En el transcurso de la historia, Takaya debe enfrentarse a varios enemigos, siendo los más poderosos sus hermanos. Uno es Shinya (Tekkaman Evil), gemelo que siempre compitió para diferenciarse de él. Ambos sienten su presencia cercana y evolucionan sus poderes al mismo tiempo. El otro es el hermano mayor de todos Keigo, quien traiciona a la humanidad y se une a los Radam. Es el único que mantiene una evolución constante, llegando a medir tan alto como un rascacielos. Con la pérdida de su memoria, se convierte en el más fuerte y el enemigo final. Su nombre de guerra es "Tekkaman Omega". Diez años en el futuro de la serie, Takaya ha desaparecido y los Radam atacan con fuerzas renovadas, utilizando ahora a Tekkaman Aliens, con habilidades muy superiores. El nuevo planeta Tierra posee un renovado grupo de Space Knights y Aki es la directora encargada de seleccionar a los nuevos pilotos Tekkaman, entre ellos a Yumi Francois. Lo remarcable también es el cambio de Takaya, de "atacante frontal" pasa a ser un "estratega". Esto se origina por la muerte de Miyuki, viendo como un Takaya entristecido decide cuidar más su cuerpo para poder así vencer a sus hermanos malvados.
Review del clásico de 1975 y su readaptación del 92, con sus respectivos Ovas. Quienes la hayan visto lo recordarán especialmente por el límite de tiempo que poseía el protagonista. Un clásico de los mechas....pero no pidan algo muy elaborado en cuanto al guión.
Nombre original: Uchū no Kishi Tekkaman
Año: 1975 (clásica) 1992 (Tekkaman Blade) Género: Mechas, ciencia ficción
Categoría: shônen
Nº episodios: 26 (1975); 49 (T.Blade)
El comienzo de todo
Tekkaman Space Knights: cancelada a los 26 episodios, por eso la incongruencia de los últimos episodios. Se pasó solo en EEUU.
Por las constantes guerras y contaminación, al planeta le queda seis meses de vida. El Dr Minari, afamado investigador espacial, empieza a buscar un nuevo mundo donde asentar a la humanidad. Pero su tarea termina inconclusa por la invasión de una raza extraterreste denominada Waldaster, que mata a toda la expedición.
Joji, el hijo de Minari, busca al mejor amigo de éste, Yumi, quien le propone buscar venganza con el último proyecto: Pegas, un robot que protege a su piloto con una armadura de metal especial y maximizando las cualidades físicas del portador. Pero tendrá que arriesgarse, ya que aún no estaba probado, Joji acepta aún con el terrible dolor que conlleva la transformación.
Con los capítulos se suman más Space Knights al grupo de Joji, quedando la batalla final (por expreso pedido) sólo para él y el líder de los Waldaster en la "nave madre". Los Space Knights se teletransportan hacia un nuevo planeta, que reúne las características apropiadas para la humanidad.
Lo flojo del último episodio es la incógnita de la suerte del protagonista, donde se piensa que se "sacrificó" por todos, aunque el enigma queda resuelto años después, cuando en "Tekkaman Blade" se lo visualiza en uno de los últimos episodios, salvando a unos chicos sin poseer ya la armadura y viviendo una vida normal.
La serie más conocida: Tekkaman Blade
Una actualización más coherente con nuevas animaciones. No es una continuación, sino una "reinterpretación". Muchos personajes son completamente diferentes.
Siglo XXI, los conflictos nucleares crean una contaminación radioactiva que destruye todo a su paso. Todos los recursos naturales terminan muertos, quedándole tres años al planeta ya que luego será un desierto sin fin. En contrarreloj, se crea un programa de desarrollo espacial, uniendo a los mejores científicos, que intentan curar a la Tierra, aunque la polución es tan grave que es imposible, siendo la única opción buscar otros planetas.
Se repite la misma suerte para el padre de Takaya: un ataque enemigo hacia las naves exploradoras terminan con su vida, su madre muere al liberarlos a él y a su hermana Miyuki. Todos ellos habían sido usados como experimentos con los cristales Tekk.
Esta vez a los extraterrestres los llamaron Radam (con el jefe Rambos), aunque en el original seguían con el nombre de Waldaster. Shukura revela el secreto de Pegas con el riesgo de que puede matar al portador; Takaya, aún furioso, no duda y utiliza al robot junto al cristal Tekk que posee. Transformándose en una armadura espinosa y de acero, es capaz de respirar en el cosmos y su fuerza se ve potenciada según las emociones, además de combatir con una lanza.
Aunque no podía ser todo perfecto: la transformación sigue siendo dolorosa y sólo dura 35 minutos, luego el cuerpo corre la "suerte" de explotar en el interior del Tekkaman, por eso cada pelea estaba regulada (y por supuesto, cada vez acercándose más al límite)
Diferencia entre la serie clásica y su continuación, click para agrandar
Los aliados de Takaya: Su hermana Miyuki, espejo del protagonista siempre inclinada hacia la inocencia. La gentileza se le acaba al ver acorralado a Takaya y quedándole poco de vida (por ser una Tekkaman incompleta) decide sobrecargar el cristal para reunir tiempo, explotando su cuerpo.
El grupo Space Knights, fuerza capacitada al mando de la nave "Blue Earth" siendo sus tripulantes más importantes Aki Kisaragi, el interés romántico de Takaya; Noal, uno de los mejores artilleros y pilotos, finalizando con Levin, el mecánico personal de Pegas, quien se siente atraído hacia Takaya y proclama su amor homosexual a los cuatro vientos. En la versión yanquee (cuando no) le cambian el sexo a femenino y su nombre por Maggie.
Missing Link:
Lo ocurrido entre TB y TB II es un Ova de apenas nueve minutos de duración.
Cuando Tekkaman Blade supera sus propios límites, Takaya entra en estado de locura destruyendo todo a su alrededor. Aki se ve forzada a usar sobre ella misma el Tekplant, dándole la fuerza necesaria para calmarlo. Su tipo de Tekkaman obtenido es Red Devil. Por la pérdida de control y lo daños causados, Takaya se siente culpable, por eso se retirará hasta lograr controlar su poder.
Tekkaman Blade II (6 Ovas) En EEUU se la conoció como Teknoman
Siendo salvada por Tekkaman Blade en el pasado, se maravilló con esta tecnología y por error termina manejando al Tekkaman Evel, con un reactor Voltekker muy poderoso. Dos amigos más formarán el trío principal de Tekkamans de la serie (Tekkaman Sommer y Tekkaman Vesner) y junto al reaparecido Takaya y Aki, quien ahora puede transformarse en Red Devil, harán frente a la nueva amenaza.
Dibujo y animacion:
Especial énfasis en los diseños de dibujo de los diferentes mechas, siendo lo más cuidado. Los Tekkamans tienen alguna semejanza a prototipos de Gundam, sobre todo en T.B.II. Esto se debe al creador Yoshinori Sayama, conocido especialmente por los diseños de Patlabor y Cowboy Bebop.
Cada serie supera en animación a la anterior, más que nada en efectos rápidos.
Se entiende la superioridad en cuanto a fluidez y colores claros en los Ovas, debido a la diferencia de años entre la serie, pero más que nada por la corta duración, de tan solo 6 episodios. No se compara con 49 capítulos y menor presupuesto. La animación es mas real y dejan de lado los peinados elaborados de peluquería y por supuesto, los afros, tan comunes a mediados de los 70. Ropas normales renuevan a los trajes "power rangers" de la serie predecedora.
Opinión personal:
La serie "antigua" apenas se consigue, aunque en internet hay algunos videos sueltos.
La crítica de Tekkaman Blade es para la versión yanquee, lamentablemente el papel le fue otorgado al grupo Saban, quien tiene por costumbre idiotizar cualquier anime que caiga en sus manos. Los dialógos fueron cambiados y los nombres "occidentalizados". Tal fue la confusión que en EEUU muchos estaban sorprendidos por lo bizarro de algunas situaciones.
