolución, en más de un sentido.


En resumen: Un seinen duro y emocionalmente poderoso, con una historia fascinante y unos personajes magníficamente construidos.
Lo mejor: La historia y los personajes, una brutal deconstrucción del género.
Lo peor: El estilo de dibujo puede no convencer a algunos. No gustará si lo que se busca es acción y épica.

Tokyo Magnitude 8.0

El terrible terremoto que sacudió a Japón el pasado 11 de Marzo y que hoy mantiene a gran parte de su población en el filo de una navaja. Ese terremoto que alcanzó los 8.9 grados en la escala Richter, junto a su tsunami, que nos tiene incluso hoy en vilo ya no sólo por las cifras tan altas de muertos y desaparecidos, sino por la catástrofe nuclear que se puede derivar. Desde ese día, muchos han sido los medios que hablan de manga y anime los que han nombrado esta obra que ha parecido casi profética. Si bien es cierto que se quedaron bien cortos en la magnitud y en las consecuencias. Y aún así es una obra digerible, digna de ver y que a pesar de no eclipsar a la realidad, puede darnos una idea de lo que está pasando tras el 11M nipón a aquellos que no lo vivimos en primera persona y que sólo vemos imágenes entrecortadas en las noticias. Es por eso que hoy he decidido desempolvar una review realizada ya de antaño -como muchas que publico en estos meses-.
Siendo lo más realistas posibles, BONES nos trae este anime que más que espectáculo visual con edificios derrumbándose, intenta mostrarnos el valor de la familia y un largo peregrinaje donde expiar las culpas de la monotonía a ojos de nuestros jóvenes protagonistas. Tras esta larga introducción, merecida en esta semana, lo que leeréis es la review tal cual, antes de los auténticos y terribles sucesos.


Director: Masaki Tachibana
Productora: BONES

Género: Drama, Aventura...
Categoría: Seinen
Capítulos: 11

Año: 2009






Mirai y Yutaka son dos hermanos que viven en su monótona vida. El pequeño Yutaka, viendo como su familia parece romperse y olvidar su felicidad, decide intentar llevarlos a Odaiba, fracasando y sólo arrastrando a su hermana mayor que debe cuidar de él con poca gana. Entonces es cuando ocurre.

Un terremoto de una magnitud 8.0 de la escala Richter ha azotado Tokio y los intentos de los hermanos de no separarse y volver a casa serán múltiples. Por suerte cuentan con la ayuda de Mari, una mujer con la cual se topan justo en el momento del desastre. Sus únicos objetivos es sobrevivir en una ciudad caótica y enfrentarse a sus temores para reunirse con los suyos.



TOKIO EN CAOS

Tokyo Magnitud 8.0 es un soplo de aire fresco para el género que podríamos denominar como "Catástrofes Naturales". Y es que últimamente estos se basaban en una supervivencia al límite de sus protagonistas y luego tratar como personaje principal a la propia catástrofe con pomposos efectos especiales... dando lugar a que los personajes, su verdadera historia, quedara relegada.

Justo este anime recupera el valor de los personajes, la "pomposidad" sólo aparece en los momentos necesarios y justos, con alguna secuencia un poco exaltada para que parezca la típica heroica pero que no es nada más lejos de la realidad, siendo todo mucho más plano y fiel.

¿Y eso la hace menos? Pues no, porque como he dicho no dudan en usar lo pomposo en sus momentos justos haciéndola atractiva cuando ocurren las catástrofes. Aquí lo que importan son nuestros jóvenes protagonistas, que poco a poco se darán cuenta de lo mucho que se necesitan el uno al otro y como el conocerse, el ser hermanos, ha cambiado sus vidas. Así, la mujer que les ayuda debe soportar un gran peso de responsabilidad, haciendo que te encariñes con ellos y muestres un fuerte apego a la vez que sufres sus miedos.

Una historia que al principio parece querer mostrar el lado amargo de la sociedad en esos momentos, pero poco a poco veremos un lado más amable, de colaboración y ayuda, que en la realidad se mezclaría pero en la serie forma parte de un paisaje que conoceremos en el camino que siguen los protagonistas. Una serie que nos muestra cierta crudeza y humor, lo que provoca que no acabes hastiado. Todo ello con un final efectivo y emocional.

Casi se me olvidaba, otra cosa buena de la trama es su humor directo y efectivo, descargando un poco ese halo de drama y pesadumbre que puede soportar la serie.

