Sazae San

Nombre original: サザエさん
Autor: Machiko Hasegawa
Género: comedia, vida cotidiana
Nº de tomos: 45 tankoubons (cerca de 10.000 tiras cómicas)
Fecha de emisión (papel): 1946-1974
Fecha de transmisión (tv): 1969-actualidad
Nº de capítulos: Más de 2100 (un episodio puede abarcar 3 cortos de 8 minutos)

Narra las aventuras de una mujer de 28 años en su vida diaria, todo en el ámbito de los cambios en la sociedad japonesa luego de la Segunda guerra mundial, y los contrastes con lo "conservador" y lo "moderno".

Estilo de dibujo: Algo singular es que el anime no va evolucionando significativamente en cuanto a calidad, debido a que debe ser uno de los pocos títulos actuales donde no se utiliza la ayuda del ordenador, teniendo la clásica estampa de los trazos hechos "a la antigua", puramente lápiz. Ignoro si será como una especie de deferencia, sólo puedo agregar que los episodios actuales poseen mejor nitidez y aumento de brillo, pero nada más.
"Mis vecinos, los Yamada" es un claro homenaje a esta serie, donde se narran historias de vida comunes y fomentadas con buenas dosis de comedia.
Caras redondas, ojos chicos y puntos para las pupilas, notándose las diferencias en los peinados ya que la autora nunca pensó en una adaptación a la televisión; la función de la serie fue lograr la mayor fidelidad para obtener el visto bueno de Hasegawa.

Con tantos años de pantalla los dobladores fueron cambiando, siendo los más importantes Midori Kato como la voz de Sazae, Sally (Magical Witch Sally), Kitaro (Gegege no Kitarō) y otras series menores de mediados de los 60.
El esposo, Masuo Fuguta inicialmente fue interpretado por Shinsuke Chikaishi durante 9 años, en el reemplazo hallarían al seiyû Hiroshi Masuoka, (su título más emblemático es el Maestro Rôshi en la etapa DB GT).
Namihei y Umihei Isono son papeles de Ichiro Nagai, Mito en "Nausicaa del Valle del Viento", y el padre de" D" que se encuentra en la palma del protagonista (Vampire Hunter D).

Opinión personal:
Aunque es humorística en la mayor parte, la serie refleja muchos de los arquetipos de la sociedad japonesa en aquellos años. Mientras muchos personajes siguen el pensamiento común, Sazae se rebela sin intención, ya que no se siente cómoda con el lugar que tienen las mujeres en su país. Aunque es buena en las tareas de la casa, no soporta que los hombres no deseen ayudar, teniendo que recurrir a diferentes tretas para limpiar el hogar (amenazar no hacer las comidas preferidas es una buena técnica para ella). Lo mejor es el carácter que agrega para cualquier actividad: de buenas maneras a "golpes limpio", si algo anda mal y necesita encauce, Sazae no duda en usar puños, lanzadas y estiramientos al "enemigo".

La mayoria de los episodios trascurren en la casa mencionada, lugar donde se encuentra la familia reunida y las visitas de los vecinos, quienes sorpresivamente no ocupan un lugar secundario sino que se complementan junto a los primeros.
La casa donde habitan es enorme en comparación al original, logrando más variedades de vistas y fondos, llenos de detalles y colores. Los trazos y líneas son simples y arriegándome a parecer repetitivo, con esa sensación de estar mirando algo que es del tiempo de Matusalem. Para dar una idea del fenómeno en oriente, podemos añadir que posee más capítulos que Doraemon y Shin-chan, y aunque sus miradas sean de temáticas opuestas (Doraemon es para los pequeños, Shin Chan es más ácido) los tres son reconocidos como estandartes de la animación.

Todas las vivencias normales que trascurren en cualquier matrimonio con hijos son reflejados en la pantalla, desde la comida, las charlas, los hobbies personales y hasta las notas de escuela, factor determinante para que uno de los niños (quien no suele sacar buenas notas) intente mejorar de extrañas maneras los (malos) números, y por supuesto que sea sin estudiar.

Ya sea en formato manga o tv, ninguno va envejeciendo, manteniendo la frescura del carácter de cada uno intacto. Hay cumpleaños, festividades y demás, pero en los siguientes episodios todos conservan sus edades del principio.

Con 45 tankoubons, en Japón se vería una "historieta cómica" de cuatro viñetas sin trama aguda ni con un objetivo claro, sólo mostrar a la protagonista junto a su marido y los pequeños revoltosos alrededor, la aventura de sobrevivir a lo cotidiano se proyectaría en papel durante casi 30 años y 40 en televisión. Sin embargo, los derechos del tankoubon para ser adquiridos a nivel internacional nunca llegaron a satisfacer a la autora, ya que consideraba (y teniendo razón) que lo marcado en su obra no podrían identificarlo los países que no sufrieron las penurias de la Segunda guerra. Con todo en contra, el marcado tono alegre de Sazae y su voluntad para lograr el bienestar de su familia, logró esbozar sonrisas a un pueblo que apenas años atrás veía su derrota, cambiando su manera de vivir al ser impuesto el estilo americano en las actividades diarias. Si se analiza cuidadosamente, lograremos ver que concuerdan los ropajes antiguos con los vestidos actuales, el recelo y luego la aceptación de la tecnología, y los cambios económicos que se suceden con los años.

La nostalgia que ejerce en Oriente es tal que los intentos de llevarla a la pantalla como "live action" siempre fueron insatisfactorios en cuanto a aprobación general. Ya hubo cuatro películas (con diferentes actrices) y se rumorea una nueva entrega donde la protagonista sería Alisa Mizuki, aunque no hay nada oficial.

Algo que encontré buscando en internet, (en una mezcla de japonés con inglés) es que debieron cambiar el ending que se usó desde 1969 a 1990, donde Sazae tiraba un frijol al aire y lo atrapaba con la boca ¿qué pasó? algunos niños se asfixiaron imitando el truco. Para los futuros epílogos, Sazae "desafiaba" al espectador con el jan-ken-pon (para los occidentales sería el "piedra,papel o tijera").

Con la muerte de Machiko Hasegawa, la familia tardó en aprobar la construcción de un pequeño museo, siendo finalmente escogido un pequeño local (digo pequeño en comparación a los actuales lugares de "veneración" a los mangakas) en el distrito Setagaya de Tokio. De aquí salen la mayor parte de los productos que se comercializan, hallándose accesorios de todo tipo con la estampa de Sazae o algún familiar, donde veremos carteras, manteles, vasos, llaves, cucharas, pósters, muñecos y un largo etc.

Lo único difícil (por no decir imposible) es poder disfrutar de este título en español, sin embargo hay ediciones bilingües hasta el tomo 12, siendo la delicia para quienes conozcan el inglés.
Otras obras de la autora son "De tal palo, tal astilla" y "La abuela diabólica", siendo esta última pasada al inglés (el título escogido es "Granny mischief") y donde visualizamos a una anciana que molesta constantemente a quien se cruce en su camino, claro que con humor. Al igual que con los tomos mencionados de Sazae-san, Kodansha International fue el encargado de una traducción a Estados Unidos.

Quien maneje el sstema de compras online de Amazon verá recompensado su búsqueda, ya que se venden al extranjero los primeros ejemplares (antes que pregunten aclaro que desconozco los valores monetarios de cada país) e incluso Sazae-san figura entre sus productos de manga internacionales.

Spoiler: capítulo final manga (gracias San Wikipedia inglés)
En 1974, la tira final muestra la felicidad de Sazae al encontrar un huevo de doble yema, con Katsuo remarcando lo maravilloso de las "pequeñas cosas de la vida".
El "huevo doble" es signo de la abundancia en Japón, equivalente a nuestro trébol de cuatro hojas, suerte para el portador.

Lo mejor: Machiko Hasegawa, pionera entre las mangakas, el humor sencillo pero efectista.
Lo peor: No hay traducciones al español.