El ejemplo más común era ver a personajes llorando por las terribles muertes que ocurrían, y en la versión doblada los personajes estaban ¡¡riendo!! (¿¿??). Otro fue cambiar el sexo de Levin por su condición de gay, sus dialógos fueron masacrados y agregaron una voz femenina chillona, para crear un/a protagonista "payaso".
Este personaje tendría su revancha con la serie "Tengen Toppa Gurren Lagann", Leeron está inspirado claramente en él, incluso algunos de los diálogos fueron directamente copiados.
La presentación y el ending originales están cambiados por partes pegadas de la serie, al igual que la música de fondo de Kaoru Wana, sustituida por una local.
Después de ver lo ocurrido, cuando se visualiza la versión original (o sea,la japonesa) se entiende todo de maravillas, eso sin mencionar las voces que cumplen su meta.
La crítica hacia la política en general siempre está presente, más que nada por la lentitud de decisiones. Las relaciones y lazos de amistad son realistas, quedando en exposición alianzas, romances, camaraderías, traiciones, etc. Como en toda guerra, no existe mucho el dilema moral, ya sea del bando humano o extraterrestre el objetivo tiene que cumplirse, aún sin importar cuantas vidas o destrozos ocurran.
Para las nuevas generaciones es recomendable los Ovas, pues el estilo antiguo (peinados, personajes, actitud) puede resultar demasiado infantil. Es para ver una vez y pasar un buen rato.
Doblaje:
Algo común entre el staff japonés es que hacen pruebas constantes para los protagonistas, adecuando la voz según el físico, temperamento y comportamiento de cada uno: un hombre robusto no podría tener un tono muy agudo, queda mal. Actualmente se utiliza este sistema para el doblaje al castellano.
Mencionado el anterior mal doblaje estadounidense, sólo queda la versión mexicana que incrementa la calidad de gran manera, aunque los diálogos no fueron cambiados de la parte "rehecha" de Saban y muchas tomas son inentendibles, pero al menos no se ríen cuando explota tu mejor amigo.
Dobladores japoneses: Takaya es interpretado por Toshiyuki Morikawa: Devil May Cry (Dante), Black Lagoon (Mr. Chang), entre otros.
Aki posee la voz de Megumi Hayashibara, conocida por trabajos como Cowboy Bebop (Faye Valentine), Neon Genesis Evangelion (Rei Ayanami, Yui Ikari), Saber Marionette (Lime). Para finalizar, Omega tiene la voz de Nobuo Tobita, que aparece en infinidad de series pero en personajes secundarios. Su protagonismo se da en la voz de Mayor en los Ovas de Hellsing y en el papel del caballero dorado Aries, Shion en Saint Seiya.
Existe tambien un CD Drama (historias grabadas en audio) llamado "Uchû no Kishi Tekkaman Blade II Next Generation 10" que cuentan sucesos posteriores. Estos poseen las voces de los dobladores originales, para que así no se pierda la magia. Si no es suficiente hay una novela gráfica de 250 páginas que se tradujo al inglés.
En resumen: Se puede obviar la serie del 75, que fue otra más de las muchas que salieron en la época. Blade posee grandes mejoras pero guión común, asi que recomiendo los Ovas, mejor calidad de animación y peleas.
Lo mejor: Voces reconocibles japonesas, las luchas y el límite de tiempo. Las evoluciones constantes de los Tekkaman.
Lo peor: La versión "masacrada" por Saban, que hace que no se entiendan muchas cosas
Nombre original: Kagaku Ninjatai Gatchaman
Año: 1972-74
Estudio: Tatsunoko Production
Género: Acción, fantasía
Categoría: Anime, Shônen
Nº episodios: 105 en Japón (85 en Occidente)
Fuerza G, Guardianes del espacio
Clásico con el mismo argumento trillado: Un pequeño grupo con trajes que dan habilidades especiales de vuelo, que se enfrentaban contra las invasiones extraterrestres manejadas por el malvado Galactor. De nuevo, otra serie que estuvo dividida en 3, haciéndose incomprensible cuando las mezclaban.
Primera versión: Gatchaman. El original de 105 episodios se transmitió en Japón en 1972. Como todo producto de éxito, tuvo dos secuelas: Gatchaman II y Fighters. Un pequeño dato de wiki: a finales de los 90, Saban (compañía reconocida por destrozar series) compró los derechos y la unió en una sola, los "malos" supuestamente eran androides (pero se olvidaron de borrar la sangre de los robots). Esta versión es la más masacrada de todas, incluyendo los nombres. Fue conocida como Eagle Raiders o Comando Águila. No sobran los insultos para la companía, hasta el doblaje parece risible. Una pequeña mancha para la franquicia Gatchaman.
Segunda versión: la batalla de los planetas: El grupo de los cinco "aves-humanos" unen sus fuerzas contra los invasores del planeta Spectra, que amenazan la paz de los Planetas Aliados. No muestran la invención de la famosa nave Fénix.
Poseedora de un doblaje muy pasable para la época. Si bien el opening es recordado por muchos, más que nada por la voces del grupo Parchís (tonos agudos e infantiles, que desacreditaban la trama de la serie). Además de cambiar los nombres: "Tiny, Keyop, Jason, Mark y Princesa lucharan...". En España sólo pasaron 59 de los 85 episodios originales, aunque nunca se supo la razón. Salvo para los que la vieron originalmente, se recomienda pasarla por alto.
Con todo esto, se llega a la versión más conocida: Fuerza G, o Comando G en España (Año 1986) Galactor era el líder de los extraterrestres invasores, aunque él era un humano modificado. Lo enfrentaban el grupo de estudiantes del profesor Kozaburo Nambu (Mente Brillante, como lo tradujeron) quienes utilizaban trajes diseñados para técnicas de vuelo (águila, halcón, búho, etc.). Además de saber luchar, cada uno poseía un arma propia, ya fuera un boomerang o una pistola. También les era proporcionado vehículos de combate, siendo el mejor (y el más utilizado) la nave Fénix. Cuando la Fuerza G llega al laboratorio de Galactor, éste se dispone a chantajear al mundo con sus bombas nucleares, al crear cataclismos naturales, pero Computor, el malvado supremo jefe detrás de las sombras, tiene otros planes...
La continuación fue Gatchaman II. Aunque las mismas tuvieron éxito, empezaban a otorgarle poderes a los protagonistas (el hypershoot, que desgastaba al poseedor del mismo) haciéndolos ya menos creíbles. Los malos no poseían el "espíritu" de los anteriores, por lo que se decidió sacar algunos capítulos y adelantar su finalización. En Fuerza G no se sabían las razones para la conquista de la Tierra, hasta los últimos episodios, Todo lo contrario en "la batalla..." donde desde el principio el Imperio Spectra requería los recursos naturales del planeta.
Diseño: Son los mismos episodios de la serie original (1972), pero retocaron los gráficos, los personajes poseen más colores y fluidez. También, al estilo Mazinger, los edificios no duraban cinco minutos por el malhechor del capítulo, y las explosiones eran demasiado frecuentes (estas secuencias se repetían y para el fan acérrimo, no le costaba saber de donde comenzaría el fuego y su detonación). Cada tanto en youtube aparece un documental sobre como se diseñaron los personajes, aunque donde pusieron todo fue en los vehículos. Ni los robots androides de Galactor tuvieron tanto tiempo en producción en comparación con estos. Con nombrar a Hisayuki Toriumi en dirección, uno se hace la idea de los mechas de Tekkaman Blade.Opinión personal: King Features Enterteiment fue el encargado de adquirir los derechos de la primera versión, algo muy a favor pues era líder en esa época, significando más llegada a diversos lugares. Aunque sacaron 20 episodios, todo hay que decirlo, resultando en un gran error porque ¡¡no muestran el final de la lucha contra Galactor!! (que detallaré más adelante). Una falta de respeto colosal para los seguidores. Un personaje muy cuidado es el mencionado Galactor, que no duda en mandar a la muerte a cualquiera con tal de conseguir sus objetivos, nada de medias tintas, es un malo-malo, como en los viejos tiempos. Algo que remarcar es la constante muerte de personajes secundarios, y prepárense también para la ida de uno de los principales, que por supuesto ocurre en los cap. finales. La continuación estaba ya entre manos (que sería Gatchaman II), por lo que se decidió revivirlo y darle partes cyborgs en sus heridas. Cambian el tema del opening japonés, que en el original tienen 2 versiones; sin embargo no es malo (algo que es rarísimo). Si pueden escuchar las dos partes japonesas, mejor. La versión estadounidense es muy pasable, posee un instrumental con trompetas, violín y una batería que se repite. La contra es que lo repiten como ending.