Tal y como he empezado, una historia que le da a este género cierto soplo de aire fresco. No sé hasta que punto la aparición de los robots es cierta o no, pero le da un toque de ciencia ficción que a mi me gusta y no es lo destacado.




UNIDOS HASTA EL FIN DEL CAMINO

La productora Bones (Cowboy Bebop, Darken than Black...) se ocupa de este anime detallado a manos del director Masaki Tachibana, que ha participado en Eureka Seven, Ghost in the Shell -Stand Alone Complex- o Moribito.

Dibujo a manos Atsuko Nozaki (ha trabajado en Le Chevalier D´Eon, Ergo Proxy...), el cual es simple, muy simple en los personajes, con trazados finos y poco detalle quedando bastante planos, que por suerte es equilibrado gracias a atuendos y complementos con cierto detalle. Un dibujo 2D puro que resalta mucho con los fondos recreados y mimados ,y los secundarios creados por algún tipo de programa informático (también afecta a los protagonistas cuando están en planos generales), resaltando estos últimos por movimientos que intentan ser muy realistas -pero que parecen zombis sin sentido...-. Todo ello muy colorido, dando una verdadera sensación de verano y dando lugar a que el clima sea un problema más aunque no quede bien explotado.



Sobre la animación, digna de los tiempos en los que corremos y para el estudio que se encarga, mezclando la tradicional con ese programa mencionado anteriormente. Lo cierto es que no destaca mucho salvo por alguna escenita "heroica" y cuando ocurren los terremotos, provocando desenfoques, movimientos de puentes, estructuras de edificios... la verdad, lo único que destaca realmente con diferencia. Son esos momentos de pomposidad de las que hablaba en la opinión y que quedan perfectos.


Unidos hasta el final del camino... un final trágico y nostálgico.

Música bajo la batuta de Kô Ôtani, que ya ha trabajado en Zatch Bell o Gunslinger Girl, con música instrumental que no destaca pero cumple su objetivo. Si algo destaco es el opening "Kimi no Uta" por los abingdon boys school que ya se encargaron de la primera intro de Darken Than Black que es expuesto con increíbles fondos ruinosos de calles reales de Tokio.



Doblaje estupendo el nipón, acorde a cada personaje, a cada situación, pena que a veces las voces de niños me pongan de los nervios en los casos de doblaje japonés. Destaco a Satomi Hanamura como Mirai Onosawa (5 Centímetros por Segundo -Kanae Sumita- o Coyote Ragtime Shown -January-), Yuko Kaida como Mari Kusakabe (Dance in the Vampire Bund -Vera- o Ikki Tousen -Shimei Ryomou- ) y Yumiko Kobayashi como Yuuki Onosawa (Love Hina Again -Sarah McDougal- o Soul Eater -Black Star-).



En resumen, un soplo de aire fresco para el género donde su corta duración hace que sea de longitud justa y con un final "tienno", "lacrimógeno" aunque predecible. Si lo que queréis ver es algo lleno de acción y correteos a cada minuto, no es vuestro anime.

Lo mejor: que se centre en los personajes, el toque de humor, drama con la justa aventura y su toque de acción.

Lo peor: la forma escalada de secundarios pasando de "personas cabronas, egoístas e hipócritas" a "mira que buenos somos todos y como ayudamos", tanta pelea inútil entre hermanos da ganas de abofetear a alguien. El dibujo simplón para un seinen.

Le Chevalier D´Eon

Basada en la novela del mismo nombre de Tôw Ubakata y dirigida por Kazuhiro Furuhasi, encargado de dirigir serie y OVAs de Kenshin; nos traen una obra que bien poco le ha faltado para ser considerada una obra maestra.





Autor Original: Tôw Ubakata
Director: Kazuhiro Furuhashi
Compañía: Producción IG, Shochiku
Género: Histórico, drama, fantasía, sobrenatural.
Categoría: Seinen
Número episodios: 24
Año: 2006
Distribución en España: Selecta Vision







“EN EL PRINCIPIO FUE LA PALABRA”

Nos encontramos en la Francia de Luis XV, cuando Versalles brillaba con todo su esplendor. Una mañana se encuentra el cuerpo de Lia de Beaumont en un ataúd flotando en el Sena, escrita en la tapa la palabra: Psalms. La vida de su hermano menor D’Eon cambiará buscando la verdad tras la muerte de su hermana, instigado por el vengativo espíritu de ésta, que se aferra a este mundo en pos de la justicia. D’Eon de Beaumont se verá envuelto en una intrincada conspiración contra las principales coronas de Europa y su amada patria.

