Blood +

Hay que dejar bien claro que Blood + es una historia diferente a Blood: The Last vampire, como si en mundo paralelo ocurriese. Production IG usa mucho esta sutileza a la hora de crear distintas historias sobre las mismas bases y protagonistas -ya lo hizo con anterioridad con Ghost in the Shell Stand Alone Complex- e hizo lo mismo con Blood +. Una historia diferente, con el mismo hilo central y mismo personaje protagonista, si bien alterando lo que sea necesario para la nueva obra.

BLOOD +


Autor Original: Production IG (team Osihi)
Director: Junichi Fujisaku
Compañía: Production IG, Aniplex

Género: Terror, Aventuras
Categoría: Seinen

Capítulos: 50
Año: 2005/6
Descarga: Megaupload, Gigasize


Nos encontramos en la actualidad (el 2005 que es cuando se estrena), en Okinawa. Saya es una adolescente afable que vive junto a su familia adoptiva, que sufre una profunda anemia y amnesia, no recordando nada de su pasado.

Viviendo como una chica más, con sus problemas familiares típicas de adolescente, todo cambia con la aparición de una criatura monstruosa y un apuesto hombre que le da una extraña katanan por la cual puede hacer correr su sangre. Esas criaturas son denominados Quirópteros, y su sangre puede hacer que acabe rápido con ellos. Ahora, Saya debe acabar con una guerra que comenzó por el siglo XIX, viajando por todo el mundo, al amparo de su familia, del apuesto hombre (Hagi) y la organización del Escudo Rojo; mientra averigua e intenta recordar su tormentoso y maldito pasado.




Los que tengamos en mente la película nos puede chocar el cambio tan brusco de dibujo y de la profundidad que le han pretendido dar a la historia. También otros cambios significativos, algunos enriqueciendo a la serie y otros que no son para nada de mi agrado.

Lo cierto, es que esa trama profunda, no está mal, teniendo ahora en el centro temas como la familia y los sentimientos personales. Pero estos se hacen pesados y repetitivos durante los 50 capítulos sin dar muchos cambios, pareciendo más un puñetero disco rallado. Esto sólo implica el desplazar el tinte de terror a un segundo plano -o tercero-, siendo éste ínfimo pero logrado en los pocos capítulos donde se haya, y el gore que ya era flojo se queda en sangre salpicada y quirópteros descuartizados. Vamos, en vez de mejorar van empeorando en éste apartado.

Se nota que lo que se pretendía era alcanzar a un mayor número de gente joven, rozando la categoría del shônen comparada con la película. Y al parecer en ese aspecto lo consiguieron pese a los altos costes que supuso. Y cuando digo costes me refiero a la idea y la obra en sí, no económicamente. Esos costes, desde un punto de vista amplio, es dejar a un lado ese halo sucio y "realista" que consiguió la obra original. Volvemos en algunos aspectos a los vampiros románticos, elegantes y seductores, retomando esa idea romántica de la inmortalidad que en la obra original parecía que daba asco y te daba arcadas, nauseas, de pensarlo. Y aunque hay que admitir que consiguen un buen equilibrio, éste se rompe cuando al argumento se le añaden ideas ridículas o segundas tramas que no llegan absolutamente a nada pareciendo relleno junto a secundarios que tampoco llegan a nada. Se supone que enriquecen o deberían enriquecer a los protagonistas... pero no se ve tan claro. Y esos quirópteros que se ocultan en cuerpos humanos, que viven como criaturas miserables cazando, se convierten o en monstruos sin más que parecen idiotas totales o intelectuales de alta alcurnia según el quiróptero que sea, y por suerte consiguen explicárnoslo con razones argumentadas creíbles dentro de la historia pero con poco ingenio.



Seamos un poco más específicos en esos cambios -dejando a un lado aquellos que puedan hacer enorme spoiler- que demuestran que la serie se sitúa en un mundo paralelo. Lo primero de todo es ver a esa Saya amable, afable, delicada... Es cierto que el tema de la amnesia podría ser un buen argumento para cambiar la personalidad de Saya con respecto a la obra original, pero lo cierto es que nunca se ve a la Saya cabrona puteada por su asquerosa forma de vida, que trata a los seres humanos como mierda que aún así desea proteger, siendo así un atisbo de bondad mucho más recalcado. El otro tema se refiere a dar mayor protagonismo a la sangre de Saya, pues ahora no es el vínculo de sangre que tiene la protagonista con las criaturas que caza, sino que su sangre -al ser de un original- es capaz de matar de manera más rápida a los quirópteros sin necesidad alguna de desangrarlos -una pena-; siendo una estratagema sin necesidad alguna excepto por la extraña moraleja que se le da: la sangre de un quiróptero mata a los de su especie. Pero curioso, no se explota ésta idea. Luego hay cierto tema de que Saya es como una bella durmiente donde no me entretendré por lo del spoiler, pero decir que según la serie Saya dormiría a gusto en los hechos acaecidos en la película original. Y claro, no añado lo referente a otras secuelas y preculas de la original y la "plus" en otro formatos como novelas y videojuegos que corroboran que son dos mundos diferentes con mismas bases.

Hay que destacar que la historia de Blood + también acoge ideas que ya se podían ver en ese manga poco destacable de Blood: El Último Vampiro; siendo aquí el pasado de Saya y el de la Organización mucho mejor explotados y llevados, con cierta coherencia, aunque más o menos parten de una premisa parecida. Si bien podría haber sido mejor llevado todo el conjunto a este respecto es un trabajo de hilado superior al de esa cosa que he de llamar manga.

Como colofón dejar claro que el final me decepcionó técnicamente hablando, y también argumentalmente, con una animación normalita en lo que debería ser “La Gran Batalla” y una resolución precipitada pese a tener el número de capítulos que posee, dándoles tiempo más que de sobra a haber creado un final más redondeado y mejor resuelto.

Opening 3




El dibujo a manos de Chizu Hashii es muy simple y atractivo, un 2D puro que recuerda al estilo puro manga rozando el aspecto característico del shôjo. Los diseños son muy diferentes respecto a la película original, pero no desgracia a Saya, sólo lo hace “más mona”, ni a ningún nuevo personaje. Lo único que sí fracasa es el diseño de los quirópteros que parecen simples muñecajos si los comparamos con la película, salvándose muy pocos de una quema en una hoguera. vamos, un asco.

La animación es buena, pero no es lo mejor hecho por Production IG, puede que el gran número de capítulos afectara. Por suerte, siempre hay capítulos por ahí con animación soberbia, como en los primeros capítulos o en algún capitulo de batalla.

La banda sonora fue a cargo del productor musical Hans Zimer (La Roca, Gladiator) que dejó a uno de sus compositores, Mark Mancina. Lo cierto, es que es una música orquestal muy buena, pero escasa para tantos capítulos, haciéndose tediosa al final. Otro punto flojo son el parecido de algunas composiciones con otras de Zimer (una es exacta, durante unos minutos, a Gladiator). Solo espero que fuera un homenaje a Zimer.
Consta de 4 openings, rítmicos y pegadizos (destaco "Season´s Call" de HYDE, que es el más suave); y 4 endings de melodía lenta y nostálgica ( destaco el primero: Kataritsugu Koto). Un detalle: fijaros en el estilo del opening 3 que recuerda al estilo utilizado en Kill Bill ¿Una reivindicación al extranjero por parte de Production IG haciéndose renombre por la película de Tarantino?

De las voces japonesas no puedo opinar... En España hay un trabajo bueno para los personajes principales. Una Saya dulce y enérgica por Gaby Ugarte (Neon Genesis Evangelion -Rei Ayanami-, Zatch Bell -Zatch Bell-... ), un Hagi seductor por Gerardo García (Neon Genesis Evangelion -Ryôji Kaji-, Saint Seiya: The Hades Chapter - Sanctuary -Capricorn Shura-...) y un David conciso por Rolando de Castro (Neon Genesis Evangelion -Kouzou Fuyutsuki-, Robotech (Macros EEUU) -Gloval-...), son los más a destacar.