Atención: spoilers, el verdadero final, que sería el cap.105, acá pusieron hasta el cap 85, denominado "Trampa mortal".
Cap 105 El fin de la Tierra: 0002Dirk (G2), sabiendo que su condición es cada vez más crítica (por tener metralla en la cabeza), y con menos de un mes de vida, se esfuerza por encontrar las bases de Galactor, y vengar a sus padres. Los demás integrantes, notando la desaparición van en su busca, llegando a una isla volcánica. Galactor, quien chantajea al mundo con las bombas nucleares, empieza a detonarlas en diferentes zonas para crear cataclismos naturales. Aunque Computor, su jefe, pronto lo traiciona y activa la secuencia automática para todos los misiles...al mismo tiempo.
Galactor, abandonado y sin poder cumplir su sueño (ser un humano normal) se vuelve loco, arrojándose a la lava ardiente de las profundidades. Ace decide para la máquina con su cuerpo, pero Agatha lo detiene, ya que no quiere perderlo. Con el tiempo justo, una pluma de Dirk, que había arrojado a Galactor, se traba en el mecanismo, haciendo fallar los engranajes. Todo el interior empieza a explotar, y los misiles caen el abismo.Escapando los cuatro integrantes de la base, Dirk esperaba afuera, casi sin fuerzas, se enteran de la muerte de éste, quien supuestamente murió aplastado cuando todo explotó.
La serie finaliza con el Doctor Mente brillante, que se dirige a los periodistas para aclarar que todo ya terminó, y que la Fuerza G seguirá manteniéndose a flote. Mientras, se ve la nave Fénix sobrevolando la ciudad. Como dije anteriormente, Dirk sería una especie de Vegeta (Dragon Ball Z), el antihéroe necesario para toda serie que se precie. Así que en Gatchaman II, un amigo del doctor lo revive, y ahora posee diversas partes cyborgs dentro de su cuerpo, además de la curación a la cabeza. Así volvían los cinco integrantes para nuevas misiones.
Problemas que causaban los canales: Hasta muy adelante, los yanquis no adquirieron los derechos, por el "supuesto" grado de violencia, además de la vestimenta de Agatha (una minifalda!! oooohhh que cooosa).El lío de mezclas se dio porque se doblaron el mismo número de episodios que "La batalla de los planetas", o sea, 85 y junto al hecho de pasarlas muchas veces juntas, se creaba una atmósfera bastante rara. Para diferenciarlas, basta con sólo ver que en ésta última, todos los episodios ocurren en la Tierra. En la otra serie, la acción se traslada en distintos planetas, además de ser acompañados por un robot muy parecido a "R2D2", de Star Wars.
Doblaje en español: Impresionante, y eso que siempre se prefiere las voces originales. Por citar algunos de renombre: Dirk posee la voz de José L.Orozco (Blueseed, Bleach, Naruto, Inuyasha)Agatha es interpretada por Anabel Méndez (trabajó en Sailor Moon, Los Simpsons) y por Elsa Covián (Cereza en Saber Marionette, Oliver Atom en Captain Tsubasa, Faye Valentine en Cowboy Bebop) No nos olvidemos de Galactor, con la voz de Eduardo Borja (además de Iván Drago en Rocky IV, 5 o 6 personajes de los Simpsons, y Dohko de Libra, el anciano maestro de los 5 picos en Saint Seiya).
Lo último realizado:
Las cinco estrellas del águila: película que resume lo ocurrido entre las series Gatchmanan II y Fighters.
Las cinco estrellas del águila: película que resume lo ocurrido entre las series Gatchmanan II y Fighters.
Los Ovas, Gatchaman 1994: Se produjeron 3, con gran presupuesto en el dibujo. Con nuevos trajes y armas, posee una notable mejora visual, salvo las caras de los personajes, que son deprimentes (más para el que tiene un recuerdo de la serie).
La película: Meros rumores, han estado postergando tanto tiempo que dudo incluso de la existencia. Que a mediados del 2009, a principios del 2011, blablabla nada en concreto.
Resumiendo: Una serie remasterizada de 1972, con trama nada original, pero adictiva por las luchas y la música.
Lo mejor: La acción, que hay en todos los capítulos. El villano Galactor.
Lo peor: La falta de algunos capítulos en Occidente.
Esta obra, aunque siempre se la titula como seinen, en el catálogo "real" sería un shonen adulto.
Nombre de las obras: Sky High: 2 tomos SH Karma: 2 tomos SH ShinShou: 4 tomos Autor: Tsutomu Takahashi Categoría: seinen liviano Género: terror, sobrenatural
Sinopsis: Ambientada en el mundo real, muestra los sucesos ocurridos luego de una muerte violenta; ésta puede ser a causa de un accidente ó, en el común de los casos, asesinatos. Con una neblina de fondo, la persona fallecida llega a un Tori (el clásico arco japonés, generalmente se los ve en santuarios) donde es recibido por Izuko, una shinigami de aspecto humano, quién dará a elegir 3 opciones: *Aceptar la muerte, e ir al paraíso para esperar una reencarnación terrenal. *Quedarse en la Tierra, como un fantasma, vagando eternamente ó... *Volver para castigar al criminal responsable de su desgracia... aunque esto tiene un precio muy alto, pues el camino final es el infierno, sin posibilidades de reencarnación.
¿Cuál sería tu opción?
Estilo de dibujo: Los primeros capítulos poseen un estilo sucio, mostrándonos fondos no tan elaborados, ya que la mayor parte ocurre en el citado Tori. Con el paso de las historias esto cambia, pero no se puede visualizar una mejoría notable, por lo corto de la obra. Se puede "palpar" la terrible decision que uno debe elegir, entiéndase en el tercer caso especialmente: ¿vale la pena vengarse, para condenarse uno eternamente?. Las diferentes historias nos muestran el pasado de "los muertos" y lo que ocurre en la actualidad sin la presencia de ellos, mostrándonos cual será la opción escogida, y las razones. 
Opinión personal: No esperen un shinigami al estilo Kuchiki Rukia (Bleach), o Ryuk (Death Note). Izuko apenas mostrará emociones a lo largo de la obra, sólo haciendo su trabajo y recomendando a los personajes cual camino elegir, pero dejando la decisión final a éstos. Son mostradas las distintas facetas de los sobrevivientes: querían al que murió, lo envidiaban, ayudaban sin su conocimiento o al revés, fueron los autores intelectuales de los asesinatos. Si son muy perversos, es claro: sufrirán de una manera atroz, manteniendo el vilo para ver el final.
La contra de Sky High es la falta del pasado de Izuko, y hay que prestar mucha atención para enterarnos más cosas, tarea difícil si la traducción no es buena. Observé que en la versión inglesa incluso sacaron algunas páginas (por supus, cuando no, los desnudos) e intercambiaron algunos diálogos, tuve que buscar bastante hasta hallar algo "decente". Las traducciones españolas, aunque tardías, cambiaron esto, muchos editándolo directamente del japonés, lo cual se agradece. La edición que utilizo Glénat, más que adecuada.
Hay dos series cortas de televisión, con un live action inclusive, pero no puedo opinar sobre los mismos por la falta de conocimiento.
Sobre el autor, Tsutomu Takahashi: Nacido en 1965, puede que muchos seinen-adictos les resulte particularmente conocido, más que nada por su obra cumbre: Jiraishin. El protagonista, Kyouya es uno de los mejores detectives conocidos, pero tiene un temperamento asqueroso, haciéndo cualquier cosa por resolver los casos asignados. Esta es su obra más seinen hasta el momento.