“INFÚNDELES TERROR, SEÑOR, QUE LOS PUEBLOS SEPAN QUE SON SIMPLES MORTALES” (Salmo 9-20)

Gran obra con un buen argumento que nos atrapa desde el primer capitulo, trepidante de por sí, siendo gran idea la mezcla de personajes históricos reales con el arte del esoterismo y lo sobrenatural, llegando en ocasiones al terror; si bien los años de los personajes históricos no coinciden. Cómo dijo su creador, no buscaban una obra histórica, si no una obra fantástica con tintes históricos. Y lo consiguen.

Trama que se desenvuelve bien y que en pocas ocasiones decelera, teniendo un giro argumental que en cierta parte de la serie puede predecirse pero que no deja de ser bueno. Se intenta abarcar las relaciones de camaradería, relaciones amorosas, erotismo, humor sutil... lo que sólo enriquece la historia. Siendo así una serie dinámica, algo que es de agradecer. Y si incluimos personajes muy elaborados y cuidados, desde los principales hasta los secundarios, es de atisbar que no estamos ante una serie cualquiera.



Hay que resaltar el poder que tiene la palabra en esta historia, artífice de donde proviene la magia. Y tiene mucho que ver pues históricamente poco faltaba para la revolución francesa.

Mencionar que hay un manga (de unos 7 tomos, no he logrado confirmarlo exactamente) que al parecer se publicaba antes de emitirse la serie. No sé mucho más excepto que el dibujo varía mucho y es interesante. El vestido de Lia que sale a partir del capitulo 6 está basado del diseño de este manga, y la autora lo revisó concienzudamente.


EL AUTÉNTICO D’EON.

No pienso contaros una biografía de este hombre, que para eso podéis usar Internet y os vendrá muy detallado. Y cuando digo Internet, digo Wikipedia (no pienso poneros el link so vagos). Sólo decir que sí, existió, y lo más increíble aún es que tras cumplir varias misiones y ser considerado Caballero de Francia, podría decirse que fue el primer hombre que dijo ser mujer, achacándole la culpa a su padre. Tras su muerte se confirmó su masculinidad. Aún así, lo que más sorprendente es que, tras estar recluido en Inglaterra por su propia voluntad, muchos fueron los espadachines que se batieron en duelo contra D’Eon. Que se sepa D’Eon fue imbatible, a pesar de siempre luchar con un vestido de mujer (y en aquella época no era cosa fina). Si bien esto último puede ser parte de la leyenda que le rodea y que a mi, sinceramente, me mola.


“¡LEVÁNTATE, SEÑOR, EN TU IRA; ENFRÉNTATE AL FUROR DE MIS ENEMIGOS! ¡DESPIERTA, OH DIOS, E IMPARTE JUSTICIA!” (Salmo 7-6)


Obra creada por Production IG, encargado de la mayoría de películas de Mamoru Osihi como puede ser Ghost in the Shell –así como la serie de esta saga-, y otras como la saga Blood, Moribito o Edén of the East.

Dibujo a manos de Tomomi Ozaki de trazo suave y atractivo, que tiene toda la fuerza que necesita para esta obra. Los rasgos de los personajes principales fueron muy cuidados para que parecieran únicos y a la vez coincidiera con los de la época. Destaca aún más es el cuidado en el vestuario que coincide perfectamente con los de aquel siglo. Es más, como curiosidad, se crearon algunas prendas a escala real para que los dibujantes pudieran verla, este es el caso del Vestido de Lia. Fondos destacables, que mezclando el 2D con el 3D consiguen una ambientación muy real que agradecemos, siendo este otro punto fuerte de la obra.

Sobre la animación, una palabra: excelente. Movimientos muy detallados y cuidados tanto en las escenas cotidianas, como en los combates a espada que son las que más resaltan. Movimientos muy reales, donde demuestra el director su maestría en estas escenas (muchos años con Kenshin). Por desgracia, más adelante esta animación baja la calidad, pero en escasas ocasiones.