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Tokyo Magnitude 8.0

El terrible terremoto que sacudió a Japón el pasado 11 de Marzo y que hoy mantiene a gran parte de su población en el filo de una navaja. Ese terremoto que alcanzó los 8.9 grados en la escala Richter, junto a su tsunami, que nos tiene incluso hoy en vilo ya no sólo por las cifras tan altas de muertos y desaparecidos, sino por la catástrofe nuclear que se puede derivar. Desde ese día, muchos han sido los medios que hablan de manga y anime los que han nombrado esta obra que ha parecido casi profética. Si bien es cierto que se quedaron bien cortos en la magnitud y en las consecuencias. Y aún así es una obra digerible, digna de ver y que a pesar de no eclipsar a la realidad, puede darnos una idea de lo que está pasando tras el 11M nipón a aquellos que no lo vivimos en primera persona y que sólo vemos imágenes entrecortadas en las noticias. Es por eso que hoy he decidido desempolvar una review realizada ya de antaño -como muchas que publico en estos meses-.
Siendo lo más realistas posibles, BONES nos trae este anime que más que espectáculo visual con edificios derrumbándose, intenta mostrarnos el valor de la familia y un largo peregrinaje donde expiar las culpas de la monotonía a ojos de nuestros jóvenes protagonistas. Tras esta larga introducción, merecida en esta semana, lo que leeréis es la review tal cual, antes de los auténticos y terribles sucesos.

Director: Masaki Tachibana Productora: BONES Género: Drama, Aventura... Categoría: Seinen Capítulos: 11 Año: 2009

Mirai y Yutaka son dos hermanos que viven en su monótona vida. El pequeño Yutaka, viendo como su familia parece romperse y olvidar su felicidad, decide intentar llevarlos a Odaiba, fracasando y sólo arrastrando a su hermana mayor que debe cuidar de él con poca gana. Entonces es cuando ocurre.

Un terremoto de una magnitud 8.0 de la escala Richter ha azotado Tokio y los intentos de los hermanos de no separarse y volver a casa serán múltiples. Por suerte cuentan con la ayuda de Mari, una mujer con la cual se topan justo en el momento del desastre. Sus únicos objetivos es sobrevivir en una ciudad caótica y enfrentarse a sus temores para reunirse con los suyos.

TOKIO EN CAOS

Tokyo Magnitud 8.0 es un soplo de aire fresco para el género que podríamos denominar como "Catástrofes Naturales". Y es que últimamente estos se basaban en una supervivencia al límite de sus protagonistas y luego tratar como personaje principal a la propia catástrofe con pomposos efectos especiales... dando lugar a que los personajes, su verdadera historia, quedara relegada.

Justo este anime recupera el valor de los personajes, la "pomposidad" sólo aparece en los momentos necesarios y justos, con alguna secuencia un poco exaltada para que parezca la típica heroica pero que no es nada más lejos de la realidad, siendo todo mucho más plano y fiel.

¿Y eso la hace menos? Pues no, porque como he dicho no dudan en usar lo pomposo en sus momentos justos haciéndola atractiva cuando ocurren las catástrofes. Aquí lo que importan son nuestros jóvenes protagonistas, que poco a poco se darán cuenta de lo mucho que se necesitan el uno al otro y como el conocerse, el ser hermanos, ha cambiado sus vidas. Así, la mujer que les ayuda debe soportar un gran peso de responsabilidad, haciendo que te encariñes con ellos y muestres un fuerte apego a la vez que sufres sus miedos.

Una historia que al principio parece querer mostrar el lado amargo de la sociedad en esos momentos, pero poco a poco veremos un lado más amable, de colaboración y ayuda, que en la realidad se mezclaría pero en la serie forma parte de un paisaje que conoceremos en el camino que siguen los protagonistas. Una serie que nos muestra cierta crudeza y humor, lo que provoca que no acabes hastiado. Todo ello con un final efectivo y emocional.

Casi se me olvidaba, otra cosa buena de la trama es su humor directo y efectivo, descargando un poco ese halo de drama y pesadumbre que puede soportar la serie.

Tal y como he empezado, una historia que le da a este género cierto soplo de aire fresco. No sé hasta que punto la aparición de los robots es cierta o no, pero le da un toque de ciencia ficción que a mi me gusta y no es lo destacado.

UNIDOS HASTA EL FIN DEL CAMINO

La productora Bones (Cowboy Bebop, Darken than Black...) se ocupa de este anime detallado a manos del director Masaki Tachibana, que ha participado en Eureka Seven, Ghost in the Shell -Stand Alone Complex- o Moribito.

Dibujo a manos Atsuko Nozaki (ha trabajado en Le Chevalier D´Eon, Ergo Proxy...), el cual es simple, muy simple en los personajes, con trazados finos y poco detalle quedando bastante planos, que por suerte es equilibrado gracias a atuendos y complementos con cierto detalle. Un dibujo 2D puro que resalta mucho con los fondos recreados y mimados ,y los secundarios creados por algún tipo de programa informático (también afecta a los protagonistas cuando están en planos generales), resaltando estos últimos por movimientos que intentan ser muy realistas -pero que parecen zombis sin sentido...-. Todo ello muy colorido, dando una verdadera sensación de verano y dando lugar a que el clima sea un problema más aunque no quede bien explotado.

Sobre la animación, digna de los tiempos en los que corremos y para el estudio que se encarga, mezclando la tradicional con ese programa mencionado anteriormente. Lo cierto es que no destaca mucho salvo por alguna escenita "heroica" y cuando ocurren los terremotos, provocando desenfoques, movimientos de puentes, estructuras de edificios... la verdad, lo único que destaca realmente con diferencia. Son esos momentos de pomposidad de las que hablaba en la opinión y que quedan perfectos.

Unidos hasta el final del camino... un final trágico y nostálgico.

Música bajo la batuta de Kô Ôtani, que ya ha trabajado en Zatch Bell o Gunslinger Girl, con música instrumental que no destaca pero cumple su objetivo. Si algo destaco es el opening "Kimi no Uta" por los abingdon boys school que ya se encargaron de la primera intro de Darken Than Black que es expuesto con increíbles fondos ruinosos de calles reales de Tokio.

Doblaje estupendo el nipón, acorde a cada personaje, a cada situación, pena que a veces las voces de niños me pongan de los nervios en los casos de doblaje japonés. Destaco a Satomi Hanamura como Mirai Onosawa (5 Centímetros por Segundo -Kanae Sumita- o Coyote Ragtime Shown -January-), Yuko Kaida como Mari Kusakabe (Dance in the Vampire Bund -Vera- o Ikki Tousen -Shimei Ryomou- ) y Yumiko Kobayashi como Yuuki Onosawa (Love Hina Again -Sarah McDougal- o Soul Eater -Black Star-).

En resumen, un soplo de aire fresco para el género donde su corta duración hace que sea de longitud justa y con un final "tienno", "lacrimógeno" aunque predecible. Si lo que queréis ver es algo lleno de acción y correteos a cada minuto, no es vuestro anime.

Lo mejor: que se centre en los personajes, el toque de humor, drama con la justa aventura y su toque de acción.

Lo peor: la forma escalada de secundarios pasando de "personas cabronas, egoístas e hipócritas" a "mira que buenos somos todos y como ayudamos", tanta pelea inútil entre hermanos da ganas de abofetear a alguien. El dibujo simplón para un seinen.

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Tokyo Godfathers

En este mundillo hay directores que nada más aparecer se hacen un huequecito entre los más grandes, y si hay alguien así, ese es el fallecido el pasado año Satoshi Kon. Un hombre que pese a sus pocas obras se ha ganado a pulso el ser considerado uno de los grandes y no precisamente a título póstumo. Perfect Blue fue la obra que le catapultó a la fama, pero yo, la primera que conocí y que hizo que me enamorara de sus films es Tokio Godfathers, una obra explosiva que hará que hasta los no seguidores de “los dibujos animados japoneses” se queden pegaditos en el sofá soltando una lagrimita o partiéndose de la risa. Sin más preámbulos Tokio Godfathers.

Director: Satoshi Kon
Compañía: Mad House

Género: Tragicomedia, aventura
Categoría: Seinen
Año: 2003

Oficial Site

Cuando tres vagabundos encuentran un bebé.

Gin, un hombre algo chalado y agarrado siempre a algo con alcohol que recuerda una y otra vez su asquerosa vida; Hana, un “marica travestido” (palabras de Gin) que intenta mantener esta peculiar familia a flote y le ve el punto bueno de todo lo que les sucede; y Miyuki, una adolescente fugada de casa qué más o menos piensa igual que Gin, algo que hace que continuamente estén en disputas. Los tres son vagabundos y puesto que se acerca la navidad buscan regalos entre la basura, pero en la noche de Nochebuena encuentran en tal lugar un bebé.

Los tres marginados de la sociedad deciden encontrar a sus padres biológicos y resolver el misterio de su abandono, lo que les llevará a sucesos inconexos y les obligará a enfrentarse a su pasado, mientras que juntos afrontarán su futuro.