“El único camino para aquellos surgidos del caos de la oscuridad, es la oscuridad misma”
Una frase que explica muy bien los sentimientos de nuestros protagonistas y nos sirven para no perder el hilo de una historia rocambolesca, donde no faltan shinigamis, espíritus, fantasmas y demás seres fantásticos que nos trasladarán al mundo de las Ilusiones, en completo caos desde que la tecnología se ha afianzado en el mundo humano.
Nombre original: Yami No matsuei 闇の末裔
Autor: Yoko Matsushita
Género: Misterio, magia
Categoría: Yaoi
Año: 2005
Nº Tomos: 12
Asato Tsuzuki, un shinigami empleado del ministerio de los Diez Reyes del Más Allá, debe partir a Nagasaki para investigar una serie de asesinatos que han sido bautizados con el nombre de “el asunto Drácula”. Allí conoce a su nuevo compañero, Hisoka Kurosaki, que oculta un trágico pasado; sospechan que la asesina es Maria Wong, una famosa cantante llegada de Hong Kong. El único problema es que según sus archivos, Maria debería estar muerta.
Es el único trabajo conocido de Matsushita, que no ha editado nada más ni colaborado con nadie; no sabemos si tiene otros proyectos ni intención de continuar con su carrera.
La serialización de Yami No Matsuei (Hijos de la Oscuridad) apareció en la revista Hana To Yume hacia el año 1997; lo he clasificado como yaoi por la evidente atracción que hay entre los protagonistas masculinos, pero podría bien clasificarse como shôjo, por las facciones afeminadas de sus diseños masculinos o como shonen ai por los amoríos homosexuales, aunque no dejéis que esto os frene para leerlo, ya que no son nada explícitos.
Los templos dibujados son impresionantes, muy detallistas, al igual que los paisajes que cuando aparecen, eclipsan hasta a los personajes.
El Mundo de la Ilusión, plasmado con todo tipo de figurantes, cuyas puertas guardan los guerreros Tênku, nos acercan a la mitología de los guardianes del mundo oriental: Suzaku (representado como una fémina, cuando no es el fénix rojo), Biakko (el tigre blanco que se transforma en un humano peculiar), Sôryu (o Siriyu, el dragón azul, cuya forma humana es un chico envuelto en un precioso kimono) y Genbu (el que menos sale en el relato, imaginamos que al ser una tortuga negra, daba poco juego) y los llamados dioses inferiores, como la serpiente Tôda, que en su forma humana, es un adolescente con una visera negra que no deja ver sus ojos.
El diseño de los personajes, recuerda bastante a los de Mayu Shinjo, pero mejor proporcionados.
Prácticamente todas las páginas están entintadas en negro, a excepción de algunos pensamientos de los protagonistas o el ya mencionado Mundo de la Ilusión, donde las flores y unas pinceladas más suaves, restan angustia al lector, ya que la oscuridad, es la verdadera protagonista de este relato.
El mundo de la Ilusión
La editorial Glénat vuelve a editar esta saga, modificando el precio.
Hijos de la oscuridad es el título en español, pero se mantuvo el japonés, tal vez porque lo extranjero siempre vende más; al margen de si deberían traducirlo o no, es un relato impactante.
Clonaciones, experimentos con la mente y la oscuridad en que está envuelto todo, harán que nos replanteemos nuestros temores y analicemos la evolución de la especie humana.
Las diferencias entre la publicación en Hana to Yume y el tankoubon, empiezan en la madre del doctor Matsuki, muy importante en la revista y desaparecida en el manga, salvo alguna pequeña mención. La misma autora comenta que a pesar de ser un personaje muy interesante, la historia se le empezó a ir por otros derroteros.
Sangre, parricidio, almas que se escapan, todo tiene cabida en este relato que se frena por el hecho de que casi todos los protagonistas sean masculinos (aunque algunos son muy femeninos físicamente) y sienten atracción entre ellos; la homosexualidad, aunque presente, no empaña la trama. Diría que incluso le puede añadir un punto de comicidad: hombres buscando un destino, huyendo de la oscuridad de su existencia, cuyos sentimientos y deseos son el motor de sus vidas, ya sea para vengarse o para crecer como personas.
En resumen: un relato estremecedor que si no os gusta el yaoi, dejaréis escapar.
Lo mejor: una gran historia, salpicada con sangre y regada con sentimientos.
Lo peor: las dosis de homosexualidad, son bastante exageradas.
Nombre original: (Dokutā Suranpu - Dr. スランプ)
Autor: Akira Toriyama
Categoría: Shonen
Género: Comedia, fantasía
Publicación del manga: 1980-1985
Nº de tomos: 18 tankoubons
Anime 1ª temp.: Dr. Slump & Arale chan
Dirección Minoru Okazaki - Shigeyasu Yamauchi
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1981-1986
Episodios: 243
Anime 2ª temporada
Dirección Minoru Okazaki
Estudio: Toei Animation
Emitido: 1997-1999
Episodios: 74
Sumérjase en Villa Pingüino, lugar donde viven el profesor Senbei Norimaki y su reciente creación: Arale, un robot con forma de una chica de primaria que cambiará la forma de vivir de todo el pueblo. ¿Sentido común? ¿lógica? nada de eso, sólo aventuras y muchas risas...
Estilo de dibujo: Debido a la comedia constante, los personajes no poseen un formato corriente, alternando entre el dibujo normal y superdeformed entre las páginas. Todavía conserva las formas redondeadas en la mayor parte de la gente del poblado, más adelante, las obras poseerían trazos "rectos" y adultos. Mejoramiento gradual con los fondos, con detalles entintados y mayor uso de tramas grises, notándose a la mitad de los tomos el estilo definitivo que usan hasta el cierre del título. Mención especial a los cuerpos de la mayoría: una desproporción (algunas veces exagerada) entre la cabeza y el torso para acentuar el estilo cómico.
Del papel a la pantalla: Un año después del inicio del manga se daría el traspaso hacia la tv, con un muy buen pasaje en cuanto a diseños de dibujo, ya que la ventas de los tankoubon ameritaban el éxito. Si bien hay capítulos de relleno, la correcta distribución de los episodios logró que se crearan más de 240 capítulos, además de las películas. Luego de cinco años, Akira deseaba ilustrar las aventuras de un "niño mono", con lo que finalizaría las correrías de Arale tras 5 años ininterrumpidos.
Doblaje: Kenji Utsumi pone sus cuerdas vocales al profesor Senbei Norimaki, este seiyu ha trabajado en más de 100 títulos de anime, siendo reconocido principalmente por Shen Long (Dragon Ball Z) y Alex Louis Armstrong (Full Metal Alchemist). Arale está interpretada por Mami Koyama, Balalaika en Black Lagoon, Miki en City Hunter, por nombrar algunos trabajos. Tessho Genda sería la voz de Suppaman, un seiyu secundario muy valorado en el ambiente, voz de Rei en Urutsei Yatsura, Optimus Primus en varias temporadas de Transformers y Aldebaran en Saint Seiya. Increíblemente hay una gran variedad de traducciones, debido más que nada a la autonomía de los canales españoles, encontrándonos diferentes voces según el canal valenciano, catalán, vasco, gallego. También la hubo en español neutro, para latinoamérica utilizarían seiyüs mexicanos.
En los 243 episodios sólo descubriremos dos openings "Waiwai World" (Ado Mizumori y Koorogi 73) y "Waiwai Koushinkyoku" de Mami Koyama, además de 3 endings de los mismos autores y el último producido por Mitsuko Horie.Ado Mizumori, mejor conocida en Oriente como "Ado Chan", además de cantante es una famosa ilustradora de los años 70. Koorogi 73 fue un grupo de j-pop conocido principalmente por sus aportes a las versiones de "Kamen Ryder". Con 12 años, Mitsuko Horie tendría su primera canción hacia el mundo del anime con "Judo Boy", seguiría con títulos shôjos como "Ashita e Atakku" y "Candy Candy", pero popularmente quedaría como seiyü de Sailor Galaxia (Sailor Moon) e Hilda Polaris (Saint Seiya, saga Asgard).