La saga con nuevos aires volvió con fuerza en las pantallas de televisión pero por desgracia retocando lo que podríamos considerar lo mejor de la idea original: su oscuridad y el halo de putridez que se sentía en cada minuto con respecto a los quirópteros dejando el romanticismo a un lado. Buena serie si no gustó la película original o no se la conoce.

Lo mejor: el pasado de Saya y el de la Organización, bien contada esa profundidad que se la ha querido dar y una banda sonora de un pupilo de Hans Zimmer correcta.

Lo peor: argumento pesado y rallado debido a su larga duración sin sentido, cambios que destrozan la idea original de Saya y la visión de los quirópteros.

Blood: The Last Vampire (Manga)

Tras el éxito de la película de Blood: El Último Vampiro; Production IG lanzó a otros formatos las aventuras y desventuras de Saya. Así que no tardó mucho en salir un manga de tomo único que por desgracia parece un chiste si lo comparamos con la obra original, siendo el primer paso en falso que se dio con la saga de Blood. No le dedicaré mucho tiempo pues no lo merece, pero en definitiva lo poco que explique es lo que encontraréis en esta obra infinitamente menor que su predecesora, aunque se atisba algunas buenas ideas que por desgracia quedan en nada.



Autor: Benkyo Tamaoki, Production IG

Genero: Terror, acción.
Categoria: Seinen

Tomos: 1

Enlace Blood Saga



Nos encontramos en el año 2000 y Saya continúa con su cacería de quirópteros junto a la Organización. Ahora tiene la misión de vigilar a una chica con contactos con estas criaturas y una supuesta lider. Lo que Saya no sabe es que su pasado y la verdad de la organización van a salir a la luz, lo que le obligará a decidir un nuevo camino para su futuro.



La versión manga no pretendía ser más que una secuela donde se juega con el pasado de Saya y con la Organización, así como servir de conclusión. Y aunque el pasado de la organización y presente llega a ser atractivo, el pasado de nuestra cazadora de quirópteros es poco creíble y estropea cierta magia conseguida en la película; y su conclusión podríamos tratarlo de manido en el género, pero que podría haber conseguido ser mucho más de lo que es en realidad si el conjunto de la obra se hubiera tratado mucho mejor de lo que se hizo.

Siendo el dibujante un autor de mangas hentai, hay un alto contenido erótico que lo único que hace es llenar hojas tontamente a demás de ser malo. Vamos, las escenas eróticas no son atractivas para nada, son superfluas, con personajes que parecen lolitas escuálidas que dan ganas de ponerle un plato de comida al manga. La trama no está bien llevada pese a que es interesante en su conjunto, una verdadera lástima ciertamente. Solo destaca por conocer más de Saya y su pasado, y como he dicho huele a tufo y no parece acercarse en nada a lo que la película consiguió.

Con un dibujo simple y poco atractivo, el dibujante "hentaiano" intenta asemejarse a los diseños originales pero sin mucho éxito. Solo destacan el diseño de los quirópteros que son muy parecidos al de la película.



En definitiva, este manga es una piltrafilla que si pasáis de él no os hará daño alguno. Si lo leéis conoceréis una teoría más del pasado de la protagonista y su "futuro", que no están mal, pero sí está muy mal llevado.

Lo mejor: alguna idea suelta que se utilizaría con posterioridad en otras obras de la saga.

Lo peor: un dibujo bastante cutre y plano que se aúna a una historia mal llevada y escenas eróticas deprimentes.

Blood: The Last Vampire

Era una de esas aburridas reuniones para el equipo de Production IG, donde se encontraba entre otros Mamoru Osihi (director de ambas películas animadas de Ghost in the Shell, Patlabor, etc), Kenyi Kamiyama (director, guionista -y mucho más- de Ghost in the Shell [SAC], entre otras), Hiroyuki Kitakubo (director de Roujin Z, Golden Boy y otras obras) y Junichi Fujisaku (que a trabajado como escritor en GS [SAC], Xxxholic, etc), intentaban tal selecto grupo denominado como Team Osihi crear una nueva obra desde cero.

Así, por romper el silencio o cambiar de tema, uno habló de hacer un anime de terror. Otro saltaría con un “¡De vampiros!”. No muy convencidos otro diría “¿Por qué no animales antropomorfos chupa sangres?”. Eso ilusionó un poco más al grupete de "amijos". Otro hablaría de un cazador con katana y que los matara a lo bestia, desangrándolos, nada tipo Blade pero sí recordando la idea... pero mejor una chica, y aún más: adolescente y con mala gaita. Por último, seguro que fue tito Osihi (si no a Kenyi) al que se le ocurrió meter la historia en un tiempo histórico real para que tuviera una conexión y nos diera "susto". Así se creó (de acuerdo, también a participado mi imaginación), Blood: El último filón de Production IG, que parece secarse con cada nueva obra sobre el tema y es una pena.

BLOOD: THE LAST VAMPIRE



Autor Original: Production IG (team Osihi)
Director: Hiroyuki Kitakubo
Compañía: Production IG

Género: Terror, Acción.
Categoría: Seinen

Año: 2000

Otras reviews:



Hay una organización secreta que se enfrenta a los Quirópteros, criaturas antropomórficas que para su supervivencia necesitan de la sangre de seres humanos. Entre sus filas se encuentra la joven Saya que blande una katana para enfrentarse a estas criaturas de su misma sangre. Que se sepa, es la última original que queda.

Tras extraños sucesos en una escuela de una base militar norteamericana, la misión de Saya será averiguar si hay Quirópteros y eliminarlos a todos antes de que escapen.



Blood significó una reinvención tanto por la animación digital usada, como en el género de los vampiros en un tiempo en el que parecían ya bastante disecados -y mucho antes de la aparición de esa cosa "eclipsada" de vampiros enarinados-, acercándose a otro tipo que aunque han existido en leyendas (sobre todo en Sur América) no han sido muy explotados. Aquí los vampiros no son galantes, no intentan seducir a sus víctimas, ni se juega con la vida eterna ni romanticismos, ni siquiera esa lujuria que transpiran. Los quirópteros de Blood son criaturas antropomorfas que se ocultan con imagen de humanos, cazando y alimentándose de estos de tal forma que nadie sospeche nada más allá de lo que la realidad nos permite ver, sin especular para nada sobre que los mordidos por ellos se conviertan en iguales criaturas. Son criaturas que deben ocultarse mostrando a unos vampiros temerosos y a su vez más tenebrosos y bestias que nunca.

Así que no es bueno pensar en tópicos ya existentes, pues marca la diferencia. La mejor de esas diferencias es que para acabar con un quiróptero debes desangrarlo a lo bestia y rápido. Eso apunta a que una katana sea la mejor arma para ello, aunque se supone que todo vale cumpliendo esa premisa, dejándose a un lado el rollo de los ajos y la plata -sin entrar en discusiones sobre esto- o las puñeteras estacas, ensuciando cada vez más ese románticismo vampírico. Los ritos religiosos también se quedan a un lado, afectando como un puto estigma del pasado en nuestra protagonista sin dejar nada en claro por desgracia.



Curioso es el punto histórico donde lo enmarcan: poco antes que de comienzo la guerra de Vietnam.

Blood no pretendía para nada ser una obra profunda, a pesar de que se encargara Kenyi Kamiyama de su guión. Más bien es un derroche de arte técnico en el mundo de la animación, con esa reinvención en el mundo vampírico, volviéndolo algo más sucio y cierto toque de realidad, con un gore suave (pues, como mucho, veremos sangre y en segundos alguna cosita grotesca) y cierto soplo de aire fresco que por desgracia sólo se ve en esta obra de la franquicia. Es ridículo, para el entenderla bien y para que quedara una obra coherente y sólida, los 40 minutos de duración.