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Comedia y realidad social

Y es que lo mejor de esta obra es la crítica social que emana de él en cada milímetro del film. Primero habla de una realidad existente como el de los vagabundos, personas sin techo y sin trabajo que deben rebuscar entre vertederos para sobrevivir, algo que se refleja en el film sin ser exagerado ni pasar al absurdo. Pero no sólo trata de vagabundos, pues poco a poco comenzará a ponerse en primer lugar el tema de la familia. Los tres protagonistas intentan inconscientemente vivir en un entorno familiar cada uno con su rol, a pesar de saber que su auténtica familia siguen viviendo su vida y que forman parte de su pasado, un pasado del cual intentan alejarse pese a que les gustaría que sus vidas hubieran continuado como estaban. Y después trata temas algo más variados y más de pasada como la sociedad en sí en la actualidad, sus ventajas e inconvenientes, que nos hace razonar mucho de la forma en la que vivimos y cómo la vivimos.

Pero dicho esto, seguro que os preguntareis dónde está el humor en todo esto, temas tan delicados y que nos puede llevar a la pesadumbre y el drama. Pues es su guión, su narración, lo bien hilvanado que encontramos la historia y los divertidos gags, gracias a Kon y su grupo de trabajo. Con conversaciones muy cercanas y a la vez fluidas que le dan ese toque sutil y humorístico que ameniza al máximo la película, así como divertidas escenas un poco más absurdas en los momentos menos delicados. También ayuda a su visionado una trepidante persecución y el toque de toda película navideña: el milagrito de turno de la navidad, con un gran sarcasmo tras ello.

Mad House, firma de calidad.

Estando Mad House en el proyecto es signo de una calidad técnica de seguro. Animación fluida, muy acorde con cada una de las escenas y donde recae parte del humor -fijaos bien en como anda Hana-, y un dibujo realista (pero sin dejar peculiaridades de todo buen dibujo manga) que hace sus veces al exagerar rasgos para alguna parte cómica o trágica, utilizando a su vez colores cálidos salvo excepciones. Los fondos son recreaciones de Tokyo muy bien hechas.

La música corre a cargo de Keiichi Suzuki, autor que sigue los ritmos creados por Susumu Hirasawa (el cual se encargó y se encargará de otras obras de Kon), donde lo primordial es una música instrumental al ritmo de jazz y blues y aspecto parecidos, que pronto pueden cambiar a una música más experimental o versiones graciosas como el del Himno de la Alegría de Beethoven... ¡Ah! y algún villancico.

Del doblaje japonés no tengo nada que decir porque siendo sincero, no la he visto ni por curiosidad, fallo mio imperdonable. Pero sí he visto la versión doblada española y es buena. Las voces concuerdan bien con cada personaje, y no sé si son fieles al guión en los momentos divertidos, pero sin dudan salen del paso sin decir tonterías ni estropeándola nada. Destaco las voces de los tres protagonistas, sobre todo el de Hana.

El encargado de traerlo a España y doblarlo fue Sony Picture (Columbia Tristar antes... y cuando compraron los derechos), aún puede encontrarse el DVD con un precio asequible en las tiendas españolas.

Trailer

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En definitiva, una obra que da gusto verla en navidades en compañía familiar o con amigos y amigas. Denuncia social, humor y un poco de acción será lo que veáis en esta magna obra de Satoshi Kon. Una obra que no debéis perderos.

Lo mejor: Animación muy buena, música acorde, una historia bien hilvanada con un poco de todo ¿Qué más queréis leñe?

Lo peor: Casi nada.

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Anne Freaks

En un mundo cada vez más bélico e inhóspito, las historias de Kotegawa son como un soplo de aire fresco; algo cotidiano, que escuchamos en las noticias, pero con su punto personal y por qué no decirlo, diferencial e imaginativo.

Ficha técnica:

Título original: Anne Freaks アンネ フリークス

Autor: Yua Kotegawa

Género: Horror, psicológico

Categoría: Seinen

Año: 2002

Nº Tomos: 4

Sinopsis:

Yuri Kitagawa se encuentra con el cuerpo ensangrentado de su madre entre sus brazos; le obligaba a estudiar cosas que no quería e incluso lo había acosado sexualmente. Al ir a enterrar el cadáver aparece una chica que se identifica como Anne para ayudarle a deshacerse de las pruebas del delito. Le dice que necesita a un asesino de padres, para matar al suyo. El siguiente reclutado es Mitsuba que criado por su hermana, es violento y no duda en apretar el gatillo y tiene en común un sueño con Yuri: el de una niña ensangrentada…



Realidad en trazos
Yua Kotegawa se dio a conocer al ganar el segundo premio de jóvenes artistas convocado por la revista Young Jump´s Monthly con su obra Ottori Sousa. Inició la serialización de Anne Freaks en la revista Shonen Ace en el año 2000; la buena acogida que tuvo hizo que Kadokawa Shoten se interesara en publicársela.

Es una mangaka conocida por la tendencia a usar en sus obras el terror psicológico y fantástico, mezclado con tramas policiales bastante verosímiles; esta es su primera obra conocida, a la que siguieron Arcana (2001) y Line (2003). Actualmente trabaja en el proyecto Blue Dragon que inició en el año 2007.

Su dibujo es fácilmente identificable por la limpieza y uso de contrastes así como por la expresividad de sus personajes, que aunque podrían ser catalogados como de tendencia shôjo por la finura de sus rasgos, el cuidado sombreado y las historias donde el romanticismo brilla por su ausencia, nos aclara que estamos ante un seinen en toda regla. Escenarios llenos de matices donde emplazar la acción y un cuidado vestuario, harán que nos sumerjamos en el mundo ideado por la autora, dudando muchas veces que no nos encontramos ante una fotografía en blanco y negro.

Sin embargo, el diseño de sus personajes es bastante parecido en sus obras: la heroína de turno (en este caso Anne) es una chica muy bonita de larga melena que va vestida de una manera informal y a la vez provocativa, queriendo transmitir la inocencia robada, ya sea por una niñez infeliz o por los acontecimientos que harán que se forje su carácter y dejando entrever su fuerte personalidad a través de los trazos de la dibujante.


El mundo real
El parricidio está a la orden del día, es una noticia que desgraciadamente repiquetea en nuestros oídos diariamente; en el caso del relato que nos ocupa, ahonda en el por qué se asesinaría a un progenitor y si la culpa nos dejaría seguir viviendo tranquilamente y quizás encontráramos placer en acabar con la vida de los que nos molesten.
Más allá de estas elucubraciones, el verdadero fin de la protagonista, matar a su padre, queda deslucido por la falta de descripción de los personajes. Si bien el dibujo es una preciosidad, el relato deja mucho a la imaginación y detalles del carácter de los personajes que solo podemos descubrir leyendo entre líneas.
Engancha en el primer tomo que comienza con un cadáver y la perspectiva de una historia fantástica, llena de acción y sangre, que va perdiendo gas en cada tomo debido a la falta de profundidad en sus caracterizaciones.
Pensar en lo fácil que resulta usar a la gente para llevar a cabo su fin, donde nadie cuestione que el asesinato es la mejor opción y ninguno se pregunte como es que domina a la perfección el arte de matar sin pestañear, dan a la protagonista la categoría de heroína, tal vez villana, según quien lea esta obra.
Todas las obras de esta autora, aunque son verosímiles, pecan de detalles que las hacen insostenibles a nivel real: aunque sea posible que alguien quiera matar a sus padres, el encontrar compañeros, la manera de desenvolverse en el mundo y el hecho de que tengamos que imaginarnos parte de la trama, oscurecen un relato a todas luces genial.

Resaltaré que no es una trama fácil de contar cuyo final os dejará un sabor agridulce y una sensación de que se os ha escapado algo y no sabéis que es.



En resumen: Una mezcla de sangre, intriga y una trama un tanto oscura, que atrapa desde la primera página.


Lo mejor: El desarrollo de un thriller psicológico con maestría.


Lo peor: La poca matización de hechos relevantes.

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Ghost Hound

Desempolvando sus proyectos, Masamune Shirow, conocido por sus obras Appleseed y Ghost in the Shell, encontró esta particular historia que no dudó en “ceder” a Production IG, que ya se encargó de Ghost in the Shell (en formato película y serie). Ryutaro Nakamura, director de Serial Experiments Lain, se encarga de la dirección de este anime con su destreza en el terreno sobrenatural, en una historia que se sale un poco de lo visto hasta ahora, sacado de una mente como la de Shirow.