El regreso de Arale: Tras el final de Dragon Ball GT, ya no había nada nuevo de Toriyama que ofrecer, y estando la franja de horario muy peleada se decidió reciclar otro trabajo del autor; así, con nueva animación y mucha publicidad, se estrenaba la que sería una renovada temporada de "Dr Slump". Por desgracia, la contra eran los nuevos desafíos de Arale, un refrito de la serie homónima de principios de los 80. Aunque los dibujos eran más brillantes y limpios, no cubrió las expectativas que se esperaban para una franja horaria, siendo retirado con 74 episodios.
Doblaje: Esta vez el rol de Senbei recae en Yuusaku Yara, quien también trabajó en Saint Seiya como Thor en la saga de Odín, Borgoff (Vampire Hunter D). La robótica creación, Arale, es demandada por Taeko Kawata (Suzu Fujibayashi en Tales of Phantasia, Yuki en Rurouni Kenshin).
Opinión personal: Hablar de Toriyama es decir "Goku, Vegeta, Gohan y las esferas del dragón", pero ¡sorpresa! muchísimos dibujantes tienen su fama luego de mezclar y reciclar a personajes anteriores. Si alguna vez se preguntaron de donde provenía el luchador "Mr Satán", ya pueden adivinar la respuesta: sus facciones y mucho de su carácter explosivo deviene del profesor Sembei Norimaki, el maestro mecánico por excelencia.
Aunque Toriyama pensaba darle el protagonismo a él mientras narraba sus desventuras, terminó siendo Arale la estrella indiscutida. Puu, Roshi y Krilin son "residuos" de Dr Slump, algunos casi calcados.
¿El porqué del éxito? los capítulos del papel eran autoconcluyentes, no había una trama profunda, se contaban solamente las peripecias que sufría el genio debido a su robótica creación femenina, y el humor constante. La ingenuidad de Arale era otro factor decisivo, ya que ésta no medía su increíble fuerza, muy torpe y proclive a no mostrarse como una niña de (supuestamente) 12 años. Todo esto con un condimento extra: Norimaki no quería que se supiera la condición androide de Arale, tarea difícil cuando no para de sacarse la cabeza de lugar y pedir aceite como desayuno.
Con la comedia como sello indiscutido (hasta la aparición de la "etapa Z") sus títulos mostraban trazos de dibujo nuevo para aquellos años. Si bien Dr Slump fue un boom en todos los sentidos, el pasaje hacia la televisión de Dragon Ball se convertiría en su legado, siendo señalado como uno de los shônen más influenciables en la historia del anime. Cuando Goku creció, las peleas fueron incrementándose y el humor se correría a un segundo plano; con el fin de la saga de Boo, Toriyama intentó volver a los gags payasescos de sus inicios con Go Go Ackman, Kajika, Cowa!, aunque debió plasmarlo solamente en el papel, ya que su nombre quedaría vinculado para siempre con el guerrero saiyajin. Finalmente se dedicaría a diseñar personajes para muchas plataformas de videojuegos (el más reconocido es Chrono Trigger). Su último trabajo hasta la actualidad fue el diseño de los protagonistas para Blue Dragon, y la supervisación de la remake de DB Kai.
Las parodias se sucedían con normalidad, en Villa Pingüino no existe la lógica y el sentido común, esto fue otro acierto para no limitarse con las exageraciones que tienen los diferentes hombres y mujeres dentro de la obra.
Referencias a clásicos y a todo lo que acontecía en aquellos años, seguro se encontraba en algún capítulo del manga: Astroboy, Macross, Superman, los autos locos, King Kong, diferentes clases de mafiosos, Star Wars, Clint Eastwood, Frankestein...todo en 18 tankoubon. (separados en 40 en la edición española).
El autor no pretende dar un mensaje ya sea filosófico, político o similar, le basta con sacar unas risas a los espectadores, el guión sólo se basa en chistes corrientes en donde se parodia hasta a sí mismo, incluyéndose como un personaje más. El anime es recomendable para los chicos por lo absurdo, aunque no llega a kodomo, está destinado principalmente a esa franja.
En resumen: Un título para ver los comienzos humorísticos del creador de Dragon Ball Z.
Lo mejor: Gags efectivos, los malhechores que se cruzan con Arale.
Lo peor: Cierta repetimiento con el correr de los tomos.
¿Quién no recuerda las series de su infancia como Pokémon o Digimon, donde los jóvenes luchaban acompañados de unas entrañables criaturas con poderes sobrenaturales? Gran parte de la nostalgia y poder de esas series ha residido en el cómo nos llegaban las historias de esos niños que compartían nuestra edad y pasiones, vivían aventuras y salvaban al mundo una y otra vez de su destrucción. Aquellas historias nos han acompañado a muchos, y no son pocos los que desearían que esas series hubieran crecido con ellos.
Hasta que llega Mohiro Kitoh y te hace Narutaru.
| Ya no quiero un pokémon
Shiina Tamai es una chica con fuerza de sobra para comerse el mundo que disfruta de unas alegres vacaciones con su familia y sus amigos. Jugando, descubre un día una extraña criatura bajo el mar que parece estar llamándola: un ser con forma de estrella de cinco puntas. Este animal resulta ser un dragonet: unas criaturas que sirven a la gente con la que están ligados. Shiina no tardará en descubrir que no es la única con un dragonet, y que aquellos que tienen uno no pretenden exactamente luchar contra las fuerzas del mal... Narutaru supone una inmersión en el género de la deconstrucción, donde se analizan las premisas para mostrar las consecuencias de una perspectiva más adulta. La forma más sencilla de describir Narutaru sería decir que es Digimon para adultos, y en cierto sentido es una descripción justa: la serie muestra las luchas de una joven contra un entorno agresivo, y se centra mucho en sus pensamientos e ideas. | ||||||||||||||||||
El desarrollo de personajes y el poder emocional son dos pilares muy importantes en Narutaru, y sus personajes se muestran lentamente para pasar de ser estereotipos a ser personas con traumas, gente que intenta ocultarse del mundo tras una máscara para no sufrir o almas en pena que han decidido vengarse de todos. Narutaru hace trizas el concepto de que lu
char al lado de una criatura con poderes sobrenaturales está bien y nos muestra el brutal impacto psicológico que supone para la gente tener semejante poder en sus manos. Suficiente como para decidir el futuro de la humanidad...
Juzgar en Narutaru es difícil. Todos los personajes tienen motivaciones reales para querer cumplir sus objetivos, y la línea que diferencia el bien y el mal se difumina lentamente mientras los destinos de todos los personajes se van sellando. Quien antes era un monstruo se revela como una persona que ha sufrido tanto que al final no ha tenido otro remedio que estallar, y los motivos que impulsan a los personajes a seguir acaba siendo la inercia creciente de las catástrofes que suceden a su alrededor. Porque las preguntas que plantea Kitoh esta vez no son tan fáciles de responder.
¿Cómo reaccionarías si te vieses con la carga de un dragonet?
¿Lucharías por una causa que ves perdida?
¿Someterías al mundo a tu poder?
¿Te vengarías de aquellos que te hicieron daño?
La madurez y la moral son temas que el manga no deja de tocar, y representa perfectamente lo que Narutaru supone: el paso del shônen al seinen, de la juventud a la madurez. Ahora tú guiarás tus pasos y no tendrás a nadie que te diga si haces bien o mal, si ayuda
s o maltratas. Tú eres tu propio juez.
Kitoh disfruta reflejando el sufrimiento de los personajes mientras recorren el arduo camino que les impone, y retrata su historia con la fuerza de un drama urbano. Podero
sa y distinta, rompedora y atrayente, misteriosa y violenta... Narutaru posee todos los in
gredientes para enamorar a los que se pasen por sus páginas. A aquellos que disfruten con el seinen adorarán el tratamiento que Kitoh da a la historia y sus personajes, y los que busquen avanzar al género encontrarán un magnífico exponente de lo que realmente supone hacer un manga para adultos. Narutaru es un referente y un dolor, una obra cumbre y una historia traumática.
La evolución, en más de un sentido.
En resumen: Un seinen duro y emocionalmente poderoso, con una historia fascinante y unos personajes magníficamente construidos.
Lo mejor: La historia y los personajes, una brutal deconstrucción del género.
Lo peor: El estilo de dibujo puede no convencer a algunos. No gustará si lo que se busca es acción y épica.