Trailer con escenas eliminadas


El dibujo lo llevó a cavo un ilustrador bastante famoso en el mundo del videojuego, Katsuya Terada. Es un dibujo un poco fuera de lo habitual en el anime, muy expresivo, algo exagerado en algunos rasgos, quedando un dibujo “semirrealista” aún dentro del canon del manga, que podría recordar en algo al occidental. Destaco el diseño de Saya y el de los Quirópteros, así como el buen uso de colores pastel y oscuro que podremos ver durante todo el film.

La animación es de calidad muy alta, con movimientos muy conseguidos, sobre todo los más habituales en el día a día de cualquiera, con un contraste entre movimientos muy particulares; así como los movimientos de -supuesta- cámara que le meten. Siendo pues un trabajo de calidad más que demostrada y demostrable.

La banda sonora, a manos de Yoshihiro Ike, es una música puramente instrumental que encaja muy bien con cada momento, pero que no llega a ser de lo mejor. Según Ike, trató a la música como un personaje más de la obra. Según un servidor, ese personaje parecía no llegar a secundario. Pero que puñetas, consigue meterte en la obra que es lo que se quiere de la música, y es difícil que funcionara igual sin ella.

El doblaje japonés es muy bueno, con una Saya dura, sin ser aniñada. La encargada de ponerle voz fue Youki Kudou.El español, a cargo de Selecta visión, es también muy bueno en los principales; siendo Saya también una voz algo ruda por Ariadna Giménez que también ha trabajado en Paranoia Agent.



Podría pues decir que nos encontramos ante una obra bien ejecutada y perfectamente creada, que da cierto soplo de aire fresco a un manido género de una forma poco romántica aunque utilice ciertos clichés ya usadas en otras obras, y que queda floja por su corta duración y dejar interrogantes por doquier.

Lo mejor: la nueva visión del vampiro quiróptero y la mitología que parece existir tras él; un apartado técnico perfectamente ejecutado.

Lo peor: un guión que queda algo colgado, con muchas interrogantes y los míseros 40 minutos de duración que te deja la sensación de no haber podido explotar mejor la idea que resuma en el film.

Dragon Head

Tras lo ocurrido en Japón el 11 de marzo del 2011 y teniendo en cuenta que es un país predispuesto a este tipo de catástrofes, merece la pena echar un vistazo a un manga, que si bien tiene unos años, no por ello es menos actual; un clásico para leer.


Ficha técnica:




Nombre original: Doragon Heddo ドラゴンヘッド
Autor: Minetaro Mochizuki
Género: Terror, catástrofe
Categoría: Seinen
Año: 2000
Nº Tomos: 10

Sinopsis


Un tren descarrila dentro de un túnel y sólo quedan tres supervivientes: dos chicos y una chica. El pánico se apodera de uno de ellos que empieza a perder la cordura, pues a causa de un derrumbe y estar rodeados de cadáveres, no le ven salida. La temperatura aumenta de forma alarmante…



Condenados

Minetaro Mochizuki es un famoso mangaka especializado en el género seinen; con títulos como La mujer de la habitación oscura, Maiwai u Ochanoma, nos traslada a un mundo donde prima el terror de tintes catastrofistas. Sangre a doquier y tramas donde el horror es un personaje más y normalmente, el protagonista.

Con un dibujo detallista y unas líneas simples pero efectivas, que envuelven el relato en la atmósfera pesada y cruel que quiere transmitirnos; personajes fácilmente identificables y unos fondos llenos de matices y claroscuros para crear el ambiente más claustrofóbico imaginable.

Cabe destacar que las facciones de algunos personajes rozan el infantilismo, tal vez para transmitir la inocencia que sólo a través de la infancia se puede explicar junto con el reflejo del terror en sus caras.

Página a página, el dibujo va adquiriendo más notoriedad para explicar el alcance del horror que nos relata, en este caso una explosión nuclear y el posterior deterioro de la ciudad y alrededores, junto con el cambio que se va produciendo en los protagonistas al conocer el desenlace de lo que creían un accidente.

En resumidas cuentas, un dibujo que se aleja del estereotipo manga, para presentarnos un diseño más intimista y detallado, no apto para hipocondríacos.


El horror hecho palabra


Si hay alguien a quien podamos considerar uno de los maestros en el arte de aterrorizar, sin duda el nombre de Mochizuki sonará con fuerza. Junto con su obra posterior La mujer de la habitación oscura (traducción de Zashiki Onna, donde un estudiante se sume en la oscuridad tras contactar con una misteriosa mujer…) Dragon Head es un clásico en este género. Cruda, espeluznante a veces y terrorífica casi siempre, nos muestra el horror en estado puro: catástrofes y sus consecuencias reales, tanto a nivel personal como paisajístico. Nada de superhéroes y situaciones edulcoradas.

Si bien añade algo de la cosecha de su imaginación (un nuevo monte Fuji en medio de Tokio tras la explosión) todo lo relatado es verosímil, visto lo acontecido el once de marzo del 2011. Un fallo nuclear que hace desaparecer toda una nación y los cambios en la personalidad de los protagonistas que ello conlleva. ¿Quién no perdería un poco la cordura, tras ser uno de los pocos supervivientes y ver que no queda nada? ¿Hasta qué punto el ser humano necesita de sus semejantes? Son preguntas que plantea la historia y que cada uno de nosotros debemos meditar.

Un manga que supuso un éxito inesperado en su país, trasladando la angustia a los lectoras hasta el fin del relato; existe un live-action poco recomendable, ya que los actores dejan mucho que desear, dada la magnitud de los sentimientos que se quieren plasmar sin lograrlo.
El infierno en la tierra es posible y a pesar de lo avanzado de las tecnologías, como dice aquel famoso refrán: “El hombre propone y Dios dispone”, lo que vendría a ser que la naturaleza se va a defender y nos va a enseñar que solo conocemos una parte de su poder y jamás podremos dominarla de pleno.



En resumen: Un clásico en su género, para no dejar de dar gracias por estar vivo.

Lo mejor: Una trama bien hilvanada, un dibujo exquisito y taquicardias a doquier.

Lo peor: No lo leas si no te gusta angustiarte y saber qué pasa tras una catástrofe.

Ghost in the Shell

En 1989, Masamune Shirow (Appleseed, Dominion Tank Police y muchos Art Books) lanzó uno de los primeros mangas de la saga Ghost in the Shell, que más tarde sería popularizada por la película de Osihi (Ghost in the Shell & Ghost in the Shell 2: Innocence), catapultándolo a ser bastante conocido en el panorama internacional; y después la serie Stand Alone Complex, la versión animada más fiel al manga. A continuación os presento las tres partes en la que se compone este manga de ciencia ficción que aún hoy en día sigue siendo fuente de inspiración.

LA PATRULLA ESPECIAL GHOST


Autor: Masamune Shirow

Genero: Ciencia Ficción, Acción, Policiaca.
Categoría: Seinen
Tomos: 8


Publicación Japón: Kodansha
Año: 1989-1991




Sinopsis:

En el Siglo XXI la raza humana se ha computerizado de tal manera que ha llegado a fundirse con la basta red. Para defenderse del ciberterrorismo existe en Japón la Sección 9 de Seguridad Pública formado por integrantes expertos en guerra de información. Al frente se encuentra la Mayor Motoko Kusanagui.

La Sección 9 lidiará con todo tipo de casos, demostrando ser un equipo eficaz y competente, a la vez que se enfrentan a acertijos y paradigmas sobre el existencialismo en un momento de inflexión donde la raza humana difícilmente se distingue de la máquina creada por ésta.

Dibujo y Técnica:

Masamune Shirow está regido por un dibujo que puede ir de simplista a detallista en cuestión de viñetas, pero siempre con rasgos faciales muy marcados, sobre todo en los personajes masculinos, y más aún los ancianos, quedando un dibujo que está entre el manga de toda la vida y el occidental. Pero también tiene un aliciente más, y es que el dibujo de Shirow está también muy marcado por lo caricaturesco, hecho que hará que veamos ojos saltones, algún SD y caretos muy divertidos pese a que estemos hablando de un seinen. Una multitud de ojos simples, que sólo muestran lo justo en emociones y hace que pierdan mucho los personajes, aunque también es lo característico de este manga.