Autor Original: Masamune Shirow Director: Ryutaro Nakamura Compañía: Production IG Género: Terror, psicológico, ciencia ficción, misterio Categoría: Seinen Número episodios: 22 Año: 2007

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EL MÁS ALLÁ NO ESTÁ TAN ALLÁ COMO PENSÁIS

Taro, Makoto y Masayuki son tres compañeros de secundaria que viven en Suiten, un pequeño pueblo del norte de Kyushu. Los tres han tenido experiencias traumáticas en el pasado, marcándoles y dándoles una extraña habilidad: abandonar sus cuerpos para viajar a otro mundo no tan distinto al nuestro.
Pero algo ocurre, pues los seres que habitan en ese “más allá” han empezado a visitar más de lo habitual el nuestro y comienzan a concentrarse en el citado pueblo. Ahora los tres jóvenes compañeros de clase deben enfrentarse al misterio de sus traumáticos pasados, al presente y al que rodea tal extraño fenómeno que empiezan afectar la vida de los habitantes de Suiten, en especial a la hija del sacerdote del lugar.

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QUIÉN FUERA FANTASMA

Obra con un gran argumento que por desgracia está mal llevado y mal finalizado. Se hace tediosa por cómo le cuesta arrancar, pues hasta el capitulo 6 o 7 no comienza lo realmente importante y lo que interesa, siendo lo anterior énfasis en los personajes y repitiendo, más o menos, lo del primer capitulo (y ojo: no digo que no sean claves). Con un final precipitado, que lo único que da de pensar es que en el capitulo 20 se acordaran de que el presupuesto no daba para más de los 22 o que la serie no tuviera tirón y se le cancelara el presupuesto para más. Por fortuna, lo bien llevada que están las secuencias sobrecogedoras, con buenas puestas en escenas y un sonido experimental espléndido, hace que te quedes pegadito en el sofá para saber más del pasado de los protagonistas y ver más esas escenas sobrecogedoras que por desgracia son escasas.

Otro punto fuerte que retrae a muchos -a mi me encanta- y hace que la serie vaya lenta, son las explicaciones teóricas en psicología (sobre la mente humana, las apariciones del más allá...), con largas conversaciones entre personajes, un gran número de definiciones y palabras incomprensibles para nuestro lenguaje. Este es el punto que nos recuerda que nos encontramos en una historia de Shirow. Incluso en los adelantos del próximo capitulo te cuentan teorías o experimentaciones reales, destacando como curiosidad la de MothMan (de la cual ya se hizo una película con Richard Gere -el canoso sexy de Holliwood-).

Es una serie que se recomienda para aquellos que quieran ver algo diferente en el anime... al estilo Shirow y Nakamura (que lo convierte en algo completito y por ahora único). Es una de esas aventuras de amistad adolescente -como alguna de esas pelis americanas de las que no recuerdo ningún nombre ahora- pero con fenómenos paranormales y muchas explicaciones técnicas de por medio. El problema, es que sin duda, visto el aletargado comienzo y el abrupto final casi sacado de la manga no deja precisamente un buen sabor de boca. Curioso algunos guiños a otras obras de Shirow.

"¿Estáis seguros de que estoy viva? ¿Estoy muerta? ¿Soy real? ¿O acaso solo soy algo efímero creado por tu mente?"

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PSICOFONÍAS Y APARICIONES, HABLANDO SOBRE EL APARTADO TÉCNICO

Dibujo de estilo sencillo, con trazos finos y grandes ojos que muestran en los protagonistas bastante expresividad a manos de Mariko Oka. Ahora bien, no es el correcto para este tipo de anime que desea ser serio, quitándole ese ambiente que pretende dar -y que aún así es capaz de conseguir-. Además confunden, pues por la trama del guión y las elaboradas conversaciones psicológicas, solo nos afirma que va dirigido a un público adulto y no juvenil, estilo que sigue este dibujo que puede pensar que estamos ante un Shônen. Su contrapunto, y que hace que podamos pasar del dibujo, es el juego con los colores. Si bien para un día cualquiera suele haber escenas muy coloridas y llenas de vida, estas se oscurecen y llegan a un extraño grisáceo (y a veces verde o azulado) que mantiene una sensación extenuante. Hermosos los paisajes, elaborados y cuidadosos con tonos pastel.

La animación bastante buena, como casi todas las series que saca Proction IG. Movimientos suaves y delicados que se desenvuelven muy bien en un entorno elaborado. No tengo pega que ponerle.

Es en el campo de los efectos sonoros donde gana mucho la serie, sobre todo en los momentos cumbres y escenas paranormales. Experimentaciones con sonidos extraños, que pueden pasar de vibrantes chirridos, a enmudecimientos y apagados de voces. Harán que tus altavoces parezcan que se hayan estropeado. Así que muy recomendado verla con un subwoofer. Sin duda lo mejor de esta serie y lo poco que puede llegar a dar repelús en contra del dibujo.

Sonido de ejemplo:

La banda sonora es ínfima, cumpliendo su cometido de adentrarnos en la serie, pero no es algo muy musical, caso excepciones. Es más, suele utilizarse los efectos de sonidos para acompañar (a veces unido a una de esas piezas), dando una mejor ambientación. Las únicas discutibles: el opening con tinte de Jazz, es rítmico y algo pegadizo (Postergeist by Mayumi Kojima) y el ending, melancólica melodía que concuerda con el pasado de uno de los protagonistas (Call me Name by Yucca).

Destaca el doblaje japonés con Akiko Yajima como Miyako Komagusu, Jun Fukuyama como Masayuki Nakajima, Kensho Ono como Tarō Komori y Souichiro Hoshi como Makoto Ōgami, con voces más que acordes. España también tiene su doblaje -desconozco por quién, creo que el canal Buzz-, que por desgracia no es de lo mejor que he escuchado, pero hacen el papel.

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Anime recomendable para aquellos que quieran ver algo diferente y les guste saber cosas, en este caso lo unido o no que puede estar la psicología y, lo que se entiende, por el Más Allá. Es algo único hasta ahora ver una historia Shirow/Nakamura.

Lo mejor: La experimentación sonora en todos los capítulos de la serie, haciéndola algo única (o casi, pues algo parecido se hacia en Lain). Así como las escenas de terror y suspense que logran con creces su objetivo, el alarde de información psicoanalítica, con sus derivados, y una trama interesante.

Lo peor: Que a pesar de una gran trama este mal desarrollada, lo que lleva a que nos defraude de casi seguro, con muy escasas escenas de terror en toda la serie. El dibujo, aunque logra su propósito, no concuerda con esta serie dirigido más a un público adulto por su temática. La misma información psicológica, que se convierte en un montón de parrafadas difíciles de entender en un solo visionado, haciéndose insoportable -excepto para mí, que me encantan estas cosas-.

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Fate: Unlimited Blade Works

Nombre original: Fate/stay night Unlimited Blade Works (フェイト／ステイナイト) feito/sutei naito UBW
Categoría: Shônen
Género: fantasía, acción
Año: 2010
Estudio: Studio DEEN
Duración: 105 minutos

Luego de la serie original, basada en la ruta "Fate", el pueblo nipón reclamaba una adaptación del segundo recorrido "Unlimited Blade Works" (UBW), pasarían cuatro años para conseguir que Shirou y Saber volvieran con más aventuras. Pasen y disfruten.
Fate/Stay Night, tomado del juego del mismo nombre, fue una de las novelas exitosas de la empresa Type Moon que se trasladó a la pantalla en un compilado de 24 episodios. Todos los protagonistas eran mostrados junto a sus historias personales y aunque no es necesario, se recomienda ver los capítulos antes de la película para tener información más precisa, especialmente de los "invocados". UBW relata el recorrido del más misterioso de todos, Archer, su pasado, ideales y frustraciones.


Siete magos que pueden invocar a leyendas mitológicas serán evaluados en la “Guerra por el Santo Grial”, un artefacto capaz de conceder cualquier deseo, siendo el premio para el “master” que sobreviva. Por un error Shirou se verá forzado a participar de la misma, y mientras enfrenta el reto de poseer escasos conocimientos mágicos, debe averiguar el odio de Archer, otro mito invocado, que desea su muerte a toda costa. ¿Es por la Guerra o algo personal? ¿Cómo detener algo que no controlas? Y lo más importante ¿cómo obtener la fuerza necesaria para vencer?