Aunque detrás de la Banda Sonora esté Michiru Oshima, que se encargó de la música del anime de Full Metal Alchemist, es aquí donde esta gran serie decae. A pesar de que la música nos sitúa en la época, es bastante sosa y poco atractiva, salvo alguna excepción. En definitiva, que no es para tirar cohetes, sólo hace su trabajo de introducirnos. Como opening tenemos Born cantado por Miwako Okuda, siendo bastante normalita. Otra cosa es el Ending cantado por Aya y titulado Overnight, que es sencillamente increíble: música Pop suave que completa tiene un final bastante rítmico. Pena que solo ponga un cacho y no toda ella.



El doblaje japonés es bueno, como casi todos los doblajes Japos. Destaca la voz de Lia con la voz de Risa Mizuno (Vampire Knight -Sayori Wakaba-) o el del propio D´Eon con la voz de Yuuki Tai (Ef - a tale of memories -Kyōsuke Tsutsumi-).

Del doblaje en castellano fue a manos de animax y es uno de esos buenos trabajos, que si bien llega a fallar en personajes secundarios, los principales tienen voces muy acordes. Destaco la voz del D’Eon anciano, que está en off; y la de Lia la cual se encarga una dobladora que ya hizo su pinito con Motoko Kusanagui en Ghost in the Shell SAC o de Revy/Levy en Black Lagoon. Su voz me encanta, puede ser dulce y delicada, como dura e imponente, y es que así es Lia. Mejor voz de doblaje en España, difícil de encontrar.


“LOS MALVADOS SON COMO PAJA ARRASTRADA POR EL VIENTO [...]” (Salmo 1-4 a 5)


Para ir acabando, decir que Selecta Vision nos trajo España hace tiempo una Edición de lujo en una cajita terciopelada, y un montón de extras con un precio aproximado de 50 €. Yo fui uno de esos que la compró y le tengo un cariño inmenso, estando en la mejor posición de la estantería de mi animeteca y eso que a mi me costó 60 euracos. Actualmente también hay una versión más económica para aquellos que la deseen en su estantería a unos 30 €.




“EN EL NOMBRE DE LA JUSTICIA... YO OBTENDRÉ MI VENGANZA”

Una a “Los Tres Mosqueteros” con magia negra y conspiraciones intrincadas. Una obra que debéis ver y experimentar por vosotros mismos, así que tenedla muy en cuenta pues, como ya os dije, poco le falta para ser considerada una obra maestra.

Lo Mejor: el argumento es intrincado y, por lo general, bien llevado. La sola mezcla de la Europa caballeresca del S. XVIII con el esoterismo y lo sobrenatural, y personajes históricos reales, lo convierte en algo novedoso. El poder que le dan a la palabra. Buen dibujo, magnifica animación, con ambientaciones muy logradas.

Lo Peor: una Banda Sonora floja, incluyendo el Opening. En algunos capítulos deceleran un poco la trama y la animación baja de calidad.

5 centímetros por segundo

Vuelvo por estos lares para presentarles algo muy especial. No se trata esta vez de un anime al uso, lo que traigo en ésta ocasión es una película: 5 centímetros por segundo, un drama sobre la vida real que nos hará disfrutar a lo largo de 63 minutos, divididos en tres partes. Sin quieren conocer más a fondo esta excelente película les aconsejo que sigan leyendo.

Ficha técnica
Nombre original: Byōsoku Go Senchimētoru
Año: 2007
Director: Makoto Shinkai
Estudio: CoMix Wave Inc.
Género: Drama
Categoría: Shôjo
Duración: 63 minutos





Sinopsis

"La velocidad con la que caen los pétalos de la flor del cerezo, son 5 centímetros por segundo".

De esta forma tan sugerente comienza la historia de Takaki y Akari, dos niños que estudian en la misma escuela primaria y son grandes amigos. Sin embargo, al llegar la secundaria, la familia de Akari debe mudarse debido a causas de trabajo, lo que dificultará la posibilidad de mantener la relación entre ambos.

Si ya era complicado, ahora es la familia de Takaki la que debe mudarse, distanciando aún más a la pareja protagonista. Antes de incrementar la distancia, Takaki decide ir a visitar a Akari. Lo que sucede entonces condicionará la vida de Takaki para siempre.



Animación y dibujo

La idea original del proyecto fue de Makoto Shinkai, que además asumió la labor de dirección del filme, es conocido por sus trabajos anteriores en Hoshi no Koe o Kanojo to kanojo no neko, por el cual recibió varios premios. 5 centímetros por segundo es su último trabajo.