Otra característica, es lo colorido que podemos encontrar algunas partes del manga, no con mucho acierto pero llegando a ser más limpio y detallado que cuando llegamos al blanco y negro, pues Shirow puede llegar a ser muy limpio o algo sucio por su deseo de ser muy detallista en los fondos, marcando una tendencia de sombras negras a tinta y una ínfima utilización de tramas donde igualmente veremos aciertos y errores.





1.5 HUMAN ERROR PROCESSOR




Autor: Masamune Shirow

Genero: Ciencia Ficción, Acción, Policiaca.
Categoría:Seinen
Tomos: 1


Publicación Japón: Kodansha
Año: 1991-1996





Sinopsis:

Ya ha pasado un buen tiempo desde lo ocurrido en los anteriores mangas. La Sección 9 continúa ahora sin Motoko, investigando casos que nada tienen que envidiar a los anteriores, con nuevos integrantes en el grupo y nuevos acertijos existenciales y sociales.

Dibujo y técnica:

Aunque el dibujo sigue con su inconfundible estilo, y es algo que en parte se agradece, lo mejor es que Shirow trata con algo más de mimo cada viñeta y personaje corrigiendo muchos fallos como los ojos, que ya sólo los hace simplistas en momentos de sátira; y unas proporciones más ajustadas. También pasa el detalle a los fondos, que por desgracia a veces seguirá pareciendo algo sucio por el intento masivo del detallismo. Las tramas nuevamente suelen ser escasas pero mejor utilizadas en muchas ocasiones, si bien muchas veces tantos rayones a tinta estropean la utilización de la trama. El color, al principio, también se dejará notar en las primeras páginas con gran mejoría al anterior.



2. MAN-MACHINE INTERFACE




Autor: Masamune Shirow

Genero: Ciencia Ficción, Acción, Policiaca.
Categoría:Seinen
Tomos: 1


Publicación Japón: Kodansha
Año: 1997




Sinopsis:

Mientras que la Sección 9 sigue con sus casos, Motoko ahora trabaja para una multinacional, la cual ha sido atacada por algún tipo de hacker. Ahora debe descubrir quien hay detrás de ese ataque y otros relacionados con la política de Japón, antes de perderle la pista y saber el por qué. Pero lo que va a descubrir va más lejos de toda lógica.

Dibujo y Técnica:

Y ahora sí me atrevo alabarle. Sin duda alguna, Man-Machine Interface es la mejor obra de Shirow, por lo menos técnicamente hablando, con un dibujo más pulido en todos los aspectos y un gran colorido espectacular, mezclando el dibujo a mano con dibujos a 3D, fruto de su práctica en decenas de Art Books y como buen artista que cursó en Bellas Artes. Los fondos llegan a ser más recargados pero con acierto, aunque otra vez, en las hojas en blanco y negro se verá algo sucio, ínfimo y perdonado por el detallismo; siendo así las páginas a color las más alabadas en esta obra. De las páginas a color se puede destacar muchas cosas, pero me quedo con las escenas de los viajes a través del ciberespacio, donde el color delimita bien el barullo de líneas inteligibles cuando utiliza tinta y trama.

Otro punto a favor es el diseño mecánico tanto de robots, como de barcos y aeronaves, siendo más realista que en sus trabajos anteriores donde la caricatura parecía no perderse. Aún así, aunque mucho más cuidado, no defrauda a su fan creando momentos caricaturescos cuando menos te lo esperas. Por último, resaltar la colocación de viñetas, donde en sus anteriores obras no eran resaltantes, pero sin duda alguna en GS2 consigue un gran dinamismo en las escenas de acción.





D4T4 C0MP1L4T10N:
UNA OBRA PARA UNA INMENSA MINORÍA.


Una vez mostrada las sinopsis y haber hablado sobre la técnica de Shirow en cada una de las obras que la compone, llega la hora de hablar más profundamente sobre Ghost in the Shell en vistas generales.

Si por algo es conocido este manga y su autor es por las múltiples notas de este a pie de página, márgenes o cualquier rincón para explicar términos, como funcionan ciertas cosas, por qué esto o lo otro… -ya sea real o ficticio- Cosa que ayuda al lector a comprender ciertos momentos del manga, que llega a divertir cuando después de una exhaustivo análisis de un arma termina con un “esto me lo he inventado”. Y menos mal, porque precisamente Shirow ha tenido contactos con universidades y profesores encargados de la investigación de últimas tecnologías y muchos de los inventos que pone están basado en prototipos que incluso hoy en día están siendo estudiados y/o presentados. Pero no me alejo más del tema principal y continúo, porque además de esas notas, el propio autor dejará sus puntos de vista de cada capítulo al final de cada tomo (excepto en Man-Machine).

Otra crítica, es el erotismo que ha de resaltar en cualquier número haciendo que la prota se medio desnude, tenga una orgía con compañeras o deba lucir ajustados ropajes enseñando lo máximo. En este punto, Human Error puede ser la más dañada (o favorecida, según como se mire) por falta de dichas escenas, pues ahora la mayoría de componentes son varones, si bien no falta los comentarios subiditos de tono.

Profundizando un poco sobre lo que se puede ver en el argumento, puede asustar en parte porque puedes ver parrafadas en varias hojas, pero el estilo desenfadado de Shirow a la hora de crear los argumentos introduciendo chistes fáciles, discusiones absurdas y algún juego de palabra, hace que la historia pase amena. Tanto, que puede pasar por desapercibido toda la esencia del capítulo en cuestión -lo cual es también una falla-. Por desgracia le achaco una falta de centralización en los personajes y sus sentimientos, cosa que sí hace películas y serie, ya que en el fondo se centra más en cada caso y simplemente en el pensamiento del personaje sobre el caso, nada más; con lo que sólo leyendo el manga puede ser difícil conectar seriamente con alguno de ellos. Pese a esto, la moralidad sobre la existencia, no sólo como individuo en cuerpo, sino también en alma, estará presente en cada capítulo unido a una crítica social a veces compleja de captar. Reseñar que los personajes del manga son muy diferentes a las películas/serie, siendo muy risueños y desenfadados, divirtiéndose en cualquier momento de la historia incluso haciéndoselo pasar mal al compañero; el punto de humor de los mangas. De los tres volúmenes, Man-Machine puede considerarse la más centrada y adulta, a la vez de la más compleja incluso para el más fanático de Shirow, pudiendo ser intratable.

Antes de acabar, hay que decir que los mangas llegaron a España gracias a Planeta DeAgostini, la primera parte con la traducción ficticia de La Patrulla Especial Ghost y que por suerte actualmente parece haber vuelto a ser titulada como se le conoce en el resto del panorama. También se ha ocupado de los dos últimos tomos con su clásica manía de la impresión inversa (ya hecha por Dark Horse, la encargada en EE.UU.) que hace que todos sean zurdos y unos pocos diestros. El precio hace un año era:

Ghost in the Shell: 11.95€
Human Error Processor: 13.95€
Man-Machine Interface: 17.95€

Sin duda Shirow se ha convertido en el Asimov de Japón.





Historia de ciencia ficción, con alicientes de acción, humor y con una intención moral creada para una extensa minoría, imprescindible para todo buen fan del seinen y la ciencia ficción.

Lo mejor: el mundo futurístico en sí de Shirow, su satírica forma de contar las historias con interesantes puntos de moralidad y crítica.

Lo peor: un dibujo muy satirizado en los primeros tomos que puede no conectar con el género del seinen y demasiada profundidad en cada capítulo que puede llegar a perder cuando se aúna con su humor. Lo denso de Man-Machine, que puede perder incluso al más fan de Shirow.