Diseño de personajes: calcados a lo dibujado por Type Moon, es de agradecer las vestimentas y armaduras originales. Mismos peinados y expresiones faciales a excepción de Gilgamesh, en versión "informal", respetando a rajatabla su presencia en la ruta de Rin.
Prácticamente se ha mantenido el notable nivel de calidad que poseía la serie homónima. Al ser una película, los productores pudieron agregar detalles de mayor visualidad, especialmente con los juegos de luces, sombras e iluminación de los artilugios que los personajes poseen. Quienes hayan probado la novela visual encontrarán secuencias idénticas a muchos fotogramas que hay dentro de él, algo que es apreciado por lo milimétrico en la precisión con el original.
Desafortunadamente algunos pasajes (especialmente en la mitad) no encajan con la ruta escogida, logrando que no sea 100 % satisfactorio para quienes lean el manga o sigan la ruta mencionada.


Opinión personal:
Objetivamente, luego de la larga espera, suponía que habría algunas falencias que empañarían el resultado final, siendo verdad a medias partes: como "dan por seguro" que los espectadores conocen a todos los magos y leyendas convocadas, puede ser frustrante ver poco tiempo a ciertos personajes de mitos muy conocidos. También Sakura queda en un segundo plano, si su participación en la primera entrega era escasa, aquí su permanencia es irrisoria. (Si se adapta la tercera ruta al formato película u OVAs, los seguidores de ella tendrán su revancha).

Un factor positivo es la cantidad de vueltas y desviaciones en las estrategias para poseer el Santo Grial, haciendo que la trama sea menos lineal; en esta cinta las sorpresas serán bien recibidas. Destacable es la sangre, la sustancia que menos escasea, emanando a la primer herida.
La ofensiva para obtener la victoria se reduce a la magia y al armamento de cada ser invocado, en esta oportunidad al ser "Archer" la figura central, visualizaremos decenas de espadas y por supuesto, arcos y flechas, tal como pregona su apodo.
Con este "servant" como principal, Saber queda en un segundo plano sin perder la esencia de lucha, y aunque los destinos de los personajes son totalmente distintos en cuanto a su suerte, ya que varían muchísimo las batallas, muertes y rumbos de los "masters”, las características ya mostradas en la serie continúan intactas.

Un renovado conjunto de técnicas y madurez le confieren a Shirou un protagonismo que compite con Archer, quienes junto a Rin Tohsaka forman el trío principal de UBW.
Para resumir y suponiendo que la serie fue vista con anterioridad, toda la mitología queda en un segundo plano, dejándonos un sabor agridulce ya que esto era uno de los pilares de la primera versión. Pocos flashbacks donde los personajes secundarios sólo están para que no nos olvidemos de ellos, con participaciones breves. Al ser en formato película, se sacaron casi todas las tandas humorísticas con el fin de mostrar un apartado más serio, prevaleciendo los combates en breves lapsos de tiempo, siendo logrado el nivel de calidad ya que las escenas rápidas no desentonan con los combates "lentos".

Doblaje:
El staff de seiyuus se repite exactamente como en la serie predecesora, hallando a Kana Ueda en el papel de Rin Tohsaka (Sakuya Aizawa en "Hayate, mayordomo de combate" y Ringo Seto en "Angelic Layer"); Junichi Suwabe como Archer (Cain Nightroad en "Trinity, Friagne en "Shakugan no Shana") y Noriaki Sugiyama para Shirou Emiya (Ishida Uryuu en "Bleach", Sasuke Uchiha en "Naruto").

Música: Kenji Kawai
Se mantienen algunos temas de la versión tv, encontrándonos como novedades la gran presencia de violines y un grupo coral que acompaña en la mayor parte de la cinta. Tracks melódicos pero sin hacer aspavientos. Personalmente, esperaba algo más "pesado", pero como siempre aclaro: la música es algo que varía de una persona a otra, preciosa u horrible depende del ánimo del televidente.
La banda sonora está recopilada en 3 OST y un añadido de "UNLIMITED RADIO WORKS" (estos últimos no valen la pena ya que muchos tracks son fragmentos o diálogos entre las protagonistas).

Merchandising:
Era evidente una actualización en el stock de muñecos y figuras, con novedades raras como la espada-paraguas, gran fidelidad pero a un precio de 10.000 yenes. Abanicos, encendedores, remeras, peluches, llaves, gashapones, almohadones, pendrives, son algunas de las cosas que siempre podremos disfrutar (a precios convenientes).

Lo mejor: Luchas todo el tiempo, un dibujo soberbio.

Lo peor: Muy resumida para quienes conozcan la novela visual.
Detalle extra: para quienes deseen más acerca del "universo typemoonesco", sepan que se está adaptando ovas del proyecto "Take Moon", una serie con la precuela de Fate, denominada "Fate/Zero" y el juego "Girl’s Work", además de la remake de la antigua novela visual "Tsukihime" (con gráficos mejorados). Hay para rato, nos hablamos.

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Macross Frontier

La productora encargada de Ultimate Hellsing, Earth Girl Arjuna, Sousei no Aquarion , Macross Zero, entre otras; el creador Shoji Kawamori, que además de las tres últimas anteriores, se ocupó y creó, entre otras, la saga Macross y Escaflowne; y dirigida por Yasuhito Kikuchi, que ya trabajó en series como Los Caballeros del Zodiaco; nos traen una épica aventura en el inmenso y frío mar espacial, con combates de cazas espectaculares. Macross Frontier ha aterrizado con fuerza.

Autor Original: Shoji Kawamori. Director: Yasuhito Kikuchi. Compañía: Satelight Género: Mechas, Ciencia Ficción, Romántica. Categoría: Shonen Número episodios: 25 Año: 2008

CUANDO EL HOMBRE ESTÉ EN LOS CONFINES DEL ESPACIO

De las colonias que abandonaron la Tierra por las fuerzas Zentraeides hace unos 47 años, el Frontier aún no ha hallado un lugar habitable para colonizar. En su interior, el joven Alto,sueña algún día volar en un auténtico cielo; y otra chiquilla, Ranka Lee, desea ser cantante de éxito como su ídolo. El mismo día del concierto de la Pop Star Sheril Nome, los Vajra, criaturas alienígenas desconocidas, atacan la colonia.
Ahora una guerra a comenzado y Alto deberá luchar para poder volar algún día en un autentico cielo azul y salvar a las personas que ama. Pero no todo es tan sencillo como aparenta ¿Cuál es el auténtico enemigo en esta guerra?

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COMBATE INMINENTE

Con un alto nivel técnico, un guión bastante atractivo y bien llevado; vemos que la idea de Shoji de crear una historia con pura acción y un triángulo amoroso que creen fricción entre los personajes, hace auténtica mella entre el público masculino como femenino. Y aún más, cuando le acompaña una música vocal de alto nivel.

Ahora bien, si la trama promete mucho, este tiene ciertos fallos. Hiroyuki Yoshino, que se encargó en su tiempo del anime Mai-Hime, hace un intento de conspiración política que queda simplona y algo predecible. Y por si fuera poco, no se lanza, dejando un final Light (ya lo entenderéis cuando lo veáis). No obstante, consigue atraernos por los personajes y una alta carga sentimental, como con ciertos misterios desperdigados a los que no siempre le da una aclaración correcta.

Se destaca que esta serie no te deja muy perdido si no conoces la saga (te hacen un resumen en los primeros capítulos de ésta), pero hace guiños a anteriores obras (Como Macross Plus, M. Zero o M.7) para que los incondicionales vayan hilando temas y dar a conocer que todo está conectado, algo que se agradece para que la lore de este mundo espacial se expanda y no quede encerrada en cada aventura que se cuenta, pero que es de insignificante valor para los que desconozcan de las otras series y ovas.

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APROBADA LABOR TÉCNICA

Dibujo muy simple, demasiado, pero atractivo a manos de Haruhiko Mikimoto. Se destaca la fémina Sheril Nome y al protagonista Alto, así como el diseño mecánico, los cazas espaciales y sus derivado transformado, o los Vajrra. Utilizan colores muy vivos que harán que resalten escenas tenebrosas cuando pasen a colores mas pasteles e incluso oscuros.