El diseño de los personajes y del fondo corre a cargo de Takayo Nishinura, Takumi Tanji y Ryoko Majima. El dibujo de los personajes es simple y poco detallista, sin destacar a los protagonistas por encima de los demás, método para realzar el sentido de realismo. En lo referente a los fondos hay que quitarse el sombrero, detallismo absoluto que pueden apreciar en las capturas.



En lo que a la animación se refiere, el estudio CoMix Wave Inc. realiza un trabajo extraordinario. La sensación de iluminación es apabullante y el transcurso de la historia pausado, dándole más emotividad. Destacar asimismo, en el aspecto visual, la caída de las flores de cerezos o de los copos de nieve. Unas imágenes y un diseño dignos de una película.




Banda sonora y doblaje

Nos encontramos con una OST que posee una calidad impresionante, con temas melódicos y dramáticos que nos transportan a la atmósfera melancólica que nos presenta la película. La BSO no es que se compagine con la película, es que viene a ser un elemento indispensable para ésta. La OST corrió a cargo de Tenmon.

Aquí le dejo el trailer de la película, que se presenta con el tema de cierre del filme, que a su vez, es el tema principal de la OST: One more time, one more chance, escrita e interpretada por Masayoshi Yamazaki.



En lo referente al doblaje, sólo está disponible en versión original, japonés. Como siempre éste es perfecto, adaptándose a personalidad de los personajes, siendo doblados por los actores de voz Kenji Mizuhashi en el papel de Takaki, Yoshimi Kondo y Akaya Onoue como Akari en la primera y tercera parte de la película respectivamente y Satomi Hanamura en el papel de Kanae, es sencillamente sublime, logrando darle a los personajes un carácter realista sobrecogedor.




Opinión personal

Cuando hablamos de películas de animación japonesa solemos pensar en los estudios Ghibli, referente en este mundo por películas como Mi vecino Totoro o El viaje de Chihiro. El resto de las producciones cinematográficas animadas llevadas por otros estudios suelen pasar desapercibidas para el público general, salvo raras excepciones como Akira. Lamentablemente 5 centímetros por segundo pertenece a las olvidadas.

Sin embargo, esta producción logra superar en determinados aspectos a películas con mayor reconocimiento. Un dibujo que no debe envidiar nada a nadie y sobre todo una OST que no sólo cumple su cometido, sino que lo ensalza y nos transporta a la atmósfera que crea la película de melancolía; hace que estemos hablando de una de las mejores películas de animación del momento.

La película esta rodada de una forma original, por capítulos. La película consta de tres de estos capítulos, que vienen a transmitir la personalidad del protagonista a lo largo de su vida: niñez, juventud y madurez. Este hecho da originalidad a la forma de presentación de la historia, pero al mismo tiempo provoca que la historia sea un tanto inconexa en el tempo.

La trama, dramática, a su vez es totalmente realista. No se introducen aspectos fantasiosos como en muchas otras películas animadas, aquí se muestra la realidad, personajes normales sin ningún tipo de aspecto que sobresalga por encima de nadie. Se busca la conexión con el espectador mediante sucesos que al propio espectador le acontecieron o le podrán acontecer, sucesos que ocurren de forma asidua en cualquier parte del globo.

Asimismo, el contenido filosófico es patente. La propia trama nos hace reflexionar sobre el valor de los recuerdos, la dramática situación que produce quedarse anclado en el pasado, no poder retroceder y, lo que es peor, no poder avanzar. Se intenta hacer llegar al espectador la idea de que los recuerdos son algo fundamental, pero que la vida sigue y el tiempo pasa inexorablemente por nosotros. No se puede vivir de los recuerdos, y el que lo haga se consumirá en su propia infelicidad. Así pues, no solo nos muestra una historia, sino que nos transmite un mensaje para incitar a la propia reflexión.





En resumen: drama que trata pequeñas situaciones relacionadas entre sí desde una perspectiva totalmente realista.

Lo mejor: OST, la iluminación, trama realista.

Lo peor: que odies los dramas, un tanto inconexa.

Yubisaki Milk Tea

He yo aquí un día más para traeros un manga un tanto diferente a lo que se acostumbra por estos lares: una historia de polígonos amorosos que no padece del típico harem ecchi y en la que el/la prota no se decide a qué o quién atenerse, en muchos aspectos.