Sazae San



Nombre original: サザエさん
Autor: Machiko Hasegawa
Género: comedia, vida cotidiana
Nº de tomos: 45 tankoubons (cerca de 10.000 tiras cómicas)
Fecha de emisión (papel): 1946-1974
Fecha de transmisión (tv): 1969-actualidad
Nº de capítulos: Más de 2100 (un episodio puede abarcar 3 cortos de 8 minutos)

Narra las aventuras de una mujer de 28 años en su vida diaria, todo en el ámbito de los cambios en la sociedad japonesa luego de la Segunda guerra mundial, y los contrastes con lo "conservador" y lo "moderno".

Estilo de dibujo: Algo singular es que el anime no va evolucionando significativamente en cuanto a calidad, debido a que debe ser uno de los pocos títulos actuales donde no se utiliza la ayuda del ordenador, teniendo la clásica estampa de los trazos hechos "a la antigua", puramente lápiz. Ignoro si será como una especie de deferencia, sólo puedo agregar que los episodios actuales poseen mejor nitidez y aumento de brillo, pero nada más.
"Mis vecinos, los Yamada" es un claro homenaje a esta serie, donde se narran historias de vida comunes y fomentadas con buenas dosis de comedia.
Caras redondas, ojos chicos y puntos para las pupilas, notándose las diferencias en los peinados ya que la autora nunca pensó en una adaptación a la televisión; la función de la serie fue lograr la mayor fidelidad para obtener el visto bueno de Hasegawa.

Con tantos años de pantalla los dobladores fueron cambiando, siendo los más importantes Midori Kato como la voz de Sazae, Sally (Magical Witch Sally), Kitaro (Gegege no Kitarō) y otras series menores de mediados de los 60.
El esposo, Masuo Fuguta inicialmente fue interpretado por Shinsuke Chikaishi durante 9 años, en el reemplazo hallarían al seiyû Hiroshi Masuoka, (su título más emblemático es el Maestro Rôshi en la etapa DB GT).
Namihei y Umihei Isono son papeles de Ichiro Nagai, Mito en "Nausicaa del Valle del Viento", y el padre de" D" que se encuentra en la palma del protagonista (Vampire Hunter D).

Opinión personal:
Aunque es humorística en la mayor parte, la serie refleja muchos de los arquetipos de la sociedad japonesa en aquellos años. Mientras muchos personajes siguen el pensamiento común, Sazae se rebela sin intención, ya que no se siente cómoda con el lugar que tienen las mujeres en su país. Aunque es buena en las tareas de la casa, no soporta que los hombres no deseen ayudar, teniendo que recurrir a diferentes tretas para limpiar el hogar (amenazar no hacer las comidas preferidas es una buena técnica para ella). Lo mejor es el carácter que agrega para cualquier actividad: de buenas maneras a "golpes limpio", si algo anda mal y necesita encauce, Sazae no duda en usar puños, lanzadas y estiramientos al "enemigo".



La mayoria de los episodios trascurren en la casa mencionada, lugar donde se encuentra la familia reunida y las visitas de los vecinos, quienes sorpresivamente no ocupan un lugar secundario sino que se complementan junto a los primeros.
La casa donde habitan es enorme en comparación al original, logrando más variedades de vistas y fondos, llenos de detalles y colores. Los trazos y líneas son simples y arriegándome a parecer repetitivo, con esa sensación de estar mirando algo que es del tiempo de Matusalem. Para dar una idea del fenómeno en oriente, podemos añadir que posee más capítulos que Doraemon y Shin-chan, y aunque sus miradas sean de temáticas opuestas (Doraemon es para los pequeños, Shin Chan es más ácido) los tres son reconocidos como estandartes de la animación.



Todas las vivencias normales que trascurren en cualquier matrimonio con hijos son reflejados en la pantalla, desde la comida, las charlas, los hobbies personales y hasta las notas de escuela, factor determinante para que uno de los niños (quien no suele sacar buenas notas) intente mejorar de extrañas maneras los (malos) números, y por supuesto que sea sin estudiar.

Ya sea en formato manga o tv, ninguno va envejeciendo, manteniendo la frescura del carácter de cada uno intacto. Hay cumpleaños, festividades y demás, pero en los siguientes episodios todos conservan sus edades del principio.


Con 45 tankoubons, en Japón se vería una "historieta cómica" de cuatro viñetas sin trama aguda ni con un objetivo claro, sólo mostrar a la protagonista junto a su marido y los pequeños revoltosos alrededor, la aventura de sobrevivir a lo cotidiano se proyectaría en papel durante casi 30 años y 40 en televisión. Sin embargo, los derechos del tankoubon para ser adquiridos a nivel internacional nunca llegaron a satisfacer a la autora, ya que consideraba (y teniendo razón) que lo marcado en su obra no podrían identificarlo los países que no sufrieron las penurias de la Segunda guerra. Con todo en contra, el marcado tono alegre de Sazae y su voluntad para lograr el bienestar de su familia, logró esbozar sonrisas a un pueblo que apenas años atrás veía su derrota, cambiando su manera de vivir al ser impuesto el estilo americano en las actividades diarias. Si se analiza cuidadosamente, lograremos ver que concuerdan los ropajes antiguos con los vestidos actuales, el recelo y luego la aceptación de la tecnología, y los cambios económicos que se suceden con los años.

La nostalgia que ejerce en Oriente es tal que los intentos de llevarla a la pantalla como "live action" siempre fueron insatisfactorios en cuanto a aprobación general. Ya hubo cuatro películas (con diferentes actrices) y se rumorea una nueva entrega donde la protagonista sería Alisa Mizuki, aunque no hay nada oficial.



Algo que encontré buscando en internet, (en una mezcla de japonés con inglés) es que debieron cambiar el ending que se usó desde 1969 a 1990, donde Sazae tiraba un frijol al aire y lo atrapaba con la boca ¿qué pasó? algunos niños se asfixiaron imitando el truco. Para los futuros epílogos, Sazae "desafiaba" al espectador con el jan-ken-pon (para los occidentales sería el "piedra,papel o tijera").

Con la muerte de Machiko Hasegawa, la familia tardó en aprobar la construcción de un pequeño museo, siendo finalmente escogido un pequeño local (digo pequeño en comparación a los actuales lugares de "veneración" a los mangakas) en el distrito Setagaya de Tokio. De aquí salen la mayor parte de los productos que se comercializan, hallándose accesorios de todo tipo con la estampa de Sazae o algún familiar, donde veremos carteras, manteles, vasos, llaves, cucharas, pósters, muñecos y un largo etc.


Lo único difícil (por no decir imposible) es poder disfrutar de este título en español, sin embargo hay ediciones bilingües hasta el tomo 12, siendo la delicia para quienes conozcan el inglés.
Otras obras de la autora son "De tal palo, tal astilla" y "La abuela diabólica", siendo esta última pasada al inglés (el título escogido es "Granny mischief") y donde visualizamos a una anciana que molesta constantemente a quien se cruce en su camino, claro que con humor. Al igual que con los tomos mencionados de Sazae-san, Kodansha International fue el encargado de una traducción a Estados Unidos.


Quien maneje el sstema de compras online de Amazon verá recompensado su búsqueda, ya que se venden al extranjero los primeros ejemplares (antes que pregunten aclaro que desconozco los valores monetarios de cada país) e incluso Sazae-san figura entre sus productos de manga internacionales.

Spoiler: capítulo final manga (gracias San Wikipedia inglés)
En 1974, la tira final muestra la felicidad de Sazae al encontrar un huevo de doble yema, con Katsuo remarcando lo maravilloso de las "pequeñas cosas de la vida".
El "huevo doble" es signo de la abundancia en Japón, equivalente a nuestro trébol de cuatro hojas, suerte para el portador.

Lo mejor: Machiko Hasegawa, pionera entre las mangakas, el humor sencillo pero efectista.
Lo peor: No hay traducciones al español.