La canción de Ariadna
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¿Qué debe tener un relato para que las escuelas lo consideren de obligada lectura?
Tras esta frase, nos vienen a la mente “El Quijote” o “El guardián entre el centeno”; pues no. Tres escuelas sevillanas han considerado “La canción de Ariadna” como una de esas historias que hay que conocer, siendo obligatoria su lectura.
Sepamos porqué.
Nombre original: La canción de Ariadna
Autor: Irene Roga
Género: Aventuras, romanticismo
Categoría: Shôjo
Nº de tomos: 1
Año: 2011
Ariadna es la princesa heredera de Athamenia y única hija del rey Kreios.
Su padre que enviudó muchos años atrás, contrae matrimonio con una hermosa y misteriosa mujer. Ariadna que se prometió en secreto con el príncipe Órelan, heredero del reino de Bathmos, comienza a ver sucesos extraños alrededor de su madrastra, que parece ocultar algo.
Pronto, su apacible vida se convierte en una pesadilla cuando su padre le anuncia que ha acordado su matrimonio con Iacos, primogénito del maléfico rey Phrixos, en cuyo reino adoran a la Gorgona Esteno. Pero es algo más que un simple desposorio lo que amenaza a Ariadna y a su amado reino de Athamenia…
Irene Roga (Irene Rodríguez) es una artista autodidacta; publicó su primer cómic profesional en el año 2001 en los dos únicos números que salieron de la revista Yaoi Magazine. Desde entonces ha llovido mucho y tras presentarse a varios concursos de historieta (que ganó en 2003 en el Salón del manga de Jerez y en 2007 en el XIII concurso de cómic de Dos Hermanas) en 2008 publica dos historietas cortas en la revista La Parada Magazine. En 2009 sale a la luz “Ruta por Japón” en cuatro entregas.
Al ver la portada, no podemos evitar comparar en dibujo con el manga “Saint Seiya” (Los caballeros del Zodíaco) de la cual es fan declarada y del que parece haber bebido la esencia; Órelan tiene un ligero parecido a Seiya y Ariadna, recuerda en sus delicadas líneas a la diosa Atenea, no en vano, dibujó a aori en un doujinshi sobre un personaje creado por ella para esa misma serie.
El resto de personajes, así como las vestimentas y los fondos, salen de su imaginación, pero con truco: sin llegar a ser histórico, las bases que cimientan ese lugar llamado Athanemia, están cogidas de la antigua Grecia, igual que los diseños del ropaje y las leyendas que enfrentan gorgonas y demás deidades. La Gorgona Esteno posee una belleza fría, que se torna fealdad al enfadarse.
Al final del tomo, tenemos una extensa explicación de sus diseños, en qué se ha inspirado, que ha copiado y de dónde salen los nombres de los personajes; como ya es tradición, cierra el tomo una galería de fan-arts de otros artistas (especialmente compañeros de la línea Gaijin) en los cuales expresan su forma de ver a los personajes de “La canción de Ariadna”.
La palabra Gorgona quiere decir “terrible” en griego y cuenta la leyenda, que pese a ser consideradas deidades, tenían tanto poder que petrificaban a quien osara mirarlas.
Sin duda es una historia con mucho gancho, a lo Romeo y Julieta: un amor prohibido y matrimonios concertados y/o de conveniencia, era lo más usual hasta no hace mucho tiempo. El descubrimiento de los sentimientos y su valor, es algo relativamente nuevo (hasta no hace tanto, los reyes se casaban con princesas preparadas para ser reinas y no por amor a una plebeya…) de lo cual se nutren los shôjos más conocidos.
Un relato con mucho de una famosa leyenda, con nombres conocidos (Atenea, la Gorgona Esteno, la misma Ariadna) y aunque empieza con un canto de Apolo, Ariadna tiene su propia canción y una leyenda que deja un final a elección: o murió en la isla de Nexus después de dar a luz, mientras esperaba aTeseo, o bien lo olvidó y fue feliz junto a Dionisos, que la llevó al Olimpo. Con esta ambigüedad, juega la autora de este manga, para que sigamos su relación con el príncipe Órelan (muy curioso de dónde sacó el nombre…) y la maldición que los acompaña.
Un SHÔJO con mayúsculas, al que no le falta detalle y en el que el dibujo sí es una parte importante para adornar el relato. Maldad contra bondad; belleza versus fealdad. Amor frente a odio, en definitiva, el pan de cada día, salpicado con reminiscencias antiguas y su toque de fantasía, que lo hacen más atractivo si ello es posible.
En resumen: no se lo puede perder nadie a quien le guste una buena historia de amor.
Lo mejor: el espléndido dibujo.
Lo peor: habrá que esperar ese posible spin off de algún personaje
secundario, para esclarecer algunos detalles.
Nombre original: Kacho-Oji (The Legend of Black Heaven)
Director: Yasuhito Kikuchi
Estudio: AIC
Categoría: shônen
Género: ciencia ficción, música, comedia
Nº de episodios: 13
Año: 1999
Han pasado 15 años desde que Oji Tanaka dejó de ser "Gabriel", líder del grupo de rock "Black Heaven", ahora es un oficinista amargado y cansado de la rutina diaria. Todo cambiará cuando una hermosa extraterrestre llamada Layla le otorgue una guitarra Flying V, pidiéndole que toque para salvar a la Tierra de una inminente invasión.Comedias, peleas espaciales, triángulos amorosos y mucho rock en un combo de 13 episodios.
"La guitarra como instrumento de defensa"
Estilo de dibujo:
Un punto flojo, los ataques de los invasores extraterrestres parecen calcados de otras series anteriores, y la repetición de secuencias puede echar atrás a más de uno. Sin embargo, los efectos de computadora son bastante definidos, sin exageraciones. La presentación puede dar una idea equivocada de lo que nos espera, ya que no es una obra cyberpunk, ni con secuencias de locura, pareciendo un trabajo experimental.
El diseño de personajes varía: Oji, el protagonista, no es agraciado ni elegante, incluso da la sensación de estar siempre cansado y estresado; esto fue hecho a propósito, para ver las diferencias con quienes lo acompañarían a lo largo de los episodios, preferentemente a la bien dibujada Layla Yuki, siempre sexy y con trazos bien estilizados.
Escasez de elementos de fondos, suplantados por los detalles que portan los personajes y haciendo a éstos más importantes que el ambiente que los rodea.
Siendo un anime "musical", lo mejor definido son los instrumentos, estudiados minuciosamente con los originales
"El sonido de tus canciones pueden cambiar el curso de la Tierra"
Banda sonora, doblaje: Si bien cada capítulo posee el título de alguna canción famosa ("Get Off of My Cloud" de los Rolling Stones; "Sweet Emotion" de Aerosmith, por nombras algunas) no esperen escuchar dichas melodías en versiones completas, ya que salvando la muy buena (pero repetitiva) "Cautionary Warning", que es la misma canción del opening, las demás juegan un papel secundario mientras el grupo practica, una pena porque muchas son maravillas para los oídos. El ritmo alterna entre rock, metal, pop y un poco de blues, con instrumentos de todo tipo: además de la omnipresente guitarra eléctrica, hallaremos baterías, teclados, bajos, violines, sintetizadores e incluso xilófonos.
Oji Tanaka es interpretado por Kouji Ishii, ya hizo otros trabajos como Kimura sensei (Azumanga Daioh), Lord Montague (Romeo x Juliet) y varios papeles secundarios.Miho Yamada pone su voz a Layla Yuki, siendo su primer "protagónico" al no dedicarse de lleno al anime. Es conocida por ser Edith Foss en "Yukikaze". Yoshiko Tanaka, la esposa de Oji, tiene la voz de la seiyû Kae Araki, siendo la más experimentada en el plano de doblajes. Es famosa principalmente por su papel de Chibiusa (Sailor Moon), aunque ha realizado varios doblajes, tales como "Kari" Kamiya (Digimon), Miaka Yuuki (Fushigi Yūgi) y Mimi Yoshioka (Lovely Complex), por mencionar algunos.