Yubisaki Milk Tea
ゆびさき ミルク ティー (Yubisaki Miruku Tī)

Periodo de edición en Japón: 2003 - 2010
Autor: Tomochika Miyano.
Editorial: Hakusensha.
Revista: Young Animal.

Género: drama, romance, transexualidad, erotismo, comedia.
Categoría: seinen.
Duración: 10 tankōbon.



Sinopsis:

Por cosas de la vida, Ikeda Yoshinori acaba ocupando el puesto de su hermana en una sesión fotográfica que tenía concertada, terminando cogiéndole el gusto a vestirse de mujer y travistiendo con cada vez más frecuencia. A causa de ello, su vida, tanto personal como amorosa, se abrirá a caminos con los que antes no contaba, llevándole a preguntarse sobre sí mismo y sus relaciones con los demás.


Preciosa pintura que hace Kodama con Yuki de modelo.

Cuando el interior no reconoce al exterior...


Es evidente que los tiempos van cambiando en lo que a facilidad que tiene la gente para expresarse sin temores respecta, haciéndose claramente palpable en el manganime (como todo arte que se precie) con la reciente oleada de títulos que incorporan no solo romances chico-chica, sino también bisexual y homosexual, y cada vez más, ésto se nota especialmente en lo que a transexualidad y travestismo se refiere. Parece que a día de hoy, en donde el boom moé impera y el ecchi está por todas partes, hay que hacer lo imposible para ganar un puñado de lectores/televidentes (o lo que es lo mismo, dinero) y por lo visto, la moda actual es la tendencia de incluir personajes de sexo indefinido al guión. Éstos, por desgracia, suelen ser los denominados “traps” – es decir, trampas -, chicas moé en apariencia pero que resultan ser chicos, los cuales normalmente no están dotados de una razón real por la que travestirse. Por suerte para quien busque algo más profundo sobre esta temática, hay títulos como el aquí presente que tratan el “problema” de la insatisfacción personal de género con un trasfondo serio, no quedándose simplemente en la superficie o como motivo cómico. A este "fenómeno" se le llama informalmente “gender bender” en el mundillo del manganime, aunque suele ser incorrectamente utilizado tanto para transexualidad como para travestismo, siendo que en realidad se refiere sólo al primer caso.

El desarrollo de la trama es muy del día a día, no cortándose el autor en relatar cualquier acontecimiento que tenga una mínima importancia, aunque la relevancia de ésta dentro del argumento principal sea bastante imperceptible. Dicho argumento gira en torno a los sentimientos y "romances" de los protagonistas principales y secundarios, no destacándose ningún mundo interior como más profundo que el resto, todos están muy bien perfilados y con una manera de relatarlos detallista.

Uno de los puntos fuertes de la historia es la buena definición de estos mundos interiores de los protagonistas, así como un carisma que les hace a cada uno totalmente distinto del resto. Éstos van cambiando a lo largo de de la trama, notándose una continua evolución mental de los personajes como efecto de todos los momentos que viven, muy bien representada también.

Esta historia no es el típico polígono amoroso al que uno puede estar acostumbrado a ver en los mangas y animes de romance, pues no todo el mundo gira alrededor del protagonista - todos tienen unos gustos bien definidos -, ni todas las relaciones son precisamente bonitas. Incesto y actos cercanos a la violación no son extraños, y hay diversas maneras de interpretarlos, tanto por parte de los personajes implicados como para los lectores del manga, con un umbral entre el romanticismo y el erotismo o la crueldad muy delgado. Ésto implica que tanto las escenas eróticas, como los desnudos, sean frecuentes, aunque el contexto suele evitar que la forma de representar estas escenas sea considerable como pornográfica.

El estilo de dibujo mantiene una calidad y detalle más o menos constantes durante toda la obra (aunque hay capítulos que se nota que se han hecho con prisas), destacando el estilo propio que tiene el autor al dibujar a sus personajes. Aunque el detalle de éstos no es espectacular, tienen un aire que permite cogerles cariño enseguida, especialmente al verse la magnífica expresividad que presentan con las diversas emociones, muy bien logradas en la práctica generalidad, en especial las melancólicas. Nótese también que el punto flojo de que el autor use tanto su estilo personal, es la dificultad que aparece para poder identificar a los personajes cuando aparecen en primer plano fuera de contexto, pues la mayoría son facialmente similares. Los fondos por su parte no están especialmente cuidados o llenos de detalles, aunque en ningún momento dan sensación de vacío.