Tokyo Magnitude 8.0

El terrible terremoto que sacudió a Japón el pasado 11 de Marzo y que hoy mantiene a gran parte de su población en el filo de una navaja. Ese terremoto que alcanzó los 8.9 grados en la escala Richter, junto a su tsunami, que nos tiene incluso hoy en vilo ya no sólo por las cifras tan altas de muertos y desaparecidos, sino por la catástrofe nuclear que se puede derivar. Desde ese día, muchos han sido los medios que hablan de manga y anime los que han nombrado esta obra que ha parecido casi profética. Si bien es cierto que se quedaron bien cortos en la magnitud y en las consecuencias. Y aún así es una obra digerible, digna de ver y que a pesar de no eclipsar a la realidad, puede darnos una idea de lo que está pasando tras el 11M nipón a aquellos que no lo vivimos en primera persona y que sólo vemos imágenes entrecortadas en las noticias. Es por eso que hoy he decidido desempolvar una review realizada ya de antaño -como muchas que publico en estos meses-.
Siendo lo más realistas posibles, BONES nos trae este anime que más que espectáculo visual con edificios derrumbándose, intenta mostrarnos el valor de la familia y un largo peregrinaje donde expiar las culpas de la monotonía a ojos de nuestros jóvenes protagonistas. Tras esta larga introducción, merecida en esta semana, lo que leeréis es la review tal cual, antes de los auténticos y terribles sucesos.


Director: Masaki Tachibana
Productora: BONES

Género: Drama, Aventura...
Categoría: Seinen
Capítulos: 11

Año: 2009






Mirai y Yutaka son dos hermanos que viven en su monótona vida. El pequeño Yutaka, viendo como su familia parece romperse y olvidar su felicidad, decide intentar llevarlos a Odaiba, fracasando y sólo arrastrando a su hermana mayor que debe cuidar de él con poca gana. Entonces es cuando ocurre.

Un terremoto de una magnitud 8.0 de la escala Richter ha azotado Tokio y los intentos de los hermanos de no separarse y volver a casa serán múltiples. Por suerte cuentan con la ayuda de Mari, una mujer con la cual se topan justo en el momento del desastre. Sus únicos objetivos es sobrevivir en una ciudad caótica y enfrentarse a sus temores para reunirse con los suyos.



TOKIO EN CAOS

Tokyo Magnitud 8.0 es un soplo de aire fresco para el género que podríamos denominar como "Catástrofes Naturales". Y es que últimamente estos se basaban en una supervivencia al límite de sus protagonistas y luego tratar como personaje principal a la propia catástrofe con pomposos efectos especiales... dando lugar a que los personajes, su verdadera historia, quedara relegada.

Justo este anime recupera el valor de los personajes, la "pomposidad" sólo aparece en los momentos necesarios y justos, con alguna secuencia un poco exaltada para que parezca la típica heroica pero que no es nada más lejos de la realidad, siendo todo mucho más plano y fiel.

¿Y eso la hace menos? Pues no, porque como he dicho no dudan en usar lo pomposo en sus momentos justos haciéndola atractiva cuando ocurren las catástrofes. Aquí lo que importan son nuestros jóvenes protagonistas, que poco a poco se darán cuenta de lo mucho que se necesitan el uno al otro y como el conocerse, el ser hermanos, ha cambiado sus vidas. Así, la mujer que les ayuda debe soportar un gran peso de responsabilidad, haciendo que te encariñes con ellos y muestres un fuerte apego a la vez que sufres sus miedos.

Una historia que al principio parece querer mostrar el lado amargo de la sociedad en esos momentos, pero poco a poco veremos un lado más amable, de colaboración y ayuda, que en la realidad se mezclaría pero en la serie forma parte de un paisaje que conoceremos en el camino que siguen los protagonistas. Una serie que nos muestra cierta crudeza y humor, lo que provoca que no acabes hastiado. Todo ello con un final efectivo y emocional.

Casi se me olvidaba, otra cosa buena de la trama es su humor directo y efectivo, descargando un poco ese halo de drama y pesadumbre que puede soportar la serie.

Tal y como he empezado, una historia que le da a este género cierto soplo de aire fresco. No sé hasta que punto la aparición de los robots es cierta o no, pero le da un toque de ciencia ficción que a mi me gusta y no es lo destacado.




UNIDOS HASTA EL FIN DEL CAMINO

La productora Bones (Cowboy Bebop, Darken than Black...) se ocupa de este anime detallado a manos del director Masaki Tachibana, que ha participado en Eureka Seven, Ghost in the Shell -Stand Alone Complex- o Moribito.

Dibujo a manos Atsuko Nozaki (ha trabajado en Le Chevalier D´Eon, Ergo Proxy...), el cual es simple, muy simple en los personajes, con trazados finos y poco detalle quedando bastante planos, que por suerte es equilibrado gracias a atuendos y complementos con cierto detalle. Un dibujo 2D puro que resalta mucho con los fondos recreados y mimados ,y los secundarios creados por algún tipo de programa informático (también afecta a los protagonistas cuando están en planos generales), resaltando estos últimos por movimientos que intentan ser muy realistas -pero que parecen zombis sin sentido...-. Todo ello muy colorido, dando una verdadera sensación de verano y dando lugar a que el clima sea un problema más aunque no quede bien explotado.



Sobre la animación, digna de los tiempos en los que corremos y para el estudio que se encarga, mezclando la tradicional con ese programa mencionado anteriormente. Lo cierto es que no destaca mucho salvo por alguna escenita "heroica" y cuando ocurren los terremotos, provocando desenfoques, movimientos de puentes, estructuras de edificios... la verdad, lo único que destaca realmente con diferencia. Son esos momentos de pomposidad de las que hablaba en la opinión y que quedan perfectos.


Unidos hasta el final del camino... un final trágico y nostálgico.

Música bajo la batuta de Kô Ôtani, que ya ha trabajado en Zatch Bell o Gunslinger Girl, con música instrumental que no destaca pero cumple su objetivo. Si algo destaco es el opening "Kimi no Uta" por los abingdon boys school que ya se encargaron de la primera intro de Darken Than Black que es expuesto con increíbles fondos ruinosos de calles reales de Tokio.



Doblaje estupendo el nipón, acorde a cada personaje, a cada situación, pena que a veces las voces de niños me pongan de los nervios en los casos de doblaje japonés. Destaco a Satomi Hanamura como Mirai Onosawa (5 Centímetros por Segundo -Kanae Sumita- o Coyote Ragtime Shown -January-), Yuko Kaida como Mari Kusakabe (Dance in the Vampire Bund -Vera- o Ikki Tousen -Shimei Ryomou- ) y Yumiko Kobayashi como Yuuki Onosawa (Love Hina Again -Sarah McDougal- o Soul Eater -Black Star-).



En resumen, un soplo de aire fresco para el género donde su corta duración hace que sea de longitud justa y con un final "tienno", "lacrimógeno" aunque predecible. Si lo que queréis ver es algo lleno de acción y correteos a cada minuto, no es vuestro anime.

Lo mejor: que se centre en los personajes, el toque de humor, drama con la justa aventura y su toque de acción.

Lo peor: la forma escalada de secundarios pasando de "personas cabronas, egoístas e hipócritas" a "mira que buenos somos todos y como ayudamos", tanta pelea inútil entre hermanos da ganas de abofetear a alguien. El dibujo simplón para un seinen.

Tokyo Godfathers

En este mundillo hay directores que nada más aparecer se hacen un huequecito entre los más grandes, y si hay alguien así, ese es el fallecido el pasado año Satoshi Kon. Un hombre que pese a sus pocas obras se ha ganado a pulso el ser considerado uno de los grandes y no precisamente a título póstumo. Perfect Blue fue la obra que le catapultó a la fama, pero yo, la primera que conocí y que hizo que me enamorara de sus films es Tokio Godfathers, una obra explosiva que hará que hasta los no seguidores de “los dibujos animados japoneses” se queden pegaditos en el sofá soltando una lagrimita o partiéndose de la risa. Sin más preámbulos Tokio Godfathers.




Director: Satoshi Kon
Compañía: Mad House

Género: Tragicomedia, aventura
Categoría: Seinen
Año: 2003

Oficial Site






Cuando tres vagabundos encuentran un bebé.