"Toca por instinto, disfruta tus melodías"
Opinión personal: Conocía al Studio AIC por trabajos clásicos como "The Hakkenden", los Ovas de Ah Megamisama (Oh mi Diosa), las comedias Photon, Burn Up! y Nyan Koi, entre otros. Sabía que es un grupo que siempre ha tomado riesgos, pero este título finalmente me dejaría un sabor agridulce: algunos elementos buenos no conbinaban con otras falencias.
El dibujo no destacaba en demasía, por no decir que los efectos "sorpresa" no llegaban a cubrir la corta duración de la serie, de tan solo 13 episodios. A pesar de la frustación, seguí hasta el capítulo cinco, donde la trama daría el empujón necesario para mantenerme atado al sillón. Además, la música era un factor importante, pero hay que aclarar que el guión parece una copia de Macross, donde los sentimientos de los integrantes de la banda son más fuertes que las canciones salidas de sus instrumentos. Los fondos y luces del escenario están bien recreados, aunque algo vacíos.
El dibujo no destacaba en demasía, por no decir que los efectos "sorpresa" no llegaban a cubrir la corta duración de la serie, de tan solo 13 episodios. A pesar de la frustación, seguí hasta el capítulo cinco, donde la trama daría el empujón necesario para mantenerme atado al sillón. Además, la música era un factor importante, pero hay que aclarar que el guión parece una copia de Macross, donde los sentimientos de los integrantes de la banda son más fuertes que las canciones salidas de sus instrumentos. Los fondos y luces del escenario están bien recreados, aunque algo vacíos.
Algo esperable es la mención de grandes bandas, con referencias constantes a compositores de todos los estilos, pudiendo encontrarse citas a Frank Zappa, Brian May, Eric Clapton, etc, quizás puede ser una contra ya que los que no les interese el rock no se sentirán identificados, pero les aseguro que los "guiños" son adecuados para el formato de la serie. Una obra para recomendar a quienes desean algo distinto, pero no esperen una moraleja final filosófica, es algo para disfrutar mientras tenemos los parlantes altos.
En resumen: Propuesta diferente al género de ciencia ficción, si se perdonan algunas fallas en el dibujo, se puede ver en un fin de semana. Lo mejor: Música pegadiza, guión que sale bien parado. Lo peor: Pocos temas, lento al principio.
Blood: The Last Vampire (Life Action)
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Cuando se supo que Blood iba a tener su versión en celuloide hubo lo de siempre: pocas expectativas y sólo el consuelo de que Holliwood no estaba de por medio. Aunque claro, no sé muy bien si eso a sido para mejor, peor o da lo mismo. La cuestión es que Blood parece desgastarse, que nadie es capaz de pillarle el punto pese a que algunos le veamos cierta cosilla en esencia y nos preocupa y decepciona que sea llevada así. Y que el director de El Beso del Dragón y el productor de Tigre y Dragón o Hero estuvieran tras el proyecto lo único que ha producido es que ahora mismo tengan una obra algo penosa a sus espaldas pese alardear de efectos de ordenador para fondos y fotografía. Blood, el filón de Production IG, empieza a agonizar sin remedio.
Autor Original: Production IG (team Osihi) Director: Chris Nahon Productora: Coproducción Hong Kong-Francia-China; East Wing Holdings; SAJ; Beijing Happy Pictures Cultural Communications Co. Género: Aventura, Acción, Terror. Año: 2009 Otras reviews: |  |
Hay una organización secreta que se enfrenta a los Quirópteros, demonios siervos de Onigen que para su supervivencia necesitan de la sangre de seres humanos. Entre sus filas se encuentra la joven Saya que blande una katana para enfrentarse a estas criaturas.
Tras extraños sucesos en una escuela de una base militar norteamericana, la misión de Saya será averiguar si hay quirópteros y eliminarlos a todos y atraer la atención de Onigen para cumplir su venganza. Por desgracia, la organización tiene otros planes para ella.
Remake en celuloide del OVA animado que no pasará a la historia por nada y donde de nuevo afecta eso de "mundillo alternativo". El mundo de Blood se desmorona por completo dando una razón más que sustenta a aquellos que piensan que Blood no tiene nada de nuevo ni nada que contarnos que no sea: chica con espada mata vampiros más feos de lo normal. Y es así, es lo que se traspira en esta adaptación cinematográfica que es difícil de salvar, porque incluso para un servidor que cree que Blood tiene mucho que contar pero no saben como hacerlo, le ha parecido carente de sentido, lioso y que cuando por fin parecía tener un punto de brillantez queda en un mojón en la calle abandonado por su dueño en un invierno frío.
Con la intención de colar escenas de la película original de 40 minutos, que desde un principio es un error enorme y a su vez es lo mejor que nos muestra, nos topamos con una mezcolanza que no sabe bien y no tiene sentido alguno. Saya parece ser de nuevo la tía dura que tanto me atrae, esa que no dice nada excepto cagarse en los muertos del quiróptero que le cuesta cargarse. Pero no es así, aunque en un principio lo parezca, pronto su máscara de tía dura se derrumba sin más dejándonos en vista de una Saya vengadora y profunda. Y claro, ahora deben meter a una compañera adolescente con calzador, que aunque al principio no queda mal, al final es un grano en el culo para el espectador.
Lo que parece mejorar es la idea de la Organización. Parece algo más profunda y usar a Saya realmente, tener vínculos con altos cargos pese a no ser una organización realmente existente ni apoyada por ningún estado, no teniendo alojamiento fijo, reuniéndose en cualquier rincón como gansters. Auténticos hombres de negro que deben ocultar la existencia de los quiropteros para un fin oculto. Pero todo se queda en buenas intenciones, porque sin más el protagonismo de la organización queda en cero, en nada, por razones no muy claras y que lían más el argumento. Vamos, para no decir nada de unos personajes ¿para que introducirlos? ¿porque la película los metía?
Los quirópteros son ahora demonios míticos, siervos de un/una tal Onigen, donde su diseño es espantoso y recuerda a los vampiros de películas de series B pero muy mal creados por ordenador. Incluso los vampiros de Abierto Hasta el Amanecer tienen mejores pintas que estos. Y claro, aunque no destila romanticismo, tampoco terror alguno, ni misterio, ni nada. Son vampiros que se lo montan muy bien pareciendo humanos que se meten con humanos de verdad -en el OVA original siempre trataban pasar inadvertidos, gentes solitarias con problemas de sociavilización-. Y claro, tienen su mitología asiática -inventada-, no sé si china o nipona pues no lo dejan en claro. Igual de asco da pues el pasado de Saya unido a esa mitología sacada de la manga.
Otro fiasco son los fondos. Con eso de seguir el OVA se recrea en los 70 u 80, y al no tener presupuesto para unos fondos decentes se decide por tres o cuatro fondos por ordenador que cantan un huevo y que no dan la sensación de amplitud, y parecen reducidos escenarios. Por mucha luz que se vea o use da la sensación de haber sido rodada toda la película en una cuarto de veinte metros cuadrados, como esos de protección oficial, donde se dio cortes a diestro y siniestro.
Cris Nahon debe de sonaros por ser director de El Beso del Dragón -con Jet Li- y El Imperio de los Lobos -gran Jean Renó-. Dos buenas películas, o al menos correctas, que hacían que la carrera de Nahon fuera prometedora o al menos que haría trabajos, si no destacables, decentes. Pues eso sería hasta que se ha ocupado de Blood, donde la verdad no se le ve esmero ni en las secuencias de acción -llenas de cables y ordenador que atufa un poco-, éstas múltiples para rellenar minutos. Es como si se le fuera el entusiasmo y sólo rodara la película para acabar de una vez y que tras ello, con lo hecho, decidiera arreglar un poco tarde ese estropicio que ya lo es desde que aceptó un guión tan ingrato.
Gianna Jun es una atractiva actriz coreana que al parecer no lo hace tan mal en el mundo de la interpretación según leo en otros lares "rediles". Por desgracia éste trabajo le puede costar caro ya que la interpretación aquí de Saya es nula y debido a su aspecto, por mucho que quiera parecer dura no es capaz de transmitirlo pese a su parecido con Saya. Aunque sinceramente Saya es una chica asiática tipo, con lo que cualquiera podría haber encajado bien para hacer su papel. Así que ya pudieron haber apostada por una actriz con pinta de "hijaputoide si me tocas las narices te rebano".