Varias muestras del dibujo del manga, clickead sobre las imágenes para agrandarlas.

¿Qué habrá bajo la falda?


En resumen, un manga que toca un tema pocas veces tratado con un mínimo de profundidad y sentimiento, amén de no basar el argumento simplemente en eso, sino que podemos encontrar una enrevesada unión de historias románticas que no tiene pudor para meterse en temas normalmente vistos como tabú.

Lo mejor: buen trato de una temática normalmente mal utilizada. Trama romántica realista, para lo bueno y para lo malo.

Lo peor: abusa de algunos tipos de escena, pudiendo llegar a ser repetitivo en esos tramos.

CLANNAD (novela visual)

Cuando le preguntas a alguien aficionado al mundo del anime sobre una historia romántica, y que sin llegar a ser empalagosa sea capaz de soltarte carcajadas y lágrimas a partes iguales, probablemente te hable sobre CLANNAD, uno de los mayores y más conocidos títulos del género. Pero lo que es más posible que no sepa es de dónde se extrajo la trama original, y eso es de lo que vamos a hablar hoy.

El origen de CLANNAD pasa por la novela visual homónima realizada por la compañía Key, autores de Kanon y Air, entre otras obras, siendo a día de hoy la que más horas de juego ofrece (entre 90 y 300 según la velocidad de lectura), así como la única que no ofrece escenas pornográficas ya desde sus orígenes, todo ello entre los títulos de la compañía, la cual suele ofrecer versiones con imágenes hentai y otras aptas para todos los públicos.


CGs (gráficos por ordenador) de las rutas de Kyou y Tomoyo respectivamente.
Puedes hacer click en las imágenes para verlas a tamaño original.

La historia nos sitúa en la piel de Okazaki Tomoya, un estudiante en su último año de instituto, que pasa por una dura situación de tedio a causa su repetitiva rutina diaria, la cual le lleva a preguntarse el sentido de levantarse cada día si éste no va a ofrecerle ningún ápice de felicidad. La vida de Tomoya no ha estado bendecida por la buena suerte precisamente, llevándose a su madre a un lugar mejor cuando éste aún era pequeño y dejándole sólo con su padre. Éste a su vez cayó en una profunda depresión, lo que le hundió en el alcohol y la ludopatía, al mismo tiempo que le produjo discutir frecuentemente con su hijo. En una de estas peleas, Tomoya queda lesionado severamente en uno de sus hombros, lo que le aleja de uno de los pocos sueños que le quedaban, el baloncesto. Ahora, sin la más mínima motivación, Tomoya vive el día a día faltando a clases y alejado de casa tanto como pueda, lugar en el que desea permanecer lo menos posible.


Muestras "ingame" de Kyou y del pobre Sunohara, siempre puteándole que están.

La novela nos ofrece decidir el camino que llevará el protagonista de ahí en adelante a través de numerosas rutas en las que podrá relacionarse con la gente, tanto de su escuela, como de fuera de ella, mostrándonos el pasado de los personajes secundarios así como el futuro que les aguarda junto a Tomoya, pudiendo llegar a formarse profundas relaciones amorosas. Una vez conocidas un número mínimo de rutas (8 en general, 7 si le pides un deseo a Fuuko), la novela nos permite acceder al “After Story”, una nueva historia que continúa la ruta de Nagisa, una de las heroínas principales, después de la época estudiantil. En este “After Story” también podemos conocer cómo le va la vida al resto de personajes, pero mucho más superficialmente. Debido a la enorme demanda popular, Key decidió crear otra novela que continuase la ruta de Tomoyo, otra de las heroínas principales, titulada “Tomoyo After: It's a Wonderful Life”.


CGs con Fuuko y Nagisa en la izquierda, y con Kotomi en la imagen diestra.
Preciosa la ruta de esta última, por cierto (como todas).

Una de las evidencias del enorme éxito de la novela visual son las numerosas adaptaciones que se hicieron sobre ella: dos temporadas de anime, con OVAs basadas en las rutas de Kyou y Tomoyo a posteriori, mangas, novelas ligeras, películas…; todo ello por una de las novelas mejor valoradas por el público nipón, y especialmente recomendable para todos aquellos que están empezando en el mundillo.

Artículo publicado originariamente en el nº7 de la revista Koukyou Zen.