Gin, un hombre algo chalado y agarrado siempre a algo con alcohol que recuerda una y otra vez su asquerosa vida; Hana, un “marica travestido” (palabras de Gin) que intenta mantener esta peculiar familia a flote y le ve el punto bueno de todo lo que les sucede; y Miyuki, una adolescente fugada de casa qué más o menos piensa igual que Gin, algo que hace que continuamente estén en disputas. Los tres son vagabundos y puesto que se acerca la navidad buscan regalos entre la basura, pero en la noche de Nochebuena encuentran en tal lugar un bebé.

Los tres marginados de la sociedad deciden encontrar a sus padres biológicos y resolver el misterio de su abandono, lo que les llevará a sucesos inconexos y les obligará a enfrentarse a su pasado, mientras que juntos afrontarán su futuro.





Comedia y realidad social

Y es que lo mejor de esta obra es la crítica social que emana de él en cada milímetro del film. Primero habla de una realidad existente como el de los vagabundos, personas sin techo y sin trabajo que deben rebuscar entre vertederos para sobrevivir, algo que se refleja en el film sin ser exagerado ni pasar al absurdo. Pero no sólo trata de vagabundos, pues poco a poco comenzará a ponerse en primer lugar el tema de la familia. Los tres protagonistas intentan inconscientemente vivir en un entorno familiar cada uno con su rol, a pesar de saber que su auténtica familia siguen viviendo su vida y que forman parte de su pasado, un pasado del cual intentan alejarse pese a que les gustaría que sus vidas hubieran continuado como estaban. Y después trata temas algo más variados y más de pasada como la sociedad en sí en la actualidad, sus ventajas e inconvenientes, que nos hace razonar mucho de la forma en la que vivimos y cómo la vivimos.

Pero dicho esto, seguro que os preguntareis dónde está el humor en todo esto, temas tan delicados y que nos puede llevar a la pesadumbre y el drama. Pues es su guión, su narración, lo bien hilvanado que encontramos la historia y los divertidos gags, gracias a Kon y su grupo de trabajo. Con conversaciones muy cercanas y a la vez fluidas que le dan ese toque sutil y humorístico que ameniza al máximo la película, así como divertidas escenas un poco más absurdas en los momentos menos delicados. También ayuda a su visionado una trepidante persecución y el toque de toda película navideña: el milagrito de turno de la navidad, con un gran sarcasmo tras ello.



Mad House, firma de calidad.

Estando Mad House en el proyecto es signo de una calidad técnica de seguro. Animación fluida, muy acorde con cada una de las escenas y donde recae parte del humor -fijaos bien en como anda Hana-, y un dibujo realista (pero sin dejar peculiaridades de todo buen dibujo manga) que hace sus veces al exagerar rasgos para alguna parte cómica o trágica, utilizando a su vez colores cálidos salvo excepciones. Los fondos son recreaciones de Tokyo muy bien hechas.

La música corre a cargo de Keiichi Suzuki, autor que sigue los ritmos creados por Susumu Hirasawa (el cual se encargó y se encargará de otras obras de Kon), donde lo primordial es una música instrumental al ritmo de jazz y blues y aspecto parecidos, que pronto pueden cambiar a una música más experimental o versiones graciosas como el del Himno de la Alegría de Beethoven... ¡Ah! y algún villancico.

Del doblaje japonés no tengo nada que decir porque siendo sincero, no la he visto ni por curiosidad, fallo mio imperdonable. Pero sí he visto la versión doblada española y es buena. Las voces concuerdan bien con cada personaje, y no sé si son fieles al guión en los momentos divertidos, pero sin dudan salen del paso sin decir tonterías ni estropeándola nada. Destaco las voces de los tres protagonistas, sobre todo el de Hana.

El encargado de traerlo a España y doblarlo fue Sony Picture (Columbia Tristar antes... y cuando compraron los derechos), aún puede encontrarse el DVD con un precio asequible en las tiendas españolas.

Trailer




En definitiva, una obra que da gusto verla en navidades en compañía familiar o con amigos y amigas. Denuncia social, humor y un poco de acción será lo que veáis en esta magna obra de Satoshi Kon. Una obra que no debéis perderos.

Lo mejor: Animación muy buena, música acorde, una historia bien hilvanada con un poco de todo ¿Qué más queréis leñe?

Lo peor: Casi nada.

Anne Freaks

En un mundo cada vez más bélico e inhóspito, las historias de Kotegawa son como un soplo de aire fresco; algo cotidiano, que escuchamos en las noticias, pero con su punto personal y por qué no decirlo, diferencial e imaginativo.


Ficha técnica:


Título original: Anne Freaks アンネ フリークス

Autor: Yua Kotegawa

Género: Horror, psicológico

Categoría: Seinen

Año: 2002

Nº Tomos: 4

Sinopsis:


Yuri Kitagawa se encuentra con el cuerpo ensangrentado de su madre entre sus brazos; le obligaba a estudiar cosas que no quería e incluso lo había acosado sexualmente. Al ir a enterrar el cadáver aparece una chica que se identifica como Anne para ayudarle a deshacerse de las pruebas del delito. Le dice que necesita a un asesino de padres, para matar al suyo. El siguiente reclutado es Mitsuba que criado por su hermana, es violento y no duda en apretar el gatillo y tiene en común un sueño con Yuri: el de una niña ensangrentada…



Realidad en trazos

Yua Kotegawa se dio a conocer al ganar el segundo premio de jóvenes artistas convocado por la revista Young Jump´s Monthly con su obra Ottori Sousa. Inició la serialización de Anne Freaks en la revista Shonen Ace en el año 2000; la buena acogida que tuvo hizo que Kadokawa Shoten se interesara en publicársela.

Es una mangaka conocida por la tendencia a usar en sus obras el terror psicológico y fantástico, mezclado con tramas policiales bastante verosímiles; esta es su primera obra conocida, a la que siguieron Arcana (2001) y Line (2003). Actualmente trabaja en el proyecto Blue Dragon que inició en el año 2007.

Su dibujo es fácilmente identificable por la limpieza y uso de contrastes así como por la expresividad de sus personajes, que aunque podrían ser catalogados como de tendencia shôjo por la finura de sus rasgos, el cuidado sombreado y las historias donde el romanticismo brilla por su ausencia, nos aclara que estamos ante un seinen en toda regla. Escenarios llenos de matices donde emplazar la acción y un cuidado vestuario, harán que nos sumerjamos en el mundo ideado por la autora, dudando muchas veces que no nos encontramos ante una fotografía en blanco y negro.

Sin embargo, el diseño de sus personajes es bastante parecido en sus obras: la heroína de turno (en este caso Anne) es una chica muy bonita de larga melena que va vestida de una manera informal y a la vez provocativa, queriendo transmitir la inocencia robada, ya sea por una niñez infeliz o por los acontecimientos que harán que se forje su carácter y dejando entrever su fuerte personalidad a través de los trazos de la dibujante.


El mundo real

El parricidio está a la orden del día, es una noticia que desgraciadamente repiquetea en nuestros oídos diariamente; en el caso del relato que nos ocupa, ahonda en el por qué se asesinaría a un progenitor y si la culpa nos dejaría seguir viviendo tranquilamente y quizás encontráramos placer en acabar con la vida de los que nos molesten.
Más allá de estas elucubraciones, el verdadero fin de la protagonista, matar a su padre, queda deslucido por la falta de descripción de los personajes. Si bien el dibujo es una preciosidad, el relato deja mucho a la imaginación y detalles del carácter de los personajes que solo podemos descubrir leyendo entre líneas.
Engancha en el primer tomo que comienza con un cadáver y la perspectiva de una historia fantástica, llena de acción y sangre, que va perdiendo gas en cada tomo debido a la falta de profundidad en sus caracterizaciones.
Pensar en lo fácil que resulta usar a la gente para llevar a cabo su fin, donde nadie cuestione que el asesinato es la mejor opción y ninguno se pregunte como es que domina a la perfección el arte de matar sin pestañear, dan a la protagonista la categoría de heroína, tal vez villana, según quien lea esta obra.
Todas las obras de esta autora, aunque son verosímiles, pecan de detalles que las hacen insostenibles a nivel real: aunque sea posible que alguien quiera matar a sus padres, el encontrar compañeros, la manera de desenvolverse en el mundo y el hecho de que tengamos que imaginarnos parte de la trama, oscurecen un relato a todas luces genial.