La animación es de una calidad bastante alta, donde la importancia radica otra vez en los cazas espaciales y los bailes de las Pop Idol. Los combates de cazas son sencillamente espectaculares. Tal vez abusan de animación muy rápida, que nos pueda dejar perplejos -no de asombre precisamente-, pero es justo eso lo puede llamar la atención. Destacar el combate final donde los animadores pusieron toda la carne en el asador, y los bailes recreados para las féminas cantantes. Por desgracia, suelen usar el truco de repetir secuencias con otros ángulos que son fáciles de pillar, sobre todo en los bailes.

La banda sonora vuelve a ser de un nivel alto gracias a Yoko Kano (Cowboy Bebop, Wolf Rain, Ghost in the shell [SAC]...), que parece ya una fetiche de Kawamori (Yoko está presente en casi todas sus obras).
Se divide en dos partes: Una es la música vocal para los personajes de Sheril y Ranka, que bien tiene canciones individuales o a dúo. May'n y Megumi Nakajima son las encargadas de cantar las canciones de éstas. También debemos incluir a Maaya Sakamoto como vocalista en el primer opening. Openings rítmicos como Triangular y Lion; y endings como Diamond Crevasse o Northem Cross, entre otros especiales.
La otra es la música orquestal, tocada por la filarmónica de Varsovia. Es muy buena pero con pocas piezas llegando hacerse tediosa capítulos más adelante. Por desgracia hay algo que sí la hecha para atrás, y es que hay partes musicales que nos recuerdan a otras obras (escuchad bien y escuchareis algo que se parece a “Piratas del Caribe”). Es lo que pasa cuando se compone tanto y tan variado, haciendo que no llegue a rasgar sus mejores obras.

Opening 2: Lion

El doblaje Japonés es nuevamente, la gran baza. Todas las voces coordinan con cada uno del gran número de personajes. Se destacan la de los protagonistas: Sheril por Aya Endo -Miyuki Takara en Lucky Star o Coletta en Monster-, Alto por Yuuichi Nakamura -Clannad como Tomoya Okazaki o en Fairy Tail como Gray Fullbuster- y Ranka por Megumi Nakajima -principiante en el mundillo del doblaje en el cual éste fue su primer papel a interpretar-, que hacen ese duro trabajo de mantener voces con emociones dispares, en situaciones idem de lo mismo.

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Lo que nos trae esta serie es ciencia ficción y triángulo amoroso, junto a una trama atractiva, combates técnicamente espectaculares y una gran música. Quien sea forofo de la saga Macross o a cualquiera que quiera verla por primera vez, altamente recomendable.

Lo mejor: Los combates espaciales, la música vocal y unos personajes bien creados y con una carga emocional justa.

Lo peor: Un guión Light y que deja una conspiración predecible. El truco de repetir escenas en la animación.

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Le portrait de Petite Cossette

Uno de los casos raros que se dan cada cierto tiempo, en donde increíblemente el anime supera al manga, llevando el guión hacia una temática más adulta pero sin perder la esencia del escrito original: Le portrait de Petite Cossette.



Nombre original: Le portrait de petite Cossette
Dibujo: Asuka Katsura
Guión: Cossette House/Aniplex
Nº de tomos: 2 (finalizada)

Aclaración: en algunos foros "Le petite..." está catalogado como manga y ovas del año 1999, error que se extiende por no corroborar. No es grave y no afecta al producto, pero en cinco años los efectos en Ovas de animación japonesa suelen incrementarse con las técnicas que se renuevan.

"El terrorífico silencio traido por perder lo esencial, las conexiones fundamentales..."

Asuka Katsura, quien trabaja también en el estudio encargado de la animación, fue quien realizó los bocetos originales para la mayor parte de los personajes. Este mangaka es reconocido más que nada por su obra Blood+, que está serializada en 5 tankoubons.

Todo lo referido en cuanto al dibujo de Cossette, ya sea en pinturas o como "espíritu" está bien trazado, además de ser la única que posee ojos grandes para expresarse, pestañas exageradas, brillos en las pupilas y un permanente cuidado en los labios, incluso el protagonista principal no posee tantos detalles, dándole rasgos típicos de un adolescente normal ya visto en otras obras, siendo el mismo caso para los personajes secundarios.

Varios objetos personales de la "época pasada" de Cossette tienen su aparición, entre los que se valoran (por la fidelidad y el cuidado del dibujo) lámparas, muebles antiguos, bustos, pianos enormes, espejos y relojes de pared. La sangre da su presencia de distintos modos: derramándose, fresca, seca por el tiempo, a chorros, aunque sin llegar a ser una obra "gore", no se escatima en el tankoubon (en Japón inicialmente fue un unitario, al llegar a Occidente lo dividieron en dos tomos).

Aquí Eiri es más melancólico, todo su ser está puesto en ayudar a Cossette, si bien muestra dudas, es más proclive a pensar en protegerla, sin imaginar los cambios que suceden en su entorno. Lamentablemente es predecible después de la primera mitad, por eso la versión animada se vio "forzada" a crear un final distinto, mejorando algunos conceptos con respecto al manga.

Eiri en un flashback de Cossette

Lo mejor: Dibujos con retratos fieles a la época mencionada. Dos tomos solamente, se lee rápido.
Lo peor: Un final mediocre, algunas cosas parecieran quedar sin resolución.

"...La otra realidad, la cual se vislumbra a través de las rupturas del mundo..."

Versión Ovas
Le Portrait de Petite Cossette
Nombre original:コゼットの肖像 (Kozetto no Shōzō)
Dirección: Akiyuki Shinbo

Tres Ovas donde "reinterpretan" lo dibujado por Asuka Katsura, con un corte mucho más filosófico, sin perder lo mágico.
Eiri ordena un juego de cristalería, hallando una copa del siglo XVIII donde misteriosamente se refleja Cossette. Lentamente la imagen se apodera de la voluntad de Eiri, mientras el pasado se mezcla con el presente.

Animación, estilo de dibujo:
Al frente del proyecto se encuentra Akiyuki Shinbo, director de obras como Sayonara Zetsubō Sensei, Maria Holic, Mahō Sensei Negima y Pani Poni Dash! y en temática más adulta como el anime "The Soul Taker".
Acá están cuidados todos los personajes por igual, aunque a Eiri le dejaron al principio el costado de "chico distraído", paulatinamente se da cuenta de la verdad, expresando dudas, enojo y determinación.

Líneas cuidadas en las vestimentas y mucha delicadeza en las facciones de Cossette, así como en los cristales y copas que reflejan su presencia. Los colores son generalmente fuertes, interponiéndose cada cierto lapso un apagado de los mismos y oscureciendo el ambiente, tiempo donde la sangre posee su esplendor en la pantalla.

Seiyus:
La voz de la pequeña Cossette está compuesta por Marina Inoue, quien trabajó en Yakitate!! Japan (Kanmuri Shigeru), Hell Girl (Kaoruko Kurushima), Kiba (Rebecca), Baccano! (Eve Genoard), Tengen Toppa Gurren Lagann (Yoko), Minami-ke (Kana Minami), Maria Holic (Matsurika Shinōji) y Sayonara Zetsubō Sensei (Chiri Kitsu), entre otros.
A su vez, Eiri posee las cuerdas vocales de Mitsuki Saiga, reconocido como Makoto Kousaka (Genshiken), Natsuo Sagan, (Loveless), Okita Souji (Peacemaker Kurogane), Robert Haydn (The Law of Ueki) y Wolfram von Bielefeld (Kyō Kara Maō!).

Shoko Mataki es interpretada por Megumi Toyoguchi, identificada en series como Fullmetal Alchemist (Winry), Macross Frontier (Klan Klang), Claymore (Sophia), Ichigo 100% (Tsukasa Nishino), Burst Angel (Meg), Vandread (Parfet Balblair).


Música:

"The Main Theme For Petite Cossette" es el nombre del opening, realizado por Yuki Kajiura (Kimagure Orange Road, Noir, Kara no Kyoukai, Tsubasa Chronicle y Pandora Hearts por mencionar algunos títulos donde participó).
El ending "Houseki" es cantado por Marina Inoue, a la vez seiyu de Cossette, aquí con un registro más grave y no tan infantil.

Temas orquestados por cantantes de ópera japoneses (Moonflower es un ejemplo), mezclas de sintetizador con el violín, instrumento que predomina en casi la totalidad de la banda sonora, muchos coros, chelos y contrabajos, flautas y la incursión de algunos instrumentos de oriente (desconozco los nombres).