Mención a parte se merecen JJ Feild y Liam Cunningham, este último como David -y me encanta, aunque nada se parezca al de la película animada, por su semblante-, ambos miembros de la organización y demostrando su talento ante las cámaras pero que son incapaces de hacer nada con unos guiones dignos de usar en un baño. Gran Michael Byrne pese a sus pocos minutos en pantalla que queda genial como jefe de la Organización.
Con la intención de colar escenas de la película original de 40 minutos, que desde un principio es un error enorme y a su vez es lo mejor que nos muestra, nos topamos con una mezcolanza que no sabe bien y no tiene sentido alguno. Saya parece ser de nuevo la tía dura que tanto me atrae, esa que no dice nada excepto cagarse en los muertos del quiróptero que le cuesta cargarse. Pero no es así, aunque en un principio lo parezca, pronto su máscara de tía dura se derrumba sin más dejándonos en vista de una Saya vengadora y profunda. Y claro, ahora deben meter a una compañera adolescente con calzador, que aunque al principio no queda mal, al final es un grano en el culo para el espectador.
Lo que parece mejorar es la idea de la Organización. Parece algo más profunda y usar a Saya realmente, tener vínculos con altos cargos pese a no ser una organización realmente existente ni apoyada por ningún estado, no teniendo alojamiento fijo, reuniéndose en cualquier rincón como gansters. Auténticos hombres de negro que deben ocultar la existencia de los quiropteros para un fin oculto. Pero todo se queda en buenas intenciones, porque sin más el protagonismo de la organización queda en cero, en nada, por razones no muy claras y que lían más el argumento. Vamos, para no decir nada de unos personajes ¿para que introducirlos? ¿porque la película los metía?
Los quirópteros son ahora demonios míticos, siervos de un/una tal Onigen, donde su diseño es espantoso y recuerda a los vampiros de películas de series B pero muy mal creados por ordenador. Incluso los vampiros de Abierto Hasta el Amanecer tienen mejores pintas que estos. Y claro, aunque no destila romanticismo, tampoco terror alguno, ni misterio, ni nada. Son vampiros que se lo montan muy bien pareciendo humanos que se meten con humanos de verdad -en el OVA original siempre trataban pasar inadvertidos, gentes solitarias con problemas de sociavilización-. Y claro, tienen su mitología asiática -inventada-, no sé si china o nipona pues no lo dejan en claro. Igual de asco da pues el pasado de Saya unido a esa mitología sacada de la manga.
Otro fiasco son los fondos. Con eso de seguir el OVA se recrea en los 70 u 80, y al no tener presupuesto para unos fondos decentes se decide por tres o cuatro fondos por ordenador que cantan un huevo y que no dan la sensación de amplitud, y parecen reducidos escenarios. Por mucha luz que se vea o use da la sensación de haber sido rodada toda la película en una cuarto de veinte metros cuadrados, como esos de protección oficial, donde se dio cortes a diestro y siniestro.
Cris Nahon debe de sonaros por ser director de El Beso del Dragón -con Jet Li- y El Imperio de los Lobos -gran Jean Renó-. Dos buenas películas, o al menos correctas, que hacían que la carrera de Nahon fuera prometedora o al menos que haría trabajos, si no destacables, decentes. Pues eso sería hasta que se ha ocupado de Blood, donde la verdad no se le ve esmero ni en las secuencias de acción -llenas de cables y ordenador que atufa un poco-, éstas múltiples para rellenar minutos. Es como si se le fuera el entusiasmo y sólo rodara la película para acabar de una vez y que tras ello, con lo hecho, decidiera arreglar un poco tarde ese estropicio que ya lo es desde que aceptó un guión tan ingrato.
Gianna Jun es una atractiva actriz coreana que al parecer no lo hace tan mal en el mundo de la interpretación según leo en otros lares "rediles". Por desgracia éste trabajo le puede costar caro ya que la interpretación aquí de Saya es nula y debido a su aspecto, por mucho que quiera parecer dura no es capaz de transmitirlo pese a su parecido con Saya. Aunque sinceramente Saya es una chica asiática tipo, con lo que cualquiera podría haber encajado bien para hacer su papel. Así que ya pudieron haber apostada por una actriz con pinta de "hijaputoide si me tocas las narices te rebano".
Mención a parte se merecen JJ Feild y Liam Cunningham, este último como David -y me encanta, aunque nada se parezca al de la película animada, por su semblante-, ambos miembros de la organización y demostrando su talento ante las cámaras pero que son incapaces de hacer nada con unos guiones dignos de usar en un baño. Gran Michael Byrne pese a sus pocos minutos en pantalla que queda genial como jefe de la Organización.
En definitiva, una película que huele a "B" con efectos digitales que dan algo de pena -los de los vampiros dan mucha pena... el resto son pasables- y un guión enrevesado que no dice absolutamente nada pese a querer profundizar en Saya. Lo peor que se ha podido engendrar en la saga de Blood.
Lo mejor: una Saya guapeta y la aparición de Liam Cunnigham y Michael Byrne.
Lo peor: el resto, no merece la pena reteneros más.
Lo mejor: una Saya guapeta y la aparición de Liam Cunnigham y Michael Byrne.
Lo peor: el resto, no merece la pena reteneros más.
Blood + (Manga)
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Nuevamente, tras el éxito de la serie, Production IG vio con buenos ojos crear unos mangas sobre Blood +, ya sea completándola o creando una nueva versión desde el principio y mostrar la versatilidad de categoría. No hay mucho más que decir excepto lo dicho en el anime, así que se seré muy directo -en parte para no hacer spoiler- con respecto las tres novelas gráficas existentes, con tramas distintas entre si.
 | BLOOD + Autor:Asuka Katsura, Production IG Genero: Terror, Aventuras. Categoria: Seinen Tomos: 5 Este manga sigue la estela del anime, teniendo a la familia y el pasado de saya como tema principal. Pero ésta tiene cambios significativos para que la trama pueda recogerse en los 5 tomos. Lo cierto es que es muy recomendable aunque se haya visto el anime. El dibujo intenta asemejarse al del anime, si bien abusa de escenas caricaturescas y utiliza un dibujo algo sucio incluso en los fondos, debido a la poca utilización de tramas y, por consiguiente, utilizar sombreados a lápiz muy atractivos. |
| BLOOD +: ADAGIO Autor: Kumiko Suekane, Production IG Genero: Aventuras, Terror Categoria: Seinen Tomos: 2 Saya tiene una misión en Rusia en la época del Zar Nicolás II (1916) mucho antes de aliarse al Escudo Rojo. Intrigas y combates en una historia que no nos desvela nada nuevo pero que entretiene. Nuevamente se caracteriza un dibujo que intenta ser fiel a la serie, pero siendo este más redondeado y cuidado comparado con el manga anterior. Fondos bien recreados y dibujo limpio. Utilización de tramas algo más variada y sombreado a lápiz. |  |
 | BLOOD +: YAKOU JOUSHI Autor: Hirotaka Kisaragi, Production IG Genero: Aventura, Terror Categoria: Yaoi Tomos: 1 Un policía de China intenta averiguar cierto asesinato cuando aparece un quiróptero y le salva Hagi. A partir de ahí comenzará la trama. Historia que tampoco desvela nada nuevo y que intenta mostrar la versatilidad de Blood en otras categorías. Dibujo que otra vez más no se separa del original de Blood +, pero que estiliza a Hagi para mejor. Alguna escena típica Yaoi, con un dibujo muy limpio debido a las tramas bien utilizadas. |
En resumen, historias que pueden entretener pero que no dan más de sí.
Lo mejor: obras más o menos dignas para los fans.
Lo peor: no dice nada nuevo ni ayuda a comprender mejor la trama de la saga o el anime.
Lo mejor: obras más o menos dignas para los fans.
Lo peor: no dice nada nuevo ni ayuda a comprender mejor la trama de la saga o el anime.
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