Resaltaré que no es una trama fácil de contar cuyo final os dejará un sabor agridulce y una sensación de que se os ha escapado algo y no sabéis que es.



En resumen: Una mezcla de sangre, intriga y una trama un tanto oscura, que atrapa desde la primera página.


Lo mejor: El desarrollo de un thriller psicológico con maestría.


Lo peor: La poca matización de hechos relevantes.

Ghost Hound

Desempolvando sus proyectos, Masamune Shirow, conocido por sus obras Appleseed y Ghost in the Shell, encontró esta particular historia que no dudó en “ceder” a Production IG, que ya se encargó de Ghost in the Shell (en formato película y serie). Ryutaro Nakamura, director de Serial Experiments Lain, se encarga de la dirección de este anime con su destreza en el terreno sobrenatural, en una historia que se sale un poco de lo visto hasta ahora, sacado de una mente como la de Shirow.

Autor Original: Masamune Shirow
Director: Ryutaro Nakamura
Compañía: Production IG

Género: Terror, psicológico, ciencia ficción, misterio
Categoría: Seinen

Número episodios: 22
Año: 2007





EL MÁS ALLÁ NO ESTÁ TAN ALLÁ COMO PENSÁIS

Taro, Makoto y Masayuki son tres compañeros de secundaria que viven en Suiten, un pequeño pueblo del norte de Kyushu. Los tres han tenido experiencias traumáticas en el pasado, marcándoles y dándoles una extraña habilidad: abandonar sus cuerpos para viajar a otro mundo no tan distinto al nuestro.
Pero algo ocurre, pues los seres que habitan en ese “más allá” han empezado a visitar más de lo habitual el nuestro y comienzan a concentrarse en el citado pueblo. Ahora los tres jóvenes compañeros de clase deben enfrentarse al misterio de sus traumáticos pasados, al presente y al que rodea tal extraño fenómeno que empiezan afectar la vida de los habitantes de Suiten, en especial a la hija del sacerdote del lugar.






QUIÉN FUERA FANTASMA

Obra con un gran argumento que por desgracia está mal llevado y mal finalizado. Se hace tediosa por cómo le cuesta arrancar, pues hasta el capitulo 6 o 7 no comienza lo realmente importante y lo que interesa, siendo lo anterior énfasis en los personajes y repitiendo, más o menos, lo del primer capitulo (y ojo: no digo que no sean claves). Con un final precipitado, que lo único que da de pensar es que en el capitulo 20 se acordaran de que el presupuesto no daba para más de los 22 o que la serie no tuviera tirón y se le cancelara el presupuesto para más. Por fortuna, lo bien llevada que están las secuencias sobrecogedoras, con buenas puestas en escenas y un sonido experimental espléndido, hace que te quedes pegadito en el sofá para saber más del pasado de los protagonistas y ver más esas escenas sobrecogedoras que por desgracia son escasas.

Otro punto fuerte que retrae a muchos -a mi me encanta- y hace que la serie vaya lenta, son las explicaciones teóricas en psicología (sobre la mente humana, las apariciones del más allá...), con largas conversaciones entre personajes, un gran número de definiciones y palabras incomprensibles para nuestro lenguaje. Este es el punto que nos recuerda que nos encontramos en una historia de Shirow. Incluso en los adelantos del próximo capitulo te cuentan teorías o experimentaciones reales, destacando como curiosidad la de MothMan (de la cual ya se hizo una película con Richard Gere -el canoso sexy de Holliwood-).

Es una serie que se recomienda para aquellos que quieran ver algo diferente en el anime... al estilo Shirow y Nakamura (que lo convierte en algo completito y por ahora único). Es una de esas aventuras de amistad adolescente -como alguna de esas pelis americanas de las que no recuerdo ningún nombre ahora- pero con fenómenos paranormales y muchas explicaciones técnicas de por medio. El problema, es que sin duda, visto el aletargado comienzo y el abrupto final casi sacado de la manga no deja precisamente un buen sabor de boca. Curioso algunos guiños a otras obras de Shirow.


"¿Estáis seguros de que estoy viva? ¿Estoy muerta? ¿Soy real? ¿O acaso solo soy algo efímero creado por tu mente?"



PSICOFONÍAS Y APARICIONES, HABLANDO SOBRE EL APARTADO TÉCNICO

Dibujo de estilo sencillo, con trazos finos y grandes ojos que muestran en los protagonistas bastante expresividad a manos de Mariko Oka. Ahora bien, no es el correcto para este tipo de anime que desea ser serio, quitándole ese ambiente que pretende dar -y que aún así es capaz de conseguir-. Además confunden, pues por la trama del guión y las elaboradas conversaciones psicológicas, solo nos afirma que va dirigido a un público adulto y no juvenil, estilo que sigue este dibujo que puede pensar que estamos ante un Shônen. Su contrapunto, y que hace que podamos pasar del dibujo, es el juego con los colores. Si bien para un día cualquiera suele haber escenas muy coloridas y llenas de vida, estas se oscurecen y llegan a un extraño grisáceo (y a veces verde o azulado) que mantiene una sensación extenuante. Hermosos los paisajes, elaborados y cuidadosos con tonos pastel.



La animación bastante buena, como casi todas las series que saca Proction IG. Movimientos suaves y delicados que se desenvuelven muy bien en un entorno elaborado. No tengo pega que ponerle.

Es en el campo de los efectos sonoros donde gana mucho la serie, sobre todo en los momentos cumbres y escenas paranormales. Experimentaciones con sonidos extraños, que pueden pasar de vibrantes chirridos, a enmudecimientos y apagados de voces. Harán que tus altavoces parezcan que se hayan estropeado. Así que muy recomendado verla con un subwoofer. Sin duda lo mejor de esta serie y lo poco que puede llegar a dar repelús en contra del dibujo.

Sonido de ejemplo:



La banda sonora es ínfima, cumpliendo su cometido de adentrarnos en la serie, pero no es algo muy musical, caso excepciones. Es más, suele utilizarse los efectos de sonidos para acompañar (a veces unido a una de esas piezas), dando una mejor ambientación. Las únicas discutibles: el opening con tinte de Jazz, es rítmico y algo pegadizo (Postergeist by Mayumi Kojima) y el ending, melancólica melodía que concuerda con el pasado de uno de los protagonistas (Call me Name by Yucca).



Destaca el doblaje japonés con Akiko Yajima como Miyako Komagusu, Jun Fukuyama como Masayuki Nakajima, Kensho Ono como Tarō Komori y Souichiro Hoshi como Makoto Ōgami, con voces más que acordes. España también tiene su doblaje -desconozco por quién, creo que el canal Buzz-, que por desgracia no es de lo mejor que he escuchado, pero hacen el papel.



Anime recomendable para aquellos que quieran ver algo diferente y les guste saber cosas, en este caso lo unido o no que puede estar la psicología y, lo que se entiende, por el Más Allá. Es algo único hasta ahora ver una historia Shirow/Nakamura.

Lo mejor: La experimentación sonora en todos los capítulos de la serie, haciéndola algo única (o casi, pues algo parecido se hacia en Lain). Así como las escenas de terror y suspense que logran con creces su objetivo, el alarde de información psicoanalítica, con sus derivados, y una trama interesante.

Lo peor: Que a pesar de una gran trama este mal desarrollada, lo que lleva a que nos defraude de casi seguro, con muy escasas escenas de terror en toda la serie. El dibujo, aunque logra su propósito, no concuerda con esta serie dirigido más a un público adulto por su temática. La misma información psicológica, que se convierte en un montón de parrafadas difíciles de entender en un solo visionado, haciéndose insoportable -excepto para mí, que me encantan estas cosas-.