"...Ya en el pasado, destacados pintores nos mostraron lo verdadero, lo oculto detrás de los espejos...en el otro lado"


Opinión personal:
Tardé en ingresar a "Le portrait...", no estaba interesado en el visionado creyendo erróneamente que era un "shojo" y además "moe" (y la primera impresión cuesta alejarla), por eso el dicho "no juzgar un libro por la tapa" es una expresión acertada. Gran sorpresa me llevé cuando la ví catalogada como "seinen" y críticas favorables en el ambiente; aún con dudas le doy una oportunidad...y no me decepcionó: sip, la animación es buena, música que no desentona, pero el guión es lo que sobresale de la torta; notándose una melancolía amarga, las ganas de vivir, las diferentes pinturas del pasado y las actuales , el amor que florece lentamente, las pasiones de Kurahashi y las ocurrencias de Cossette, no llegando al extremo de psicología latente en "Ghost in the Shell" o "Serial Experiments Lain", pero si acercándose.

Paso a mostrar algunas diferencias que noté, sin spoilear nada:

* Cossette muestra en la versión papel una figura principalmente de víctima, no así en los Ovas, donde sus expresiones pueden tornarse en alegría, rabia, venganza, amor, intercambiando de acuerdo a sus objetivos.
* Los personajes secundarios poseen más participación, son importantes en la historia y el desenlace.
* Han variado el final, aunque decir esto sería un error, es más justo decir que lo cambiaron totalmente.
* En el manga quien tenga "buen ojo" puede llegar a captar algunos eventos que transcurrieron o podrían suceder en el futuro; no así en los Ovas.
* La versión animada puede mostrar lo que "realmente" pasó hace años, siendo narrado de manera tranquila y con un ritmo suave; debido a que en el manga no hay un desarrollo realmente profundo, quedan algunas cosas sin entenderse en los tomos.

Reflejo de la protagonista en las copas

Personalmente prefiero los Ovas, sin quitar la seriedad del pasado de Cossette, la percepción de la locura y los múltiples cambios de Eiri, le dan más vida y clima al protagonista que en el papel, algo de lo que no estoy acostumbrado, ya que casi siempre el traspaso al anime no cumple muchos requisitos, estos ovas "pasaron la prueba".

La corta duración es otro aspecto, si no hay tiempo para ver series completas, mirar tres episodios y con animación de Ova ya no es excusa.

Lo mejor: Los flashbacks del pasado de Cossette, buena música y solo 3 ovas.
Lo peor: Lenta en algunos pasajes, no apto para gente impaciente.

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Hitler -La Novela Gráfica-

Ya desde su título puede dar a una reacción un poco estúpida por muchos individuos sean amantes del manga como no. Una reacción de rechazo o miedo, por si hay algún mensaje que exalte su figura. Hitler -La Novela Gráfica- por Shigeru Mizuki, es un manga biográfico que se ha convertido en un clásico irrenunciable para todo buen otaku, que se ha ganado un hueco en la mangateca y que gracias a Glénat lo podemos encontrar en tiendas españolas.

Autor: Shigeru Mizuki
Publicación: Shukan Manga Sunday

Género: Biografía
Categoría: Seinen

Tomo: Único
Año: 1971
Distribución en España: Glénat

Allá por 1908, un joven estudiante de Bellas Artes con compulsivos enfados por nimiedades, ve como su futuro de ser un artista se convierte en papel mojado. Viviendo a costa de la herencia de familiares, convirtiéndose en un vagabundo, huyendo de formar parte del ejército... Quién iba a pensar que ese joven de sueños utópicos, patriota -según él- e ideales férreos y antisemitas, iba convertirse en el líder de Alemania con el apoyo popular. Ésta es la historia de Hitler en su persecución por dirigir al pueblo alemán, forjar sus ideales, aunque fuera a costa de sangre, y su final junto a su “Reich de los Mil Años”.

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LA EXTRAÑA FIGURA DE UN HOMBRE

Debemos alabar el increíble trabajo de Shigeru Mizuki, que en ningún momento exalta esa vena fascista en toda su obra, y ni siquiera crea burla ni sátira de los acontecimientos a pesar de su dibujo caricaturizado de los protagonistas históricos. Una obra que es capaz de trasladar todo el peso de la historia de forma ágil, mostrando ese halo de misterio que rodea al personaje que fue Hitler, descubriendo detalles, manías y labia, labia que embriagaba al pueblo alemán y a todo aquél que seguía sus ideales, que lo seguían por ese halo que atrapaba las almas de las personas. Un hombre que se llegó a creer su superioridad en el mundo terrenal, se creyó ser un enviado para salvar a su “raza aria”. Y tal vez fuese ése el punto de partida de su final, su soberbia le llevó a realizar estrategias que -aunque digna de alabar- contra ciertos enemigos era pecar de confianza; aunado a multitud de inconvenientes que sólo funcionaron para que su espíritu de rabietas nublaran lo que podía acontecer si seguía ese camino, la derrota.

La obra nos muestra desde los horrores y el miedo del pueblo, fuese judío o no; donde un narrador omnisciente pasará en escena, que nos contará con cierto detalle los acontecimientos, contando de forma sería cada uno de los aspectos. Nos mete en sutilmente en la entramada vida de Hitler, sus deseos y ambiciones. Pero a la vez nos muestra la vida de personajes secundarios con relevancia, importantes para que los acontecimientos fueran las que fueron. Todo ello sin llevarnos al hastío, pudiendo llegar a nosotros mensajes e ideales, para así formar nuestra moralidad -tal vez tampoco la correcta- desde la moral incorrecta.

¿Y qué tiene de bueno ésta biografía de Hitler cuando existen miles? Lo primero que es un manga, y eso no es muy normal -o por lo menos no en los 70-. Lo segundo es la forma de narración, sencilla y acercándose más a las curiosidades y excentricidades del personaje, sin intención alguna de sentirnos identificados con él y sus ideales; es más, llegaremos a la comprensión de su alzamiento y caída. Lo tercero, es una obra que engloba la idea que debemos de tener de ésta figura de una forma amena, contando con bastantes matices.


Teniendo en cuenta que Mizuki, en sus años de adolescente “dieciochoañero”, se vio también embriagado por la figura del Führer, sorprende su madurez al realizar la obra debido a mucho a su terrorífica experiencia cuando fue al campo de batalla en la II Guerra Mundial, donde perdería su brazo izquierdo -era zurdo-. E incluso fue juzgado como criminal de guerra. ¿Será ésta una forma de expiación o de aportar un grano de arena al NO OLVIDO? Si de algo puede pecar esta obra es que en algunos puntos podría quedar desfasada, pues aunque fiel a una multitud de bibliografía, era la de la época en la que fue creada.

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HISTORIA EN TRAZOS

Shigero Mizuki es un artista que se escudó en el dibujo a modo de superación tras lo que le aconteció en la guerra y la perdida de su brazo. Y escudándose en él se hizo con el recuerdo de las historias y leyendas típicas japonesas por lo que no tardó en sacar a la luz una historia de estas criaturas y fantasmas del folclore nipón: Ge Ge Ge no Kitaro, es el mejor ejemplo de sus pocas creaciones. Además de ser un hombre con multitud de premios, que se ha ganado por su esfuerzo y dedicación. Incluso Ghibli le hace un agradecimiento en Pom Poko.

Su dibujo en Hitler -La Novela Gráfica-, es de simples trazados, a veces de mano temblorosa. Un dibujo al que te vas acostumbrando y le quita peso dramático a la historia sin dejar de ser fiel. Curioso que los protagonistas sean meros garabatos sin mucho detalle y saber que el mismo Hitler fallaba justamente en la anatomía humana. Ignoro si tiene algo que ver o no. Dibujos simples que se contraponen con fondos y secundarios que pueden ir de meras líneas, ha trazos realmente trabajados y detallados, mostrando el autor su verdadera maestría; muchos basados en fotografías reales, algunas diría que son simples fotos. Todo ello con una utilización justa de tramas y un exceso de tinta bien usada para sombreados, según el dibujo en cada viñeta. Posición de viñetas que al principio parecen muy sobrias pero que irán mejorando con el trascurrir de los capítulos.

La obra fue publicada en 1971 por la revista Shukan Manga Sunday, sería en 1972 cuando se publicaría en forma de tomo único. Glénat nos trae esta joyita biográfica en una edición muy cuidada con sentido de lectura oriental. Al final del tomo veremos una bonita cronología que resumen de forma escueta todos los actos y hechos que narra el manga, así como la bibliografía utilizada por el autor.

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Resumiendo, una obra que no defraudará a nadie y que sin duda hará que conozcamos mejor a esta excéntrica figura, si nada más de él conocíamos. De forma sencilla, factible en datos -de la época- y llegando a intuir lo misterioso de este personaje.

Lo mejor: la narración, el conjunto de la obra en sí y la importancia de la caricatura en la obra.

Lo peor: la gente puede retraerse por el personaje en cuestión que fue Hitler y el dibujo caricaturesco en sus páginas.

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Le Chevalier D´Eon

Basada en la novela del mismo nombre de Tôw Ubakata y dirigida por Kazuhiro Furuhasi, encargado de dirigir serie y OVAs de Kenshin; nos traen una obra que bien poco le ha faltado para ser considerada una obra maestra.

Autor Original: Tôw Ubakata
Director: Kazuhiro Furuhashi
Compañía: Producción IG, Shochiku
Género: Histórico, drama, fantasía, sobrenatural.
Categoría: Seinen
Número episodios: 24
Año: 2006
Distribución en España: Selecta Vision

“EN EL PRINCIPIO FUE LA PALABRA”

Nos encontramos en la Francia de Luis XV, cuando Versalles brillaba con todo su esplendor. Una mañana se encuentra el cuerpo de Lia de Beaumont en un ataúd flotando en el Sena, escrita en la tapa la palabra: Psalms. La vida de su hermano menor D’Eon cambiará buscando la verdad tras la muerte de su hermana, instigado por el vengativo espíritu de ésta, que se aferra a este mundo en pos de la justicia. D’Eon de Beaumont se verá envuelto en una intrincada conspiración contra las principales coronas de Europa y su amada patria.

“INFÚNDELES TERROR, SEÑOR, QUE LOS PUEBLOS SEPAN QUE SON SIMPLES MORTALES” (Salmo 9-20)

Gran obra con un buen argumento que nos atrapa desde el primer capitulo, trepidante de por sí, siendo gran idea la mezcla de personajes históricos reales con el arte del esoterismo y lo sobrenatural, llegando en ocasiones al terror; si bien los años de los personajes históricos no coinciden. Cómo dijo su creador, no buscaban una obra histórica, si no una obra fantástica con tintes históricos. Y lo consiguen.

Trama que se desenvuelve bien y que en pocas ocasiones decelera, teniendo un giro argumental que en cierta parte de la serie puede predecirse pero que no deja de ser bueno. Se intenta abarcar las relaciones de camaradería, relaciones amorosas, erotismo, humor sutil... lo que sólo enriquece la historia. Siendo así una serie dinámica, algo que es de agradecer. Y si incluimos personajes muy elaborados y cuidados, desde los principales hasta los secundarios, es de atisbar que no estamos ante una serie cualquiera.

Hay que resaltar el poder que tiene la palabra en esta historia, artífice de donde proviene la magia. Y tiene mucho que ver pues históricamente poco faltaba para la revolución francesa.

Mencionar que hay un manga (de unos 7 tomos, no he logrado confirmarlo exactamente) que al parecer se publicaba antes de emitirse la serie. No sé mucho más excepto que el dibujo varía mucho y es interesante. El vestido de Lia que sale a partir del capitulo 6 está basado del diseño de este manga, y la autora lo revisó concienzudamente.

EL AUTÉNTICO D’EON.

No pienso contaros una biografía de este hombre, que para eso podéis usar Internet y os vendrá muy detallado. Y cuando digo Internet, digo Wikipedia (no pienso poneros el link so vagos). Sólo decir que sí, existió, y lo más increíble aún es que tras cumplir varias misiones y ser considerado Caballero de Francia, podría decirse que fue el primer hombre que dijo ser mujer, achacándole la culpa a su padre. Tras su muerte se confirmó su masculinidad. Aún así, lo que más sorprendente es que, tras estar recluido en Inglaterra por su propia voluntad, muchos fueron los espadachines que se batieron en duelo contra D’Eon. Que se sepa D’Eon fue imbatible, a pesar de siempre luchar con un vestido de mujer (y en aquella época no era cosa fina). Si bien esto último puede ser parte de la leyenda que le rodea y que a mi, sinceramente, me mola.

“¡LEVÁNTATE, SEÑOR, EN TU IRA; ENFRÉNTATE AL FUROR DE MIS ENEMIGOS! ¡DESPIERTA, OH DIOS, E IMPARTE JUSTICIA!” (Salmo 7-6)

Obra creada por Production IG, encargado de la mayoría de películas de Mamoru Osihi como puede ser Ghost in the Shell –así como la serie de esta saga-, y otras como la saga Blood, Moribito o Edén of the East.

Dibujo a manos de Tomomi Ozaki de trazo suave y atractivo, que tiene toda la fuerza que necesita para esta obra. Los rasgos de los personajes principales fueron muy cuidados para que parecieran únicos y a la vez coincidiera con los de la época. Destaca aún más es el cuidado en el vestuario que coincide perfectamente con los de aquel siglo. Es más, como curiosidad, se crearon algunas prendas a escala real para que los dibujantes pudieran verla, este es el caso del Vestido de Lia. Fondos destacables, que mezclando el 2D con el 3D consiguen una ambientación muy real que agradecemos, siendo este otro punto fuerte de la obra.

Sobre la animación, una palabra: excelente. Movimientos muy detallados y cuidados tanto en las escenas cotidianas, como en los combates a espada que son las que más resaltan. Movimientos muy reales, donde demuestra el director su maestría en estas escenas (muchos años con Kenshin). Por desgracia, más adelante esta animación baja la calidad, pero en escasas ocasiones.

Aunque detrás de la Banda Sonora esté Michiru Oshima, que se encargó de la música del anime de Full Metal Alchemist, es aquí donde esta gran serie decae. A pesar de que la música nos sitúa en la época, es bastante sosa y poco atractiva, salvo alguna excepción. En definitiva, que no es para tirar cohetes, sólo hace su trabajo de introducirnos. Como opening tenemos Born cantado por Miwako Okuda, siendo bastante normalita. Otra cosa es el Ending cantado por Aya y titulado Overnight, que es sencillamente increíble: música Pop suave que completa tiene un final bastante rítmico. Pena que solo ponga un cacho y no toda ella.

El doblaje japonés es bueno, como casi todos los doblajes Japos. Destaca la voz de Lia con la voz de Risa Mizuno (Vampire Knight -Sayori Wakaba-) o el del propio D´Eon con la voz de Yuuki Tai (Ef - a tale of memories -Kyōsuke Tsutsumi-).

Del doblaje en castellano fue a manos de animax y es uno de esos buenos trabajos, que si bien llega a fallar en personajes secundarios, los principales tienen voces muy acordes. Destaco la voz del D’Eon anciano, que está en off; y la de Lia la cual se encarga una dobladora que ya hizo su pinito con Motoko Kusanagui en Ghost in the Shell SAC o de Revy/Levy en Black Lagoon. Su voz me encanta, puede ser dulce y delicada, como dura e imponente, y es que así es Lia. Mejor voz de doblaje en España, difícil de encontrar.

“LOS MALVADOS SON COMO PAJA ARRASTRADA POR EL VIENTO [...]” (Salmo 1-4 a 5)

Para ir acabando, decir que Selecta Vision nos trajo España hace tiempo una Edición de lujo en una cajita terciopelada, y un montón de extras con un precio aproximado de 50 €. Yo fui uno de esos que la compró y le tengo un cariño inmenso, estando en la mejor posición de la estantería de mi animeteca y eso que a mi me costó 60 euracos. Actualmente también hay una versión más económica para aquellos que la deseen en su estantería a unos 30 €.

“EN EL NOMBRE DE LA JUSTICIA... YO OBTENDRÉ MI VENGANZA”

Una a “Los Tres Mosqueteros” con magia negra y conspiraciones intrincadas. Una obra que debéis ver y experimentar por vosotros mismos, así que tenedla muy en cuenta pues, como ya os dije, poco le falta para ser considerada una obra maestra.

Lo Mejor: el argumento es intrincado y, por lo general, bien llevado. La sola mezcla de la Europa caballeresca del S. XVIII con el esoterismo y lo sobrenatural, y personajes históricos reales, lo convierte en algo novedoso. El poder que le dan a la palabra. Buen dibujo, magnifica animación, con ambientaciones muy logradas.

Lo Peor: una Banda Sonora floja, incluyendo el Opening. En algunos capítulos deceleran un poco la trama y la animación baja de calidad.

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